Aux Frontières des Séries

Fifi Brindacier

Sarah Sepulchre — 2009-10-07T21:00:00Z

Introduction

Pippi Langstrumpf en Allemand, Pippi Longstocking en Anglais, Pippi Langstrump en Suédois, Pipi Calzaslargars en Espagnol... Autant de noms pour désigner celle que nous connaissons sous le nom de Fifi Brindacier ! De la même manière, les autres noms sont souvent différents selon les langues et les supports (livres ou audiovisuel). Le singe s'appelle monsieur Neilson en anglais, monsieur Nilsson en Suédois, monsieur Dupont en français ; le cheval est parfois Oncle Alfred, parfois Oncle Albert. Elle habite la villa Drôle De Repos en français et la villa Villekula dans d'autres pays. Seuls Annika et Tommy gardent une identité constante.

Fifi nous l'avons tous connu dans notre enfance. Nous l'avons peut-être redécouverte dans l'une ou l'autre édition vidéo. L'image a rendu les traits de Inger Nilsson, l'actrice, immortels. Difficile de croire que le personnage de « Fifi Brindacier » (le premier roman a été publié en 1945) a fêté ses 60 ans en 2005 !

Présentation de la série

Des tresses rousses qui défient l'apesanteur, des taches de rousseur à revendre, un sourire gourmand. La frimousse de Fifi Brindacier est une incontournable de la petite lucarne. Elle est la petite-fille et la fille de pirates. Son grand-père, le premier de la famille à se tourner vers la vie en mer, s'appelait Philibert. Son père vogue dans les mers du sud, il est d'ailleurs tellement gros que la légende dit qu'il ne peut se noyer. Il est aussi le roi du pays Taka-Tuka et il l'a emmenée voguer sur toutes les mers du globe.

Elle a neuf ans [1] et pourtant elle vit seule. Son père est donc en mer et sa mère est morte (elle dit qu'elle est au ciel et qu'elle la regarde à travers un trou dans les nuages). Enfin,... seule avec un singe, Monsieur Dupont, et un cheval, Oncle Alfred.

Hors norme, elle l'est, c'est certain. Elle possède aussi une force exceptionnelle (elle porte des vaches, des chevaux, des policiers sans le moindre effort). Elle est même plus forte que son père ! Fifi est aussi à l'abri du besoin, puisqu'elle possède une valise pleine de pièces d'or (sans cesse convoitée par des brigands d'ailleurs).

L'auteur du site internet www.blairmag.com souligne avec raison que ces deux traits, la richesse et la force, ne sont pas vraiment importants dans l'histoire. Elle est riche, mais on ne s'en aperçoit que quand elle offre une tournée générale de glaces et elle ne se sert de sa force que quand c'est vraiment nécessaire. Sa vie est amusante assez sans cela, poursuit-il.

Fifi est loin d'être très fréquentable, pourtant elle est l'amie d'Annika et Tommy. En leur compagnie, elle peut être la petite fille la plus généreuse, la plus altruiste qui soit. Par exemple, elle leur offre des cadeaux à l'occasion de son propre anniversaire (épisode « Anniversaire »). Elle se dévoue souvent pour leur inventer des jeux extraordinaires.

Mais entre Annika, Tommy et Fifi, le contraste est évident. Elle est fougeuse, inventive et audacieuse. Elle leur fait souvent faire des choses interdites. Elle joue avec ses pâtes bolognaise, elle monte sur ses meubles, elle saute sur son lit jusqu'à le casser. Elle aime raconter des sornettes (sur l'île de son père, c'est d'ailleurs un sport national). Partout on peut lire que Fifi représente la joie de vivre. Sans contraintes, loin des adultes, de l'école et des obligations. Elle se couche quand elle veut, elle chante, elle se déguise, elle mange du chocolat et boit la limonade qui pousse dans son arbre.

