Aux Frontières des Séries

Anges De La Nuit (les)

Nathanaël Picas — 2010-01-02T03:29:33Z

La légende parle d'un justicier masqué, Batman, Gardien de Gotham city, et de son grand amour Catwoman, reine du monde de la Pègre. De leur passion est né un être extraordinaire : une fille... Chasseresse. Moitié méta-humaine, elle suit les traces de son père et dès que la nuit tombe, elle se bat pour protéger les faibles et les innocents.

A ses côtés, Oracle qui un jour fut Bat Girl, protégée de Batman. Le combat ayant opposé le Joker à son protecteur l'a laissée sans l'usage de ses jambes. Aujourd'hui, elle poursuit la lutte avec d'autres moyens. Maîtresse des Royaumes cybernétiques, elle est un mentor et entraîne des nouvelles recrues.

Ensemble, elles ont accueilli une jeune fugueuse : Dina. Elle-même méta-humaine. Et dont les pouvoirs permettent l'accès au monde des esprits. Des pouvoirs qu'elle commence seulement à explorer. Ces 3 jeunes femmes sont les nouvelles gardiennes de Gotham City. Les Anges de la Nuit. Je m'appelle Alfred Pennyworth et voici leur histoire.

A votre avis ? Après un telle introduction, sommes-nous devant la série de la décennie ? Ou au contraire devant un bon plantage en règle. Le suspense est à son comble.

Les Anges De La Nuit, Birds Of Prey en version originale, est un gros nanar comme je les aime. Un sommet de kitch et de fausses bonnes idées réunies dans une série de 13 épisodes.

Et pourtant, le réseau Warner Bros fondait de grands espoirs quand il a lancé la série en 2002 sur les écrans américains. Gros moyens, campagne de communication, une série qui surfe sur le succès des Buffy, Charmed et autres Smallville, qui plus est inspirée d'un comics à succès ! Tous les indicateurs étaient au vert.

D'autant que le premier épisode commence par une introduction correcte : elle nous projette dans le Gotham City du futur, et fait illusion les 3 premières minutes. Hélas, c'est un parfum de bouse bien fumante qui nous bouche rapidement les narines.

La faute à qui ? Le scénario : ringard à mourir et dénué du moindre second degré. D'autant qu'à côté de leur vie de justicières, nos 3 donzelles essaient de mener une vie amoureuse, trèèès compliquée.

En résumé, 3 femmes, 3 héroïnes avec leurs capacités respectives vont tenter de sauver la veuve et l'orphelin. Tout en draguant les beaux mecs qu'elles croisent. C'est terrible, les producteurs ont décidé de copier Charmed… en plus mauvais. Si c'était encore possible !

Car décidément, rien ne sauve la série du naufrage. La mise en scène se veut jeune et branchée. Elle est surtout laborieuse : elle rappelle plus Bioman que Matrix ! Les effets floutés s'entremêlent avec des accélérés plus ratés les uns que les autres. Résultat, on ne comprend plus rien de ce qui se passe à l'écran. Mais après tout : est-ce vraiment important ?

La cerise sur le gâteau de cette série indigeste revient sans conteste au choix de l'actrice principale : Ashley Scott dans le rôle de Chasseresse. Le charisme d'une huître combinée à la vulgarité d'une mauvaise actrice de films pour adultes. Le carnage est total.

S'il fallait sauver une seule chose des Anges De La Nuit, ce serait uniquement pour la vision d'une des héroïnes les plus grotesques de toute l'histoire des comics : Black Canary ! Ou comment une belle blonde peut tout balayer sur son passage en sifflant. Merveilleux moment de solitude pour l'actrice qui joue le volatile. Et petite consolation pour le spectateur au bord de l'indigestion.

Fifi Brindacier

Sarah Sepulchre — 2009-10-07T21:00:00Z

Introduction

Pippi Langstrumpf en Allemand, Pippi Longstocking en Anglais, Pippi Langstrump en Suédois, Pipi Calzaslargars en Espagnol... Autant de noms pour désigner celle que nous connaissons sous le nom de Fifi Brindacier ! De la même manière, les autres noms sont souvent différents selon les langues et les supports (livres ou audiovisuel). Le singe s'appelle monsieur Neilson en anglais, monsieur Nilsson en Suédois, monsieur Dupont en français ; le cheval est parfois Oncle Alfred, parfois Oncle Albert. Elle habite la villa Drôle De Repos en français et la villa Villekula dans d'autres pays. Seuls Annika et Tommy gardent une identité constante.

Fifi nous l'avons tous connu dans notre enfance. Nous l'avons peut-être redécouverte dans l'une ou l'autre édition vidéo. L'image a rendu les traits de Inger Nilsson, l'actrice, immortels. Difficile de croire que le personnage de « Fifi Brindacier » (le premier roman a été publié en 1945) a fêté ses 60 ans en 2005 !

Présentation de la série

Des tresses rousses qui défient l'apesanteur, des taches de rousseur à revendre, un sourire gourmand. La frimousse de Fifi Brindacier est une incontournable de la petite lucarne. Elle est la petite-fille et la fille de pirates. Son grand-père, le premier de la famille à se tourner vers la vie en mer, s'appelait Philibert. Son père vogue dans les mers du sud, il est d'ailleurs tellement gros que la légende dit qu'il ne peut se noyer. Il est aussi le roi du pays Taka-Tuka et il l'a emmenée voguer sur toutes les mers du globe.

Elle a neuf ans [1] et pourtant elle vit seule. Son père est donc en mer et sa mère est morte (elle dit qu'elle est au ciel et qu'elle la regarde à travers un trou dans les nuages). Enfin,... seule avec un singe, Monsieur Dupont, et un cheval, Oncle Alfred.

Hors norme, elle l'est, c'est certain. Elle possède aussi une force exceptionnelle (elle porte des vaches, des chevaux, des policiers sans le moindre effort). Elle est même plus forte que son père ! Fifi est aussi à l'abri du besoin, puisqu'elle possède une valise pleine de pièces d'or (sans cesse convoitée par des brigands d'ailleurs).

L'auteur du site internet www.blairmag.com souligne avec raison que ces deux traits, la richesse et la force, ne sont pas vraiment importants dans l'histoire. Elle est riche, mais on ne s'en aperçoit que quand elle offre une tournée générale de glaces et elle ne se sert de sa force que quand c'est vraiment nécessaire. Sa vie est amusante assez sans cela, poursuit-il.

Fifi est loin d'être très fréquentable, pourtant elle est l'amie d'Annika et Tommy. En leur compagnie, elle peut être la petite fille la plus généreuse, la plus altruiste qui soit. Par exemple, elle leur offre des cadeaux à l'occasion de son propre anniversaire (épisode « Anniversaire »). Elle se dévoue souvent pour leur inventer des jeux extraordinaires.

Mais entre Annika, Tommy et Fifi, le contraste est évident. Elle est fougeuse, inventive et audacieuse. Elle leur fait souvent faire des choses interdites. Elle joue avec ses pâtes bolognaise, elle monte sur ses meubles, elle saute sur son lit jusqu'à le casser. Elle aime raconter des sornettes (sur l'île de son père, c'est d'ailleurs un sport national). Partout on peut lire que Fifi représente la joie de vivre. Sans contraintes, loin des adultes, de l'école et des obligations. Elle se couche quand elle veut, elle chante, elle se déguise, elle mange du chocolat et boit la limonade qui pousse dans son arbre.

Mais sa condition n'est pas toujours drôle. Fifi est ainsi souvent seule. Elle doit se souhaiter elle-même bon anniversaire (épisode « Anniversaire ») et Annika remarque tristement qu'elle est seule tous les soirs quand ils partent (épisode « Fifi fait ses adieux »). Fifi semble aussi incapable de lire – puisqu'elle charge Tommy de lui lire les messages envoyés par son père (le film) – ou de compter (épisode « Anniversaire »).

Tommy et Annika sont des enfants modèles, sages, parfois timorés. Ils se laissent embarquer dans les aventures de Fifi, mais ils ne cessent de se demander ce que leur mère penserait de tout cela. « Maman ne serait pas contente », s'exclame constamment Annika. Annika est une carricature de la fillette craintive. Tommy est à peine plus téméraire, mais il rêve de devenir pirate avec Fifi. Il sera son second (même si son père veut qu'il devienne comptable comme lui !).

Annika ne veut surtout pas être pirate, Fifi lui dit qu'elle nettoiera donc le pont du vaisseau (chouette perspective !). Ces deux personnages sont incontestablement des faire-valoir de Fifi. Ils sont là pour la mettre en valeur. Ils en sont l'exact opposé. Ils sont d'ailleurs la plupart du temps inactifs. Quand ils apparaissent à l'écran, c'est souvent en gros plan alors qu'ils regardent fascinés, dégoûtés ou souriants Fifi accomplir ses « méfaits ».