Mais sa condition n'est pas toujours drôle. Fifi est ainsi souvent seule. Elle doit se souhaiter elle-même bon anniversaire (épisode « Anniversaire ») et Annika remarque tristement qu'elle est seule tous les soirs quand ils partent (épisode « Fifi fait ses adieux »). Fifi semble aussi incapable de lire – puisqu'elle charge Tommy de lui lire les messages envoyés par son père (le film) – ou de compter (épisode « Anniversaire »).

Tommy et Annika sont des enfants modèles, sages, parfois timorés. Ils se laissent embarquer dans les aventures de Fifi, mais ils ne cessent de se demander ce que leur mère penserait de tout cela. « Maman ne serait pas contente », s'exclame constamment Annika. Annika est une carricature de la fillette craintive. Tommy est à peine plus téméraire, mais il rêve de devenir pirate avec Fifi. Il sera son second (même si son père veut qu'il devienne comptable comme lui !).

Annika ne veut surtout pas être pirate, Fifi lui dit qu'elle nettoiera donc le pont du vaisseau (chouette perspective !). Ces deux personnages sont incontestablement des faire-valoir de Fifi. Ils sont là pour la mettre en valeur. Ils en sont l'exact opposé. Ils sont d'ailleurs la plupart du temps inactifs. Quand ils apparaissent à l'écran, c'est souvent en gros plan alors qu'ils regardent fascinés, dégoûtés ou souriants Fifi accomplir ses « méfaits ».

Subversive Fifi

« Pas étonnant que cette Fifi anti-autoritaire ait été victime de la censure dans les pays conservateurs et les dictatures, et qu'elle ait horrifié bien des grandes personnes. Il y a dix ans encore, un débatteur suédois affirmait que le `culte de Fifi´ avait eu une influence extrêmement nocive sur l'école et l'éducation des enfants. `Le culte de Fifi a tout mis sens dessus dessous, l'école, la vie de famille, les comportements normaux´, pouvait-on lire dans un article de débat du quotidien Svenska Dagbladet » [2].

Il ne faut pas aller voir aussi loin : la France a expurgé la première édition du premier roman de Fifi. Et, même la traduction refaite ne sied toujours pas aux ayants droit. Soit dit en passant, si Fifi est aujourd'hui indisponible en France, c'est pour une histoire obscure de droits sur le titre du livre qui appartient à Hachette et ne peut donc être utilisé par une autre maison d'édition qui souhaiterait publier les romans.

Cette tendance, très critique, très conservatrice est représentée au sein-même de la série par le personnage de Tante Percilla. Elle veut que Fifi aille à l'école, s'offusque que la fillette vive seule dans sa maison et voudrait la placer dans un orphelinat. Pourtant, sa bienséance ne l'empêche pas de s'enticher du père de Fifi, un pirate ! (épisode « Fifi et le capitaine Ephraïm »).

La plupart du temps, Tante Percilla est tournée en ridicule par Fifi. Elle se moque de sa manière de chanter (« je croyais qu'on vous torturait »), elle salit sa robe, elle envoie sa souris interrompre sa discussion « langoureuse » avec Ephraïm. Le récit tourne ainsi en ridicule le point de vue que les adultes coincés pourraient avoir sur l'histoire et le personnage de Fifi.

Tira Meri, la journaliste déjà citée ci-dessus, soulignait que les critiques ont peut-être pris Fifi trop au sérieux, que les enfants savent que certaines choses ne se font pas. Un autre journaliste, du Monde cette fois, souligne que Fifi est surtout une héroïne qui met la pagaille dans le monde des adultes « dont elle dévoile toutes les injustices » [3]

Il me semble que Fifi est un personnage symbolique, un peu comme un ami imaginaire. C'est elle qui crée les jeux, c'est elle qui crée les ambiances (« on disait que il y avait des rhinocéros et des indiens »). Est-elle un personnage à part entière ou n'est-elle que la représentation de l'imagination de Tommy et Annika, et par extension, celle de tous les enfants ?

Le roman d'Astrid Lindgren

Comme beaucoup de séries pour enfants, Fifi Brindacier était d'abord un roman. D'ailleurs, on y apprend que le vrai nom de l'héroïne est Pippilotta Viktualia Rullgardina Krusmynta Efraimsdotter Langstrump (la fin signifie « la fille d'Ephraïm Langstrump ») ! Il a été écrit par Astrid Lindgren. Certains sites déclarent qu'elle est la plus célèbre auteure de livres pour enfant au monde, c'était sans compter la comtesse de Ségur et surtout J. K. Rowling, mais bon...

Elle a inventé le personnage de Pippi Langstrump (en suédois) pour sa petite fille qui souffrait d'une inflammation pulmonaire. Tous les soirs, la fillette lui réclamait des histoires. « C'était en 1941. J'avais une pneumonie et tous les soirs, ma mère venait à mon chevet me lire des histoires. Un soir, j'ai voulu entendre celle de Pippi Langstrump, mais ne me demandez pas d'où venait ce nom. Je l'avais complètement inventé ! », raconte Karin Nyman, la fille d'Astrid [4].

Le premier roman est paru en 1945. En tout, trois livres seront publiés : Fifi Brindacier (1945), Fifi En Bateau (1946), Fifi Dans Les Mers Du Sud (1948). Ils ont été traduits en plus de 70 langues. Astrid Lindgren est ainsi l'auteur le plus diffusé de Suède grâce à Fifi et à Vic Le Victorieux. "Elle a marqué l'imaginaire de quatre générations de Suédois qui ont tous lu un livre d'elle, selon Catharina Mannheimer de l'institut suédois [5].

L'auteure est décédée en 2002. Une biographie a été publiée par Arne Reberg sous le titre Toi Et Moi, Astrid. Mais la fille de l'écrivaine l'a fait interdire en raison des nombreuses erreurs et libertés qu'aurait pris le biographe. Il lui a notamment prêté des convictions chrétiennes alors qu'elle était agnostique. Il prétend que les livres d'Astrid ont bercé son enfance alors qu'il était assez vieux pour les avoir écrits lui-même. Bref... Le 23 mars 2003, le livre a été retiré de la vente.

La série

La série que nous avons tous regardé quand nous étions petits compte 21 épisodes de 24 minutes. Elle a été crée en 1969 par Olle Hellbom. Il a d'abord créé un téléfilm en 1969 dans lequel on retrouvait les mêmes acteurs. Inger Nilsson (oui, comme le singe dans la version suédoise !) incarne Fifi Brindacier ; Maria Persson est Annika et Pär Sundberg joue Tommy. Cette adaptation germano-suédoise a connu beaucoup de succès en Europe.

Petit détail amusant, la musique du générique est la même dans tous les pays, seuls le texte change puisqu'il a été traduit et adapté dans chaque langue. Pour les Etats-Unis, les épisodes ont été reformatés en quatre films.

Aujourd'hui, la série a inévitablement vieilli. Le suspens entretenu dans les épisodes paraît souvent surfait. Le ballon qui les emmènent vers les mers du Sud manque de tomber à l'eau (le film), Fifi qui a plongé pour récupérer une barque au fond du lac ne remonte qu'au bout de quelques secondes (épisode « Fifi naufragée »)... Le tout sur une musique « angoissante ». Cela sonne évidemment un peu creux.

Les moments de silence – par exemple dans l'épisode « L'anniversaire de Fifi » quand ils mangent le gâteau ou quand ils montent dans le grenier – sont terriblement longs. Les méchants, essentiellement des adultes (des voleurs, les personnes qui veulent mettre Fifi à l'orphelinat, les pirates opposés au capitaine Ephraïm), sont généralement très bêtes, très peureux et maladroits.