Subversive Fifi

« Pas étonnant que cette Fifi anti-autoritaire ait été victime de la censure dans les pays conservateurs et les dictatures, et qu'elle ait horrifié bien des grandes personnes. Il y a dix ans encore, un débatteur suédois affirmait que le `culte de Fifi´ avait eu une influence extrêmement nocive sur l'école et l'éducation des enfants. `Le culte de Fifi a tout mis sens dessus dessous, l'école, la vie de famille, les comportements normaux´, pouvait-on lire dans un article de débat du quotidien Svenska Dagbladet » [2].

Il ne faut pas aller voir aussi loin : la France a expurgé la première édition du premier roman de Fifi. Et, même la traduction refaite ne sied toujours pas aux ayants droit. Soit dit en passant, si Fifi est aujourd'hui indisponible en France, c'est pour une histoire obscure de droits sur le titre du livre qui appartient à Hachette et ne peut donc être utilisé par une autre maison d'édition qui souhaiterait publier les romans.

Cette tendance, très critique, très conservatrice est représentée au sein-même de la série par le personnage de Tante Percilla. Elle veut que Fifi aille à l'école, s'offusque que la fillette vive seule dans sa maison et voudrait la placer dans un orphelinat. Pourtant, sa bienséance ne l'empêche pas de s'enticher du père de Fifi, un pirate ! (épisode « Fifi et le capitaine Ephraïm »).

La plupart du temps, Tante Percilla est tournée en ridicule par Fifi. Elle se moque de sa manière de chanter (« je croyais qu'on vous torturait »), elle salit sa robe, elle envoie sa souris interrompre sa discussion « langoureuse » avec Ephraïm. Le récit tourne ainsi en ridicule le point de vue que les adultes coincés pourraient avoir sur l'histoire et le personnage de Fifi.

Tira Meri, la journaliste déjà citée ci-dessus, soulignait que les critiques ont peut-être pris Fifi trop au sérieux, que les enfants savent que certaines choses ne se font pas. Un autre journaliste, du Monde cette fois, souligne que Fifi est surtout une héroïne qui met la pagaille dans le monde des adultes « dont elle dévoile toutes les injustices » [3]

Il me semble que Fifi est un personnage symbolique, un peu comme un ami imaginaire. C'est elle qui crée les jeux, c'est elle qui crée les ambiances (« on disait que il y avait des rhinocéros et des indiens »). Est-elle un personnage à part entière ou n'est-elle que la représentation de l'imagination de Tommy et Annika, et par extension, celle de tous les enfants ?

Le roman d'Astrid Lindgren

Comme beaucoup de séries pour enfants, Fifi Brindacier était d'abord un roman. D'ailleurs, on y apprend que le vrai nom de l'héroïne est Pippilotta Viktualia Rullgardina Krusmynta Efraimsdotter Langstrump (la fin signifie « la fille d'Ephraïm Langstrump ») ! Il a été écrit par Astrid Lindgren. Certains sites déclarent qu'elle est la plus célèbre auteure de livres pour enfant au monde, c'était sans compter la comtesse de Ségur et surtout J. K. Rowling, mais bon...

Elle a inventé le personnage de Pippi Langstrump (en suédois) pour sa petite fille qui souffrait d'une inflammation pulmonaire. Tous les soirs, la fillette lui réclamait des histoires. « C'était en 1941. J'avais une pneumonie et tous les soirs, ma mère venait à mon chevet me lire des histoires. Un soir, j'ai voulu entendre celle de Pippi Langstrump, mais ne me demandez pas d'où venait ce nom. Je l'avais complètement inventé ! », raconte Karin Nyman, la fille d'Astrid [4].

Le premier roman est paru en 1945. En tout, trois livres seront publiés : Fifi Brindacier (1945), Fifi En Bateau (1946), Fifi Dans Les Mers Du Sud (1948). Ils ont été traduits en plus de 70 langues. Astrid Lindgren est ainsi l'auteur le plus diffusé de Suède grâce à Fifi et à Vic Le Victorieux. "Elle a marqué l'imaginaire de quatre générations de Suédois qui ont tous lu un livre d'elle, selon Catharina Mannheimer de l'institut suédois [5].

L'auteure est décédée en 2002. Une biographie a été publiée par Arne Reberg sous le titre Toi Et Moi, Astrid. Mais la fille de l'écrivaine l'a fait interdire en raison des nombreuses erreurs et libertés qu'aurait pris le biographe. Il lui a notamment prêté des convictions chrétiennes alors qu'elle était agnostique. Il prétend que les livres d'Astrid ont bercé son enfance alors qu'il était assez vieux pour les avoir écrits lui-même. Bref... Le 23 mars 2003, le livre a été retiré de la vente.

La série

La série que nous avons tous regardé quand nous étions petits compte 21 épisodes de 24 minutes. Elle a été crée en 1969 par Olle Hellbom. Il a d'abord créé un téléfilm en 1969 dans lequel on retrouvait les mêmes acteurs. Inger Nilsson (oui, comme le singe dans la version suédoise !) incarne Fifi Brindacier ; Maria Persson est Annika et Pär Sundberg joue Tommy. Cette adaptation germano-suédoise a connu beaucoup de succès en Europe.

Petit détail amusant, la musique du générique est la même dans tous les pays, seuls le texte change puisqu'il a été traduit et adapté dans chaque langue. Pour les Etats-Unis, les épisodes ont été reformatés en quatre films.

Aujourd'hui, la série a inévitablement vieilli. Le suspens entretenu dans les épisodes paraît souvent surfait. Le ballon qui les emmènent vers les mers du Sud manque de tomber à l'eau (le film), Fifi qui a plongé pour récupérer une barque au fond du lac ne remonte qu'au bout de quelques secondes (épisode « Fifi naufragée »)... Le tout sur une musique « angoissante ». Cela sonne évidemment un peu creux.

Les moments de silence – par exemple dans l'épisode « L'anniversaire de Fifi » quand ils mangent le gâteau ou quand ils montent dans le grenier – sont terriblement longs. Les méchants, essentiellement des adultes (des voleurs, les personnes qui veulent mettre Fifi à l'orphelinat, les pirates opposés au capitaine Ephraïm), sont généralement très bêtes, très peureux et maladroits.

Mais on a parfois droit a des choses très intéressantes. Par exemple, dans l'épisode « Fifi naufragée », Fifi ne cesse de raconter des histoires à ses deux amis, elle prétend que la barque passe dans un ouragan, que l'île est peuplée d'indiens et de bêtes sauvages. Le téléspectateur voit bien que rien de tout cela n'arrive, mais l'épisode est ponctué de bruitages qui portent le récit de Fifi. Cela donne un effet intéressant. C'est comme si on entrait un peu dans l'imaginaire que Fifi crée pour ses amis. Ceci conforte notre hypothèse selon laquelle Fifi est le symbole de cette imagination enfantine.

Inger Nilsson incarnait Fifi Brindacier. Sa perfomance excentrique a été largement saluée [6]. Ses grimaces, ses expressions faciales, ses gestes saccadés et son sourire à pleines dents ont probablement contribué à la construction de l'aura du personnage. Malgré cela, elle n'a jamais pu faire décoler sa carrière ensuite.

Elle travaille comme secrétaire à Stockholm. Occasionnellement, elle tourne des petits rôles. En 1989, elle joue dans Kajsa Kovat ; en 1994, elle participe au téléfilm Panik pa Kliniken et en 2000, le réalisateur suisse, Xavier Koller, l'a convaincue de jouer dans Gripsholm, un film basé sur un roman de Kurt Tucholsky.

Maria Persson et Pär Sundberg ont eu moins de chance. Leurs carrières ont commencé avec la série de Olle Hellbom et se sont clôturés avec le film.

Le film tiré de la série

Un film prolonge la série en 1970. Il s'intitule Fifi Chez Les Pirates (Pippi Longstocking On The Seven Seas en anglais) et met en scène les trois héros de la série. Il est lui aussi réalisé par Olle Hellbom. L'histoire débute par un monologue de Tommy en voix off. On y apprend que leurs parents sont partis pour trois semaines en les laissant sous la surveillance de Fifi (on note en passant que même à la fin de la série, les parents ne faisaient pas confiance à Fifi puisqu'ils envoyaient Tante Percilla pour les garder. Leur attitude a donc changé, peut-être parce que « Tante Percilla » n'était pas disponible pour ce film).

Fifi apprend par un message dans une bouteille envoyée par son père qu'il a été fait prisonnier par des pirates qui veulent l'obliger à révéler où est caché son trésor. Fifi, Tommy et Annika partent en ballon pour le sauver.

Le film souffre des mêmes faiblesses que la série. Par exemple, les « mauvais pirates » ne s'aperçoivent pas que le bâteau de Fifi approche. Son père révèle la cache de son trésor sous une torture insoutenable : on le chatouille ! Il a été tourné avec les mêmes comédiens et la même équipe de tournage, ceci expliquant les similitudes avec la série. Il fonctionne comme un épisode la série, sauf qu'on quitte la villa de Fifi pour des paysages exotiques.