Mais on a parfois droit a des choses très intéressantes. Par exemple, dans l'épisode « Fifi naufragée », Fifi ne cesse de raconter des histoires à ses deux amis, elle prétend que la barque passe dans un ouragan, que l'île est peuplée d'indiens et de bêtes sauvages. Le téléspectateur voit bien que rien de tout cela n'arrive, mais l'épisode est ponctué de bruitages qui portent le récit de Fifi. Cela donne un effet intéressant. C'est comme si on entrait un peu dans l'imaginaire que Fifi crée pour ses amis. Ceci conforte notre hypothèse selon laquelle Fifi est le symbole de cette imagination enfantine.

Inger Nilsson incarnait Fifi Brindacier. Sa perfomance excentrique a été largement saluée [6]. Ses grimaces, ses expressions faciales, ses gestes saccadés et son sourire à pleines dents ont probablement contribué à la construction de l'aura du personnage. Malgré cela, elle n'a jamais pu faire décoler sa carrière ensuite.

Elle travaille comme secrétaire à Stockholm. Occasionnellement, elle tourne des petits rôles. En 1989, elle joue dans Kajsa Kovat ; en 1994, elle participe au téléfilm Panik pa Kliniken et en 2000, le réalisateur suisse, Xavier Koller, l'a convaincue de jouer dans Gripsholm, un film basé sur un roman de Kurt Tucholsky.

Maria Persson et Pär Sundberg ont eu moins de chance. Leurs carrières ont commencé avec la série de Olle Hellbom et se sont clôturés avec le film.

Le film tiré de la série

Un film prolonge la série en 1970. Il s'intitule Fifi Chez Les Pirates (Pippi Longstocking On The Seven Seas en anglais) et met en scène les trois héros de la série. Il est lui aussi réalisé par Olle Hellbom. L'histoire débute par un monologue de Tommy en voix off. On y apprend que leurs parents sont partis pour trois semaines en les laissant sous la surveillance de Fifi (on note en passant que même à la fin de la série, les parents ne faisaient pas confiance à Fifi puisqu'ils envoyaient Tante Percilla pour les garder. Leur attitude a donc changé, peut-être parce que « Tante Percilla » n'était pas disponible pour ce film).

Fifi apprend par un message dans une bouteille envoyée par son père qu'il a été fait prisonnier par des pirates qui veulent l'obliger à révéler où est caché son trésor. Fifi, Tommy et Annika partent en ballon pour le sauver.

Le film souffre des mêmes faiblesses que la série. Par exemple, les « mauvais pirates » ne s'aperçoivent pas que le bâteau de Fifi approche. Son père révèle la cache de son trésor sous une torture insoutenable : on le chatouille ! Il a été tourné avec les mêmes comédiens et la même équipe de tournage, ceci expliquant les similitudes avec la série. Il fonctionne comme un épisode la série, sauf qu'on quitte la villa de Fifi pour des paysages exotiques.

Le film suédois

La série de Olle Hellbom n'était pas la première adaptation du roman d'Astrid Lindgren. Son chef d'œuvre a été porté à l'écran en 1949 par le réalisateur suédois Per Gunvall.

Les films américains

En plus d'avoir synthétiser les épisodes de la série en quatre films, les américains ont plusieurs fois adapté l'histoire de Fifi. En 1985, un téléfilm est dirigé par Colin Shilvers sur un scénario de Cynthia Chenault. Carrie Kei Heim joue le rôle de Fifi Brindacier.

En 1988, un film américano-suédois transporte l'histoire au grand écran. Il s'appelle The New Adventures Of Pipi Longstocking, mais il s'agit en fait d'un remake de l'histoire originale. Ken Annakin l'a écrit et réalisé. L'auteur du site www.blairmag.com nous apprend qu'il est très mauvais. Fifi y est une petite fille modèle et mignonne. Pire que tout, ajoute-t-il, il y a des chansons et le cheval de Fifi parle.