Le film suédois

La série de Olle Hellbom n'était pas la première adaptation du roman d'Astrid Lindgren. Son chef d'œuvre a été porté à l'écran en 1949 par le réalisateur suédois Per Gunvall.

Les films américains

En plus d'avoir synthétiser les épisodes de la série en quatre films, les américains ont plusieurs fois adapté l'histoire de Fifi. En 1985, un téléfilm est dirigé par Colin Shilvers sur un scénario de Cynthia Chenault. Carrie Kei Heim joue le rôle de Fifi Brindacier.

En 1988, un film américano-suédois transporte l'histoire au grand écran. Il s'appelle The New Adventures Of Pipi Longstocking, mais il s'agit en fait d'un remake de l'histoire originale. Ken Annakin l'a écrit et réalisé. L'auteur du site www.blairmag.com nous apprend qu'il est très mauvais. Fifi y est une petite fille modèle et mignonne. Pire que tout, ajoute-t-il, il y a des chansons et le cheval de Fifi parle.

Notez que dans la version française, la série était déjà ponctuée de nombreuses chansons vantant les mérites, le courage ou la force de Fifi. Les épisodes ayant été ramassés en quatre films pour les Etats-Unis, peut-être que ces passages ont été sacrifiés et que les Américains ne savaient donc pas que Fifi, Annika et Tommy chantaient.

www.blairmag.com n'est pas le seul à dénigrer ce film. Il a reçu deux nominations aux Razzie Award : celui de la plus mauvaise jeune star pour Tami Erin (vu la date, Inger Nilsson était évidemment trop vieille pour reprendre le rôle) et celui du plus mauvais second rôle féminin pour Eileen Brennan.

Le dessin animé

En 1998, une série d'animation, Fifi Brindacier, voit le jour. Elle compte 26 épisodes de 26 minutes. Elle a été diffusée entre le 4 juillet et le 27 septembre 1998 au Canada et dans la foulée en France (TF1).

Féministe

Comme pour Zora La Rousse (encore une rousse !), Fifi Brindacier a été considérée comme une icône féministe. Tiina Meri, une journaliste suédoise écrit (sur le site www.sweden.se) que "Fifi Brindacier a encouragé des générations de petites filles à s'amuser et à croire en elles-mêmes. En ce sens, elle a fait énormément pour l'égalité entre les sexes.

Fifi n'est pas timorée, n'attend pas le prince charmant, ne tombe pas amoureuse. Elle est indépendante, forte, drôle, elle se fiche de son apparence. Elle se délivre aussi de certains complexes entretenus par une tradition pesante. A une marchande qui veut lui vendre une pommade pour les gens qui souffrent de taches de rousseur, elle répond qu'elle ne « souffre » pas de ses taches de rousseur, qu'elle en a, mais qu'elle les aime.

Cependant, le point de vue de Tiina Meri est riche parce qu'il n'est pas unibloc. Elle trouve que, paradoxalement, Fifi fait peser de nouvelles contraintes sur les filles. "Par exemple, la sage et proprette Annika, camarade de Fifi et petite fille modèle de son temps. Aujourd'hui Annika fait souvent figure de repoussoir – simplement parce qu'elle n'est pas effrontée, ne rêve pas d'aventure et ne joue pas un rôle de meneur dans le trio de copains. Sage et enneuyeuse, voilà l'image d'Annika. Mais toutes les filles ne peuvent tout de même pas être aussi courageuses, fortes et marrantes que Fifi ?.

On pourrait retourner le raisonnement : toutes les filles veulent-elles danser de manière débile comme Fifi, être habillées avec un bas orange et un bas vert ? Ce raisonnement fait ressortir toute l'absurdité des clichés. Il ne faut pas oublier non plus qu'Annika a été construite selon un modèle de fillette aujourd'hui révolu.

Personnellement, je n'ai jamais vraiment accroché à Fifi Brindacier. Déjà enfant, cela me paraissait trop déconnecté de la réalité. Je me demandais comment elle pouvait vivre sans parents, je ne trouvais pas ça chouette. Elle devait s'occuper de la maison et n'avait jamais de calin. Bref, cela ne me paraissait pas tellement enviable. La preuve que les censeurs dont nous avons parlés et qui avaient peur pour l'éducation, on vraiment pris les enfants pour des cons. Peut-être étais-je un peu vieille quand je l'ai vu. Ceci dit, je suis contente d'avoir vu cette série. C'est une manière comme une autre de connaître autre chose qu'Ikea de la Suède ! Malheureusement, la série est trop datée pour vraiment accrocher aujourd'hui.

Pour conclure, je vous apprendrai qu'en 2007, les Suédois ont fêté le centenaires d'Astrid Lindgren. Un musée et un centre de recherche en littérature de jeunesse ont été inaugurés à Vimmerby, sa ville natale.

Ce n'est pas la première fois que le gouvernement suédois honore la mémoire de l'auteure. En 2003, un an après sa mort, il a décerné pour la première fois le Prix Astrid Lindgren qui récompense un auteur, un illustrateur ou une organisation oeuvrant pour la promotion de la littérature de jeunesse. Le président du jury, Larry Lempert, a d'ailleurs eu une jolie phrase à son sujet... « C'est environ la moitié de la dotation du prix Nobel. On nous demande parfois si ce n'est pas trop. Mais comparé au prix Nobel, pourquoi serait-ce trop ? Juste parce qu'il s'agit de littérature de jeunesse ? Il est temps de faire tomber les préjugés. La littérature pour les enfants n'est pas l'antichambre de la `vraie littérature´ ! » [7]. Je ne pourrais rêver mieux comme mot de la fin.

[1]selon le site fifi-brindacier.fr.st et selon son père dans l'épisode « Fifi Et Le Capitaine Ephraïm »

[2]article de Tira Meri sur le site www.sweden.se

[3] www.lemonde.fr

[4] www.lemonde.fr

[5] www.lemonde.fr

[6] www.wikipedia.org

[7] www.lemonde.fr

Abenobashi

Vincent Dechamps — 2009-05-16T19:43:47Z

De mémoire de spectateur d'animé, je n'ai que très rarement, voir jamais autant savouré une série comme j'ai savouré Abenobashi Mahoh Shotengai. Véritable cocktail explosif, cette OAV de 13 épisodes est un déluge de situations plus grotesques les unes que les autres. Tout cela mêlé avec un sens de la parodie qui rend Abenobashi unique et hilarant.

Comme de coutume, c'est à nouveau la société Gainax qui est à l'origine de ce petit bijou de l'animation diffusé dès 2002 au Japon. Pour rappel, Gainax est aussi responsable de séries telles que Nadia, Evangelion et plus récemment l'incroyable Furi-Kuri dont nous avons déjà parlé dans cette rubrique.

Mais la société n'est pas seule sur ce coup. Elle partage cette création avec Madhouse que nous avons également déjà évoqué par l'intermédiaire de la série X. C'est dire que ce sont là deux grands de l'animation japonaise et que le résultat vaut le détour.

Mais venons-en à l'histoire. Tout se déroule dans le quartier marchand d'Abenobashi. Un quartier destiné à disparaître sous le coup des pelleteuses et l'ambiance y est plutôt à la déprime. Sasshi et Arumi, deux jeunes enfants d'une douzaine d'années, avalent plutôt mal cette situation mais rien n'y fait : tout deux doivent partir.

Les deux enfants découvrent alors que le quartier est protégé par quatre fauves divins qui semblent avoir un rapport avec un sanctuaire non loin de là. Le soir même, Masa-jii, le grand père d'Arumi, voulant faire fuir un chat brise l'enseigne du Pélican, la boutique dont il est propriétaire, et rompt ainsi l'un des quatre sceaux. A cet instant, un étrange évènement se produit et voilà nos deux héros envoyé à... Abenobashi ! Ben oui, tout simplement à Abenobashi, mais dans un monde parallèle. Commence alors pour eux une quête : celle de revenir chez eux, dans leur propre dimension.

Et c'est peu dire que ces autres dimensions sont délirantes. De l'ambiance plutôt morose sur laquelle s'ouvrait le premier épisode, se succède dorénavant une quantité incroyable de mondes calqués sur des styles cinématographiques plus parodiés les uns que les autres. On verra ainsi une apparition de Ken Le Survivant dans un épisode consacré aux arts martiaux, une partie science-fiction lorgne abondamment sur des grands classiques tel que Star Wars, Goldorak ou Gundam. On a même droit à un pastiche de Titanic dans l'écroulement d'un building ou encore à l'arrivée du petit héros en Terminator.

En un mot, si vous êtes fan de cinéma et d'animé, c'est tout simplement jouissif. D'autant, que la série place de temps à autres quelques scènes émotionnelles très réussies et qui donnent un rythme tout à fait particulier.