Notez que dans la version française, la série était déjà ponctuée de nombreuses chansons vantant les mérites, le courage ou la force de Fifi. Les épisodes ayant été ramassés en quatre films pour les Etats-Unis, peut-être que ces passages ont été sacrifiés et que les Américains ne savaient donc pas que Fifi, Annika et Tommy chantaient.

www.blairmag.com n'est pas le seul à dénigrer ce film. Il a reçu deux nominations aux Razzie Award : celui de la plus mauvaise jeune star pour Tami Erin (vu la date, Inger Nilsson était évidemment trop vieille pour reprendre le rôle) et celui du plus mauvais second rôle féminin pour Eileen Brennan.

Le dessin animé

En 1998, une série d'animation, Fifi Brindacier, voit le jour. Elle compte 26 épisodes de 26 minutes. Elle a été diffusée entre le 4 juillet et le 27 septembre 1998 au Canada et dans la foulée en France (TF1).

Féministe

Comme pour Zora La Rousse (encore une rousse !), Fifi Brindacier a été considérée comme une icône féministe. Tiina Meri, une journaliste suédoise écrit (sur le site www.sweden.se) que "Fifi Brindacier a encouragé des générations de petites filles à s'amuser et à croire en elles-mêmes. En ce sens, elle a fait énormément pour l'égalité entre les sexes.

Fifi n'est pas timorée, n'attend pas le prince charmant, ne tombe pas amoureuse. Elle est indépendante, forte, drôle, elle se fiche de son apparence. Elle se délivre aussi de certains complexes entretenus par une tradition pesante. A une marchande qui veut lui vendre une pommade pour les gens qui souffrent de taches de rousseur, elle répond qu'elle ne « souffre » pas de ses taches de rousseur, qu'elle en a, mais qu'elle les aime.

Cependant, le point de vue de Tiina Meri est riche parce qu'il n'est pas unibloc. Elle trouve que, paradoxalement, Fifi fait peser de nouvelles contraintes sur les filles. "Par exemple, la sage et proprette Annika, camarade de Fifi et petite fille modèle de son temps. Aujourd'hui Annika fait souvent figure de repoussoir – simplement parce qu'elle n'est pas effrontée, ne rêve pas d'aventure et ne joue pas un rôle de meneur dans le trio de copains. Sage et enneuyeuse, voilà l'image d'Annika. Mais toutes les filles ne peuvent tout de même pas être aussi courageuses, fortes et marrantes que Fifi ?.

On pourrait retourner le raisonnement : toutes les filles veulent-elles danser de manière débile comme Fifi, être habillées avec un bas orange et un bas vert ? Ce raisonnement fait ressortir toute l'absurdité des clichés. Il ne faut pas oublier non plus qu'Annika a été construite selon un modèle de fillette aujourd'hui révolu.

Personnellement, je n'ai jamais vraiment accroché à Fifi Brindacier. Déjà enfant, cela me paraissait trop déconnecté de la réalité. Je me demandais comment elle pouvait vivre sans parents, je ne trouvais pas ça chouette. Elle devait s'occuper de la maison et n'avait jamais de calin. Bref, cela ne me paraissait pas tellement enviable. La preuve que les censeurs dont nous avons parlés et qui avaient peur pour l'éducation, on vraiment pris les enfants pour des cons. Peut-être étais-je un peu vieille quand je l'ai vu. Ceci dit, je suis contente d'avoir vu cette série. C'est une manière comme une autre de connaître autre chose qu'Ikea de la Suède ! Malheureusement, la série est trop datée pour vraiment accrocher aujourd'hui.

Pour conclure, je vous apprendrai qu'en 2007, les Suédois ont fêté le centenaires d'Astrid Lindgren. Un musée et un centre de recherche en littérature de jeunesse ont été inaugurés à Vimmerby, sa ville natale.