Je m'en voudrais de ne pas évoquer la qualité de l'animation. En effet, le design de chaque épisode est très légèrement modifiée selon le sujet, et ce avec brio. La série est également produite en format 16/9, une tendance de plus en plus courante tant dans les séries américaines qu'au Japon.

On remarquera également que la musique s'adapte, elle aussi, au style de la série. On y retrouve quantité de morceaux originaux mais suffisamment travaillés pour évoquer soit des compositeurs célèbres comme John Williams (dans le second épisode), soit un genre particulier (comme le film de guerre, par exemple).

L'une ou l'autre faiblesse cependant : le premier épisode est assez lent et morose. Il permet toutefois de faire la connaissance des habitants du quartier qui reviendront dans chacun des épisodes dans des rôles différents et loufoques. Une gommette dorée pour le personnage travesti... mais je n'en dirai pas plus à ce sujet !

Par ailleurs, si le démarrage est un peu difficile, il faut reconnaître que la fin connait le même sort, pas de grande surprise, voire même un peu de déception. On s'attend à quelque chose de plus original. Mais ces petits détails n'empêchent aucunement d'apprécier une série que vous ne serez pas prêt d'oublier.

Le Principe

Alexandre Marlier — 2009-01-09T00:47:46Z

Philosophie du projet :

Les séries sont présentes sur toutes les chaînes de télévision, à toute heure et touchent tous les publics. Ces fictions sont les héritières d'une longue tradition de « séries » qui a débuté avec la presse écrite et s'est poursuivie à la radio pour atterrir enfin sur le petit écran.

Considérés précédemment comme des bouche-trous dans la programmation, de plus en plus de feuilletons de qualité se retrouvent désormais en « Prime time » ou en « Access Prime time ». Songeons à Dexter, Les Experts, Rome,... dont on parle beaucoup actuellement. Mais les chef-d'œuvres existaient bien avant les couvertures des magazines. Belphegor, Les Rois Maudits, Le Prisonnier, Chapeau Melon Et Bottes De Cuir... ont fait les belles heures de la télévision d'antan.

Les fictions télévisées sont tellement présentes dans les grilles qu'elles ne peuvent pas ne pas avoir eu d'impact. Pourtant, rares sont les endroits (magazines, émissions, ou même livres) qui présentent des outils de décodage qui pourraient permettre aux téléspectateurs d'avoir un regard critique sur ces productions.

Le projet en quelques mots :

Nous ne nous contentons pas de surfer sur la vague populaire. Il ne s'agit donc pas ici de faire une chronique « People ». L'émission que nous proposons se donne pour mission, outre d'informer sur l'actualité des séries et d'analyser chaque semaine un exemple concret, de décortiquer le phénomène afin de comprendre les rouages de la sérialité, la spécificité de ces programmes et les influences qu'ils ont pu avoir sur la société. Un type d'analyse déjà présent dans la presse culturelle comme « Les Inrocks », mais généralement absent du média radio.

Notre émission hebdomadaire dure une heure. Elle se compose de plusieurs modules de « news », d'un dossier en trois parties de 6 minutes chacune, d'une séquence (Le Monde Des Séries, Le Monde De L'animé, Séries Cinéma et Génériques En Séries, diffusées en alternance 1 semaine/4), ainsi qu'une partie plus interactive avec des débats (Merchandising, Preuve A L'appui), des retours sur l'actualité (Preview, Droits De Suite), ou encore des discussions plus thématiques (Héros Secondaires, Zapping Musical). Elle est agrémentée d'extraits et de génériques tirés des séries traitées. La programmation musicale est complétée par des bandes originales de séries.

Le programme est totalement adapté à la syndication , puisqu'il prévoit la possibilité d'insérer de nombreuses coupures pub, ponctuées par des jingles. L'habillage est réalisé de manière professionnelle et l'enregistrement de l'émission est effectué dans un studio numérisé parfaitement équipé. Le timing de l'émission varie entre 52 et 54 minutes afin d'insérer les écrans pubs.

AFDS.tv, la version web d'Aux Frontières Des Séries

Vous visitez la 14ème version du site AFDS.tv, présent sur le web depuis 1999. Le but principal de ce site est de vous faire partager nos différents dossiers de manière simple et pratique.

Ces dossiers sont les émanations écrites des sujets traités dans l'émission radio Aux Frontières Des Séries. Il vous est d'ailleurs loisible d'écouter ces séquences sur une majorité de dossiers présents sur le site. D'autant que les versions écrites évoquent souvent des thèmes qui n'ont pu l'être durant l'émission et inversement.

N'hésitez en aucun cas à nous contacter pour nous faire part de vos impressions, tant sur le site que sur les séries traitées. Pour cela, plusieurs solutions : vous pouvez laisser un commentaire sur la page du dossier de votre choix ; ou tout simplement nous contacter par email. Nous ferons tout notre possible pour répondre à vos demandes et attentes.

A très vite, et au plaisir de vous revoir sur l'un des sites du groupe Séries & Co. !

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Aux Frontières des Séries, Vincent Dechamps — 2009-01-08T18:30:42Z

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La Rédaction

Vincent Dechamps — 2009-01-08T18:30:39Z

- L'Emission

American Gothic

Sarah Sepulchre — 2008-11-20T22:50:00Z

Présentation de la série

Trinity est une petite ville de province sans histoire. Pourtant, elle est souvent évoquée comme « Triangle des Bermudes de Caroline du Sud », tellement les gens y disparaissent.

La ville est dirigée, le mot est faible, par un shérif dictatorial. « Lucas Buck s'intéresse à tout le monde », dit une infirmière. Il serait plus vrai de dire qu'il sait tout sur tout le monde et qu'il se sert des informations qu'il glane pour contrôler les gens. Il n'a aucun scrupule – il prétend d'ailleurs que seuls les gens qui ont peur de se faire prendre ont des scrupules – et utilise tant la manipulation, que les menaces ou le meurtre pour arriver à ses fins.

Lucas Buck est un être inquiétant en raison des pouvoirs surnaturels qu'il semble avoir. On ne saura jamais vraiment qui il est, mais il est évident qu'il remplit le rôle du Diable dans cette fiction.

Comme dans tous les récits de Diable incarné, il a enfanté d'un héritier autour duquel se crystalise le combat entre le bien et le mal. L'enfant en question s'appelle Caleb. Il vit avec son père et sa soeur, Merlyn, dans une maison misérable.

La famille a vécu un drame, cela se sent tout de suite. En fait, la mère de Caleb s'est suicidée et la soeur du jeune garçon est traumatisée par un évènement passé dont personne ne sait rien. Merlyn ne parle pas, vit repliée sur elle-même et a parfois des crises où elle répète inlassablement : « Il y a quelqu'un à la porte ».

La série s'ouvre sur l'anniversaire de Caleb. Merlyn a une crise et son père perd son sang-froid. Le shérif arrive et profite d'un moment de confusion pour tuer Merlyn. Un peu plus tard, le shérif se débarrasse également du père de Caleb... Ce dernier est maintenant sans défense.

Le shérif Buck tente d'avoir la garde de Caleb. Ce n'est pas compliqué dans une ville où tout le monde lui doit quelque chose. Son associé Ben, qui a été témoin du meurtre de Merlyn, se tait parce qu'il « doit beaucoup » à Lucas. Le shérif a également prêté de l'argent à une infirmière, a fait pression pour qu'une journaliste obtienne un bon contrat à la télévision locale, etc...

Les choses ne seront pas aussi simples pourtant. D'abord, le docteur (Matt Crower) qui s'occupe de Caleb s'oppose à Lucas et refuse de le laisser emmener le garçon. Ensuite, Gail Emory, la cousine de Caleb, qui a vu le reportage sur la mort de Merlyn à la télévision, décide de revenir en ville pour s'occuper de l'enfant.

Enfin, Merlyn apparaît à Caleb et le met en garde contre le shérif. On comprend rapidement que sa phrase récurrente (« Il y a quelqu'un à la porte ») renvoie au moment du traumatisme vécu par cette famille et concerne Lucas Buck : Judith Temple, la mère de Merlyn et Caleb, a été violée par le shérif et Merlyn a assisté à la scène. C'est le jour où elle est devenue folle. Caleb est donc le fils naturel de Lucas.

Lucas veut donc élever Caleb selon ses propres valeurs. C'est pour cela qu'il a décimé la famille Temple. Il ne s'attendait probablement pas à devoir lutter contre le docteur Crower, Gail Emory et surtout Merlyn. Toute la saison est marquée par cette opposition. Lucas joue la carte de la sympathie vis-à-vis de Caleb. Il lui paie, par exemple, un équipement sophistiqué pour réaliser son projet de science (une tricherie puisqu'ils sont censé ne rien acheter) alors que Matt préfère qu'il apprenne quelque chose en suivant les règles. Gail et Matt sont des adultes responsables. Merlyn est, quant à elle, prête à tout : terroriser l'adjoint du shérif, emprunter l'esprit d'un bébé, rendre malade la population de la ville entière, etc...

Ce premier axe narratif est construit sur le modèle du combat du bien contre le mal autour d'un héritier possible. Cela suppose que les deux pôles soient bien définis (Lucas d'un côté ; Gail, Matt de l'autre), avec au milieu des êtres ambigus (Caleb peut encore choisir d'évoluer vers un côté ou un autre, Merlyn par sa position d'esprit utilise parfois des moyens limites). Cela fonctionne très bien dans les films, moins pour cette série.

Evidemment, la succession des épisodes suppose une certaine complexification du propos pour donner envie au téléspectateur de revenir. Cela peut passer par deux procédés : soit ne dévoiler des choses que petit à petit, donc approfondir la connaissance que le téléspectateur peut avoir d'une situation de départ ; soit faire évoluer les personnages, donc faire évoluer la situation de départ. American Gothic joue un peu sur les deux tableaux. Nous verrons plus loin que la série n'est pas vraiment convaincante sur la longueur.

On trouve aussi des histoires parallèles à celle qui constitue le centre d'intérêt dans American Gothic, notamment les intrigues amoureuses : Lucas Buck a une liaison avec Selena Combs, l'institutrice ; il séduit petit à petit Gail Emory. La guerre est donc déclarée entre les deux femmes. Selena se console dans les bras de Billy, le médecin qui succède à Matt à la clinique. Gail ne vit pas une histoire lisse avec Lucas parce qu'elle le soupçonne de la manipuler.

Aux histoires d'amour, il faut ajouter le passé des personnages qui refait incessamment surface. Matt Crower a tué son épouse et sa fille dans un accident de voiture, il conduisait en état d'ivresse. Il s'en veut. Les parents de Gail sont morts dans l'incendie du bâtiment où était localisé leur journal. Elle pense que toute la clarté n'a pas été faite sur ces décès. Grâce aux pouvoirs de Lucas, ils vont apprendre des éléments d'information sur leur passé. Mais il n'est pas toujours aisé de distinguer ce qui relève du mensonge et de la manipulation, de ce qui est vrai.

Il y a aussi les destins des personnages plus secondaires : Selena Combs, son besoin d'amour et sa réputation de catin ; Ben qui hésite entre sa loyauté vis-à-vis de Lucas et sa conscience. Enfin, certains épisodes mettent en scène des évènements un peu connexes, mais qui permettent soit de de démontrer que la ville est maudite, soit de dévoiler l'une ou l'autre caractéristique des personnages. On retrouve le corps d'un journaliste de Miami qui avait disparu. Il a visiblement été torturé. Des braqueurs de banques terrorisent les habitants. Etc...

L'équipe

Shaun Cassidy est maintenant connu comme le producteur exécutif de Invasion (2005-2006), Cold Case (2003-), The Agency (2001). Auparavant, il était acteur dans Roots : The Gift, Alfred Hitchcock Presents, Matlock, General Hospital, Arabesque.

Sam Raimi, le producteur exécutif, est évidemment beaucoup plus connu pour son adaptation cinématographique de Spiderman.

La plupart des acteurs de la série ont des visages familiers, même si leurs noms ne sont pas toujours connus. Gary Cole qui incarne le shérif a eu des rôles récurrents dans A La Maison Blanche (vice-président Bob Russell), The Practice (Defense Attorney Solomon Tage), Crusade (Capt. Matthew Gideon), De La Terre A La Lune.

Le rôle de Caleb était l'un des premiers pour Lucas Black. Depuis il a joué dans des films comme Ghost Of Mississippi, Flash, X-Files, Crazy In Alabama, Cold Moutain, Friday Night Lights, Jarhead, et The Fast & The Furious : Tokyo Drift.

Paige Turco est Nell Turbody dans Rescue Me, Terri Lowell dans The Agency, Annie Mott dans La Vie A Cinq, Abby Sulliva dans New York Police d'Etat. Jake Weeber est surtout connu pour son rôle du mari de Patricia Arquette dans Medium. Sarah Paulson (Merlyn) est apparue dans 6 épisodes de Deadwood et elle fait partie du casting de Studio 60 On The Sunset Strip.

Les canons de l'horreur

Les séries jouant dans le registre de l'horreur sont rares. On a récemment parlé de Masters Of Horror, mais il s'agit d'une anthologie où les histoires sont déconnectées les unes des autres. L'idée de cette production est venue à Mick Garris (connu pour des adaptations de Stephen King). Il réunit les réalisateurs phares des films de séries B qui ont fait fureur à la fin des années '70 et durant les années '80 : John Carpenter, George Romero, David Cronenberg...

Les critiques disent d'ailleurs que la télévision leur a permis de se libérer du carcan imposé par l'industrie cinématographique. Cette réputation du petit écran plus créatif n'est pas neuve (voir les Cahiers du cinéma, n° 581 en 2003), mais on remarque qu'elle semble aussi se vérifier pour ce genre particulier. Un journaliste belge, dans sa critique de la collection, souligne à quel point le genre permet de parler de la réalité.

« On retrouve aussi sur cette saison ce qui faisait, aux yeux de Joe Dante, un des grands mérites de la première : la possibilité, par le biais du fantastique, d'aborder des sujets polémiques aux Etats-Unis. Lui qui dans la première fournée montrait dans »Homecoming« des GI zombie rapatriés d'Irak aller voter pour inverser le cours de la politique étrangère américaine, effleure cette fois dans »The Screwfly Solution« l'intégrisme religieux, la grippe aviaire et le réchauffement climatique, le tout dans une parodie joyeuse des films du genre. Carpenter se fait carrément provocateur - il l'a été plus d'une fois le bougre - dans »Pro-Life« où se pose la question de l'avortement d'une adolescente violée par un démon [1]. »

L'horreur est un genre particulier, un peu enfermé sur lui-même. Les fans d'hier produisent aujourd'hui les films. Le genre est produit pour un public de connaisseurs, rempli de clins d'yeux aux fans. Il n'est dès lors pas étonnant de trouver des fictions qui rappellent étrangement les gloires du gore. Freddy Le Cauchemard De Nos Nuits (Freddy's Nightmares) [2] est une série diffusée de 1988 à 1990 aux Etats-Unis et dès 1991 en France. Robert Englund, le Freddy cinématographique, était de la partie ainsi que Wes Craven au scénario. Englund se contentait de présenter les épisodes à l'instar d'un Alfred Hitchcock.

Vendredi 13 (connue aussi sous le nom de L'Entrepôt Du Diable, Friday the 13th) [3] a aussi connu une version télévisée dès 1987 et jusque 1990. Le moins qu'on puisse dire, c'est que les critiques n'étaient pas bonnes.

L'horreur est un genre parmi les plus populaires des genres populaires. Or la culture de masse est caractérisée par la répétition, le retour du même, le stéréotype. L'horreur entre bien dans cette catégorie puisqu'on retrouve les mêmes scènes clés, les mêmes types de héros, les mêmes monstres d'une fiction à une autre.

Le goût pour la répétition va jusqu'au serial . Les films d'horreur viennent rarement seuls. Les Halloween, les Freddy, les Vendredi 13 ont connu des suites en séries. C'est d'autant plus particulier de remarquer que le genre n'a pas percé en télévision où la sérialité est une manière naturelle de raconter des histoires. D'autant que les rares exemples de séries d'horreur sont en fait écrits ou produits par les réalisateurs de cinéma. C'est un peu comme si seul un groupe de personnes réalisait des fictions d'horreur et que ce groupe n'aimait pas la télé. Bref, je n'ai pas la réponse à ce mystère de toutes façons.

Ce constat n'est cependant pas tout à fait correct. En fait, des fictions d'horreur ont bien été produites pour la télévision, mais dans le passé et souvent dans le format particulier de l'anthologie (comme Masters Of Horror). Light Out est la première en 1949. Le programme était rempli de maisons hantées et de morts vivants. Comme la plupart des shows de l'époque, il était une adaptation d'une série radiophonique.

Plusieurs anthologies vont suivre durant les années '50 et '60 : Appointment With Fear au Royaume-Uni, Suspense, The Web, Danger, The Clock aux Etats-Unis. D'autres anthologies renferment des épisodes d'horreur parmi d'autres genres (la science-fiction, le fantastique, le thriller, etc.). On pourrait citer Alfred Hitchcock Presents, La Quatrième Dimension, Au Delà Du Réel.

Les années '70 n'offrent rien de vraiment intéressant, à part peut-être The Sixth Sense en 1972, mais le genre connaît une nouvelle jeunesse dans les années '80. Tales Of The Unexpected, Hammer's House Of Horrors, Hammer's House Of Mystery & Suspense sont créées en même temps que les films cultes du genre. David Carroll, dans son article sur tabula-rasa.info, souligne l'importance de la cassette vidéo et de la nostalgie dans la reconnaissance de l'horreur.

Les fans de l'horreur étaient ceux qui ont vu La Quatrième Dimension ou l'anthologie d'Hitchcock étant petits et qui aiment à retrouver cette ambiance particulière. Ils ont massivement enregistré les films et les séries d'horreur pour les regarder encore et encore et encore. Selon l'auteur, cela explique les séries désastreuses qui n'existent que parce qu'elles s'inscrivent dans la célébrité d'un film. Genre : la série Freddy. « Le Cauchemard De Freddy est le programme pour lequel le mot gratuit a été inventé. Il n'existe aucune justification à sa création à part le fait que beaucoup de gens sont allés voir le film. Malgré tout, il réussit à avoir un style et une structure propre [4]. »

Pourtant, David Carroll considère qu'il existe aussi d'excellentes choses comme Tales From The Darkside (1983) avec George Romero comme producteur exécutif et Les Contes De La Crypte (1988). Il cite aussi Dossiers Brûlants, Aux Frontières Du Réel dans les récits d'horreur. On pourrait contester ce classement. Il est vrai que certaines enquêtes de Mulder et Scully faisaient largement frissonner.

Il allonge la liste en parlant des soap opera un peu particuliers que sont La Famille Addams, Monsters ou Le Petit Vampire. L'auteur considère que, si la télévision permet de suivre des personnages dans une longue évolution, beaucoup de séries ont du mal à garder intact l'énergie du début.

L'article de David Carroll est intéressant parce qu'il nous montre que les genres ne connaissent pas la même fortune aux Etats-Unis et en Europe. Notre vision européenne sur le genre de l'horreur à la télévision est donc tronquée. Il y en a eux plus que ce qu'on pourrait croire (même si le genre est beaucoup moins représenté que le policier, par exemple).

On se rend aussi compte que l'horreur a connu ses heures de gloire dans les années '60 et '80. Actuellement, on semble être dans un creux. Ensuite, il n'est pas toujours évident de fixer la limite entre une fiction d'horreur et une fiction relevant de la science-fiction, du fantastique ou de l'aventure.

Enfin, il faut quand même remarquer que le gore est absent du petit écran et reste cantonné au cinéma. Or, actuellement, les films d'horreur les plus visibles sont gores. Ce sous-genre étant absent de la télévision, on a peut-être tendance à en conclure un peu rapidement que c'est le cas pour tous les sous-genres de fiction d'horreur.

A la lumière de ceci, l'existence d'American Gothic est d'autant plus intéressante. Non seulement la série est plus récente, mais elle n'est pas une anthologie où le monstre change chaque semaine. American Gothic n'en est pas moins une série totalement consciente des caractéristiques du genre dans lequel elle s'insère. On y retrouve des stéréotypes de personnages, de situations narratives, de mise en scène.

Les stéréotypes de personnages sont probablement les plus facilement reconnaissables. Commençons par ceux là.

Comme d'habitude, le représentant du mal est puissant, maléfique et charismatique. On se pose des questions quant à son statut. Est-il le diable, un ange déchu ou un être humain qui possède des pouvoirs extraordinaires ? On peut aussi se demander quelles sont les motivations profondes : répandre le mal ou protéger Caleb ? On a parfois l'impression que Merlyn, sans le savoir, représente un certain danger pour son frère. Sous des dehors diaboliques, Lucas pourrait en fait être un être bénéfique. Il faut cependant avouer que cet aspect n'est pas vraiment approfondi.

Le jeune héros suit également un chemin tracé. Il fête son dixième anniversaire, ce qui semble marquer un passage symbolique. Il est orphelin, sa nature se révèle petit à petit. Il semble vouloir se diriger vers le bien, puis change d'avis. Il semble enfin devenir plus dangereux que Lucas et on est en droit de se demander si ces deux-là ne vont pas finir par s'opposer.

La soeur traumatisée, murée dans son silence qui est sacrifiée pour mieux revenir sous forme de fantôme est aussi un personnage connu. Son statut de vierge, vêtue de blanc, apparaissant dans une aura de lumière et accompagnée de chants célestes est aussi un cliché.

L'institutrice qui se mue en femme fatale la nuit, l'adjoint du shérif un peu lâche, la journaliste rebelle qui a fui la ville pour oublier son chagrin, le docteur au grand cœur qui souffre de remords sont aussi des personnages déjà vus.

Parmi les clichés de situation, on peut déjà citer l'opposition entre le bien et le mal qui structure toute la fiction et qui est loin d'être neuve. L'enfant conçu par le diable, la ville marquée par une manipulation ou une malédiction sont des procédés scénaristiques connus des fans de films d'horreur. Des scènes peuvent aussi être récurrentes dans un genre : la visite de la maison hantée, les séquences d'hallucination ou de rêve, la séduction de la fille qui s'oppose au diable par ce dernier, l'inscription de message en lettres de sang, etc...

La mise en scène joue aussi avec les poncifs du genre : la musique inquiétante qui accompagne l'être maléfique, la musique éthérée qui accompagne l'ange, les gros plans sur les visages terrifiés, l'utilisation de contre-champ pour révéler ce qu'ils voient, les portes qui claquent, les objets qui volent, etc...

Les petites villes de province

American Gothic est le nom d'un tableau très célèbre, peint par Grant Wood en 1930. On y voit un fermier tenant une fourche et sa fille devant une maison de bois. C'est l'une des images les plus connues de l'art américain. Elle a d'ailleurs été utilisée dans le générique de Desperate Housewives. La volonté de Wood était de révéler les rôles traditionnels attribués aux hommes et aux femmes, de les figer dans la position utilisée dans les portraits de l'époque.

Je ne sais pas à quel point le titre de la série a été choisi en fonction de ce tableau, mais le parallèle est intéressant. En effet, American Gothic, la série, se déroule dans une ville traditionnelle du sud des Etats-Unis. Il y est plusieurs fois fait référence au rêve américain, à la famille moyenne, à l'univers bourgeois.

La plupart du temps, les séries se déroulent dans de grands centres urbains : New York, Los Angeles ou Miami. La petite ville de province n'est cependant pas tout à fait absente des écrans. On pourrait citer Providence de la série du même nom, Stars Hollow de Gilmore Girls ou bien la bourgade où se déroule Melinda Entre Deux Mondes (Ghost Whisperer).

La ville la plus connue de la télévision est évidemment Twin Peaks. Elle a des points communs avec Trinity : des familles bien identifiées, un shérif, des mystères et des secrets.

Une autre ville semble très proche de Trinity et Twin Peaks, il s'agit de Deepwater, la ville où réside le juge Bob Gibbs de la série Maximum Bob. De nouveau, on y trouve des ressemblances : un dictateur local, le juge Gibbs (il est beaucoup moins maléfique que Lucas Buck cependant) ; un représentant de l'ordre qui n'ose pas trop intervenir (le shérif Gary Hammond ressemble assez bien à Ben), une enquêtrice étrangère à la ville (l'avocate Kathy Baker s'oppose au juge Gibbs comme Gail Emory s'oppose à Lucas, la tension sexuelle comprise), un fantôme (Wanda Grace est noire à l'inverse de Merlyn, mais elles sont toutes deux des petites filles innocentes qui regrettent, entre autres, de n'avoir pas eu d'amoureux).

Evidemment Twin Peaks décline la petite ville sur le mode du drame mystérieux, alors que Maximum Bob en fait une comédie et American Gothic un thriller. Mais on sent qu'une inspiration commune sous-tend ces trois fictions. Les petites villes y sont isolées, renfermées sur elles-mêmes. Une fois qu'on y entre, on n'en sort plus. Elles sont peuplées de personnages bizarres : Nadine, la dame à la buche dans Twin Peaks, les Crowe, Léon dans Maximum Bob, les Temple, Lucas dans American Gothic.

Les différentes histoires parlent des secrets qui ankylosent les familles. Secrets qui ont souvent beaucoup avoir avec les sexualités (l'inceste, le viol, le sadomasochisme, la multiplication des partenaires, etc...). Lucas Buck, comme Bob, le méchant de Twin Peaks, comme le juge Gibbs sont en fait des mâles dominants, actifs sexuellement. Ils ont souvent un adjoint gentil, mais asexué (Ben, Truman ou Hammond). Face à eux, on trouve généralement un personnage féminin. Leurs relations, souvent d'oppositions, sont souvent teintée d'allusions sexuelles. Gail se laisse séduire par Lucas, Laura Palmer a été contrainte par Bob, Kathy est draguée par le juge Gibbs sans céder. Il y a, à mon avis, de quoi lire symboliquement ces fictions comme des histoires intimes de l'Amérique profonde, au moins du patriarcat et de la famille traditionnelle.

Difficile de tirer des conclusions définitives de tout cela, mais je ne peux que faire le lien avec certains articles qui composent l'ouvrage Les Peurs de Hollywood dirigé par Laurent Guido [5]. Le livre s'intéresse aux films d'horreur hollywoodiens. Les auteurs tentent d'y déceler l'expression des peurs d'une époque.

Selon Laurent Guido citant Siegfried Kracauer, « les films fantastiques reflètent spontanément certaines attitudes symptomatiques du malaise collectif [6] ». Plusieurs auteurs (Laurent Guido dans son introduction, Mireille Berton étudiant L'Attaque De La Femme De 50 Pieds, Rachel Noël analysant The Stepford Wives, Charles-Antoine Courcoux relisant la figure du robot féminisé) prétendent que l'horreur traduit en fait la peur des hommes face à l'émancipation des femmes. « Barbara Credd a par exemple mis en évidence la présence, au sein du film d'horreur des années 70 (...), une vaste appréhension des différents aspects de la sexualité féminine en tant que monstruosité, faisant appel à des conceptions féministes et psychanalytiques, ainsi qu'à la définition de l' »abjection« chez Julia Kristeva [7]. ». Le monstre est invariablement féminin ou en porte les attributs. Peur et sexualité semblent donc être liés.

Critique

Premier constat : American Gothic a vieilli. L'image surtout paraît passée. C'est d'autant plus vrai qu'on a tous à l'esprit quelques films récents qui ont une plastique parfaite.

La série a souffert de la censure imposée par la chaîne. Quatre épisodes n'ont jamais été diffusés : Potato Boy, Ring Of Fire, Echo Of Your Last Goodbye et Strangler. Les autres ont été programmés dans le désordre [8]. CBS voulait engranger les scores les plus importants et pensait que certains épisodes étaient plus porteurs. Evidemment, le résultat de toute ces manipulations est exactement l'inverse. La fiction est annulée en raison de ses faibles taux d'audience. Il semble que le président de CBS de l'époque, Leslie Moonves, n'aimait pas la série et qu'il n'a rien investi dans sa promotion.

Même sans la censure et la diffusion chaotique de CBS , je ne suis pas certaine que le feuilleton aurait récolté plus de succès. En effet, il souffre aussi de déséquilibres importants. Certains épisodes sont très bons, d'autres sont mauvais. Certains personnages disparaissent puis réapparaissent. Des intrigues semblent lancées dans tous les sens, puis parfois oubliées, sans que rien ne les rassemble.

Certains retournements sont imposés trop rapidement. Je pense, par exemple, à la folie du docteur Crower et sa disparition de la fiction (CBS ne le trouvait pas intéressant). On peut également évoquer les changements de caractère de Caleb. Il aime Gail, il tente de la tuer, il l'aime de nouveau et elle ne semble pas se souvenir qu'il a tenté de la tuer.

Je pense enfin à l'histoire amoureuse entre Gail et Lucas. Elle le déteste et le considère comme un être néfaste. Du jour au lendemain, elle couche avec lui. L'épisode suivant, elle semble déjà avoir des doutes sur les motivations de son partenaire et croit qu'il la manipule. Certains disent que Lucas et Gail se connaissaient et s'aimaient dans une vie antérieure, ce qui a facilité la séduction de Gail dans cette vie. Limite... Cela est abandonné dans le scénario final. Il paraît aussi que des passages coupés au montage expliquaient comment Lucas a gagné le cœur de Gail [9]. Encore une fois, ils ne sont malheureusement plus là.

Vous aurez compris que je n'apprécie pas outre mesure la série. Je l'ai regardée sans vraiment parvenir à entrer dedans, à m'intéresser aux personnages et à leurs histoires. Il me semble aussi que, pour une fiction d'horreur, elle est trop consensuelle. Pourtant, American Gothic jouit d'une aura assez importante. A l'époque, on la considérait comme une série majeure, une héritière de Twin Peaks. Elle a d'ailleurs été nommée à plusieurs récompenses, notamment dans le domaine de la Science-fiction et aux Emmy Awards en 1996. Peut-être ai-je loupé quelque chose ?

[1] www.lalibre.be

[2] www.imdb.com

[3] www.imdb.com

[4] »Freddy's Nightmares (1988-90, 44 eps) is the show for which the word gratuitous was invented. It has no real purpose for existing bar the fact that lots of people watch the movies, but it still manages to have a style and structure all its own.« tabula-rasa.info

[5]GUIDO Laurent (dir.), Les Peurs de Hollywood. Phobies sociales dans le cinéma fantastique américain, Éd. Antipodes , Lausanne, 2006, 275 p. Coll. Médias et histoire.

[6]op. cit., p. 8.

[7]op. cit., p. 11.

[8] www.americangothicdvd.com

[9] www.garycole.net, rubrique FAQ.

Charlie's Angels 2

Nathanaël Picas — 2008-11-20T22:49:00Z

Si les adaptations de séries au cinéma sont fréquentes, rares sont celles qui rencontrent un grand succès. Et parmi ces réussites, quelques unes connaissent le bonheur d'une suite. Citons par exemple Mission Impossible, Le Fugitif, Zorro et Charlie Et Ses Drôles De Dames. C'est à ce dernier que je me suis intéressé.

Le succès du premier épisode a surpris tout le monde par son univers totalement décomplexé, enfilant les scènes propices à mettre en avant la plastique avantageuse des 3 héroïnes. L'intrigue tournait autour d'un complot visant à tuer Charlie. Qu'en allait-il être de sa suite ?

Tout d'abord, on ne change pas une équipe qui gagne. Cameron Diaz retrouve donc ses deux copines : Drew Barrimore et Lucy Liu. McG rempile également derrière la caméra. Pas de Bill Muray par contre en Bosley. Les rumeurs font état d'une entente exécrable entre lui et Lucy Liu.

Bill Muray se voit donc remplacé par l'acteur le plus improbable qui soit : Bernie Mac. Un noir dans la peau de Bosley ? Pourquoi pas ! Après tout Will Smith s'était bien fondu dans la peau de James West dans l'adaptation des Mystères De L'Ouest.

Cette fois-ci, Nathalie, Dylan et Alex vont avoir fort à faire. Depuis quelques temps, des témoins placés sous un programme de réinsertion du gouvernement se font tuer les uns après les autres. Un traître est de toute évidence responsable de tous ces massacres. Leur mission sera de débusquer le traître.

Leur enquête les emmènera très vite à suspecter Madison Lee, une ancienne drôle de dame qui n'a jamais supporté d'être mise sur le banc de touche par Charlie. Cette beauté vénéneuse est jouée par Demi Moore, qui faisait alors son retour sur grand écran après des années d'absence. Mac G semble réaliser un rêve de gosse en faisant tourner l'ex de Bruce Willis puisqu'il la sublime dans toutes les scènes où elle apparaît. Difficile de croire qu'elle a plus de 40 ans... Merci Photoshop !

A côté de cela, le scénario de ce deuxième numéro de Charlie's Angels est la copie conforme du premier. Lucy Liu essaie de combiner sa vie d'espionne et celle de petite copine d'un Matt Leblanc plus falot que jamais, Cameron Diaz tente de trouver le grand amour et Drew Barrimore tombe amoureuse du méchant : Seamus O'Grady, joué par Justin Theroux qui parodie le Robert de Niro dans Les Nerfs A Vifs !

Fort du succès critique et public du premier film, les producteurs ont donné carte blanche à McG. Le résultat sera visible à l'écran : McG se lâche totalement et filme une fois encore un long clip d'1 heure 30, mais cette fois-ci shooté aux amphétamines.

Les jeunes demoiselles enfilent un nombre impressionnant de scènes sans queue ni tête. Des scènes prétextes aux actrices pour jouer les idiotes, puis voler dans les airs à la Matrix et se battre comme des karatékas hystériques, le tout vêtues comme des poupées Barbie. Nous avons donc : Barbie à la montagne, Barbie à la plage, Barbie nettoie la voiture, Barbie en tenue de soirée, Barbie fait de la moto... J'en passe.

La seule bonne idée dans ce foutoir sponsorisé par MTV est de s'étendre sur les origines de Thin Man, joué par un Crispin Glover plus allumé que jamais.

En définitive, Drôles De Dames Les Anges Se Déchaînent est une suite à la limite de l'insupportable qui ne doit son salut qu'à la surabondance de scènes d'actions hallucinantes, la présence de Demi Moore ainsi que les apparitions fugaces de Jaclyn Smith (la drôle de dame de la série), John Cleese et Pink.

Quatrième Dimension (la)

Lise-Marie Cassart — 2008-11-20T22:45:00Z

De nombreuses séries voient plusieurs versions de leur générique défiler. Série mythique par excellence, La 4ème Dimension a enchanté des générations de téléspectateurs, et marque encore les esprits aujourd'hui. Cette série fantastique a été tournée entre 1959 et 1964. Durant cette période trois génériques vont se succéder.

Le premier débute sur un trompe-l'oeil en forme de spirale qui tourne. Cette spirale s'éloigne de nous pour se transformer en une lune dans l'espace et créer une sorte de brouillard devant l'astre. Le brouillard se matérialise en faisant apparaître le titre de la série « The Twilight Zone ». Le titre se brise ensuite comme une vitre en une poussière d'étoiles. Dès le début on est plongé dans un univers étrange. Cette sensation est accentuée par la musique du générique.

Le second générique commence par du brouillard qui se dissipe pour faire apparaître la lune. Ensuite, la lune descend sur une ligne d'horizon. Cela fait penser à un coucher de soleil. C'est tout à fait concevable puisque les génériques sont en noir et blanc. Nous sommes en 1960 ne l'oublions pas. Le titre apparaît alors et en s'approchant du téléspectateur se brise comme précédemment. On reste dans le même genre de générique avec le même thème et des éléments récurrents : la lune, le brouillard, l'espace...

Dans la troisième version du générique, on retrouve toujours le brouillard, mais plus la lune. On voit apparaître des nuages, ensuite une sorte de désert où l'ombre de gros rochers s'allonge. On voit alors une montagne rocheuse et de nouveau l'espace. Cette fois le titre ne se brise plus.

On entend une même voix off pendant le générique, voici ce qu'elle dit : « Au-delà des dimensions classiques où l'homme projette ses pas, il en est une où s'échappent ses pensées les plus folles. C'est une dimension aussi vaste que l'espace, aussi démesurée que le temps. Un reflet changeant entre l'ombre et la lumière. Un champ d'hypothèses entre la science et la superstition. Un terrain glissant entre l'abîme de nos frayeurs et la cime de nos connaissances. Sublimant l'imagination, faisant éclater le rationnel, nous l'appellerons simplement La 4ème Dimension ».

La voix off est l'élément qui apporte toute l'originalité de ce générique. On en apprend énormément sur la série. Sans cette voix off, le générique n'aurait aucun sens. C'est elle qui nous fait comprendre les éléments du générique.

En 2002, un remake de La Quatrième Dimension est diffusé. En anglais il s'agit toujours de The Twilight Zone, mais en français, elle est traduite par La 13ème Dimension. Tout comme son aînée, elle est une anthologie d'histoires étranges, fantastiques et énigmatiques. Même si elle a peu convaincu les spectateurs et les critiques, il est intéressant d'analyser son générique en regard des précédents.

Cette fois, et c'est normal, il est en couleur. Les couleurs dominantes sont le bleu et le blanc. Au début on se trouve dans un couloir. Au mur, sont accrochés des tableaux dans lesquels on retrouve des éléments qui nous rappellent la série des années 60. Au bout du couloir une porte s'ouvre sur un oeil qui se brise comme du verre. On se retrouve alors dans l'espace. Le brouillard est toujours présent et comme dans le premier générique il se matérialise pour faire apparaître le titre de la série. On voit donc que ce générique reste dans le même esprit que les précédents, même si, année 2000 oblige, des éléments et des effets très modernes sont apportés. Il est à noter, et c'est important, que la musique est restée la même.

En conclusion, dès le générique on est plongé dans l'atmosphère de la série. Dans le monde de l'étrange et du surnaturel. La musique soutien les images et le récit de la voix-off est indispensable à l'ensemble.

Demoiselle D'Avignon (la)

Lise-Marie Cassart — 2008-03-31T01:36:11Z

Histoire

Koba est une princesse, une vraie. La petite fille de Kurlande (inspirée par la Suède et l'Islande). Chaque année, elle vient incognito avec un groupe d'étudiants faire un pèlerinage à Avignon où naquit la reine Adélaïde de Kurlande.

Koba rencontre François Fonsalette, un jeune diplomate passionné d'archéologie. Ensemble, ils participent à des fouilles. Ils tombent amoureux, mais Koba doit regagner son pays. Sous le charme, François n'a désormais qu'une idée en tête : être nommé en Kurlande pour retrouver celle dont il ne sait ni le nom, ni l'adresse. Mais alors que son rêve se réalise, il croise Koba à Orly : elle revient s'installer en France comme jeune fille au pair.

De retrouvailles passionnées en tristes malentendus, les deux tourtereaux nous font vivre au rythme de leurs émotions dans ce conte de fées des années 70.

L'histoire de la télévision française regorge de feuilletons extraordinaires et palpitants. La palme revient sans doute à La Demoiselle d'Avignon, cette saga magnifique où l'amour est roi, où les sentiments, les cachoteries et autres quiproquos pimentent une intrigue on ne peut plus classique : un diplomate français tombe sous le charme d'une jeune étudiante sans le sous. Ce qu'il ignore, c'est qu'elle est la princesse du pays où il est muté.

Dès le départ on sent l'histoire d'amour se mettre en place. Et le spectateur est tout de suite mis au diapason. C'est bien à un feuilleton romantique qu'il a affaire.

Le mystère au début pèse sur Koba. On sent qu'elle cache quelque chose mais quoi ? Même le téléspectateur n'est pas au courant que c'est une princesse. Elle brouille les pistes. Et ne dévoile pas grand-chose de sa vie.

Décors et paysages

On laisse beaucoup de place aux décors et aux paysages dans cette série, notamment en Avignon et au Kurlande. Très beaux décors d'un fort à Avignon, il s'agit en réalité du fort Saint-André près d'Avignon. C'est la maison de la maman de Koba. Magnifique vue aérienne sur les jardins, ensuite vue des paysages aux alentours du fort.

Pour la Kurlande, les lieux de tournage se trouvaient au Danemark pour le château de Koba et les alentours. Et pour toutes les vues des campagnes et des petits villages typiquement Kurlandais, ces plans ont été tourné en Norvège.

J'aime beaucoup la manière dont on nous présente la Kurlande dans le film. Il s'agit d'un film promotionnel envoyé par l'office du Tourisme kurlandais à la France. On découvre en même temps que François à quoi ressemble ce pays. On comprend vite qu'il s'agit d'un royaume proche de la Norvège, Finlande et Suède. D'ailleurs les petits Kurlandais sont tous des petits blondinets.

Marthe Keller, qui joue Koba, est parfaite. On tombe sous son charme. Koba est extrêmement gentille, vive, sympathique. On a envie de la prendre sous son aile. On se prend vraiment d'affection pour elle. Elle est très dévouée.

Louis Velle tient parfaitement son rôle. Il a un petit air de Jean-Luc Reichman (à moins que ce ne soit l'inverse). On pourrait rebaptiser la deuxième partie du feuilleton par « les mésaventures de François en Kurlande ». Il y a quelques situations cocasses. Et beaucoup d'humour.

Par contre un élément perturbateur dans le film, c'est la musique, qui me semble assez kitch et alourdit le feuilleton .

Une grande difficulté pour Koba c'est d'être une princesse. Durant son séjour en France, ce qu'elle a apprécié le plus c'est qu'elle était comme tout le monde. Elle demande donc la permission à son grand-père de faire un voyage prolongé. Il accepte mais à certaines conditions qui vont rendre difficile ses retrouvailles avec François.

Démodé ?

Je m'attendais à beaucoup plus de lenteurs, à des dialogues lourds et trop construits. En fait, les dialogues sont très naturels. On pourrait toujours parler comme ça aujourd'hui.

Il n'y a pas de lenteur. Par contre, il y a quelques scènes trop romantiques. Par exemple, quand les enfants dressent la table à Avignon. On voit deux enfants courir en tenant une nappe par deux bouts et venir la déposer sur la table. Tout cela au ralenti avec une musique romantique. C'est assez kitch et complètement décalé. Mais dans la globalité, on ne tombe pas dans la niaiserie.

La mise en place de l'histoire d'amour ne se fait pas de manière lourde. Tout se fait dans les jeux de regards entre les deux acteurs principaux. Il y a dans cette histoire d'amour beaucoup d'actes manqués. Lors de la diffusion du film promotionnel, par exemple : à deux moments, on voit Koba à l'écran puisqu'il s'agit d'une des princesses héritières de la couronne. Et c'est à ces deux moments que François se retourne vers son ami, une fois pour allumer une cigarette, la seconde pour discuter et dire que sa décision est prise de partir dans ce pays.

L'histoire d'amour se construit lentement dans des silences, des regards. Ils se comprennent sans se parler. On sent qu'ils sont faits l'un pour l'autre. Il y a beaucoup de finesse dans l'approche de l'histoire d'amour.

Une autre invention de l'époque c'est le Ministère de la joie de vivre dont le ministre est une femme. Plutôt étonnant pour l'époque, mais en même temps, ça se passe quatre ans après mai 68.

En conclusion, c'est un excellent feuilleton , de très bonne qualité pour l'époque. En le revoyant aujourd'hui, c'est effectivement un peu dépassé. Mais cela reste une jolie histoire d'amour, agréable à regarder.