Ce n'est pas la première fois que le gouvernement suédois honore la mémoire de l'auteure. En 2003, un an après sa mort, il a décerné pour la première fois le Prix Astrid Lindgren qui récompense un auteur, un illustrateur ou une organisation oeuvrant pour la promotion de la littérature de jeunesse. Le président du jury, Larry Lempert, a d'ailleurs eu une jolie phrase à son sujet... « C'est environ la moitié de la dotation du prix Nobel. On nous demande parfois si ce n'est pas trop. Mais comparé au prix Nobel, pourquoi serait-ce trop ? Juste parce qu'il s'agit de littérature de jeunesse ? Il est temps de faire tomber les préjugés. La littérature pour les enfants n'est pas l'antichambre de la `vraie littérature´ ! » [7]. Je ne pourrais rêver mieux comme mot de la fin.

[1]selon le site fifi-brindacier.fr.st et selon son père dans l'épisode « Fifi Et Le Capitaine Ephraïm »

[2]article de Tira Meri sur le site www.sweden.se

[3] www.lemonde.fr

[4] www.lemonde.fr

[5] www.lemonde.fr

[6] www.wikipedia.org

[7] www.lemonde.fr

American Gothic

Sarah Sepulchre — 2008-11-20T22:50:00Z

Présentation de la série

Trinity est une petite ville de province sans histoire. Pourtant, elle est souvent évoquée comme « Triangle des Bermudes de Caroline du Sud », tellement les gens y disparaissent.

La ville est dirigée, le mot est faible, par un shérif dictatorial. « Lucas Buck s'intéresse à tout le monde », dit une infirmière. Il serait plus vrai de dire qu'il sait tout sur tout le monde et qu'il se sert des informations qu'il glane pour contrôler les gens. Il n'a aucun scrupule – il prétend d'ailleurs que seuls les gens qui ont peur de se faire prendre ont des scrupules – et utilise tant la manipulation, que les menaces ou le meurtre pour arriver à ses fins.

Lucas Buck est un être inquiétant en raison des pouvoirs surnaturels qu'il semble avoir. On ne saura jamais vraiment qui il est, mais il est évident qu'il remplit le rôle du Diable dans cette fiction.

Comme dans tous les récits de Diable incarné, il a enfanté d'un héritier autour duquel se crystalise le combat entre le bien et le mal. L'enfant en question s'appelle Caleb. Il vit avec son père et sa soeur, Merlyn, dans une maison misérable.

La famille a vécu un drame, cela se sent tout de suite. En fait, la mère de Caleb s'est suicidée et la soeur du jeune garçon est traumatisée par un évènement passé dont personne ne sait rien. Merlyn ne parle pas, vit repliée sur elle-même et a parfois des crises où elle répète inlassablement : « Il y a quelqu'un à la porte ».

La série s'ouvre sur l'anniversaire de Caleb. Merlyn a une crise et son père perd son sang-froid. Le shérif arrive et profite d'un moment de confusion pour tuer Merlyn. Un peu plus tard, le shérif se débarrasse également du père de Caleb... Ce dernier est maintenant sans défense.

Le shérif Buck tente d'avoir la garde de Caleb. Ce n'est pas compliqué dans une ville où tout le monde lui doit quelque chose. Son associé Ben, qui a été témoin du meurtre de Merlyn, se tait parce qu'il « doit beaucoup » à Lucas. Le shérif a également prêté de l'argent à une infirmière, a fait pression pour qu'une journaliste obtienne un bon contrat à la télévision locale, etc...

Les choses ne seront pas aussi simples pourtant. D'abord, le docteur (Matt Crower) qui s'occupe de Caleb s'oppose à Lucas et refuse de le laisser emmener le garçon. Ensuite, Gail Emory, la cousine de Caleb, qui a vu le reportage sur la mort de Merlyn à la télévision, décide de revenir en ville pour s'occuper de l'enfant.

Enfin, Merlyn apparaît à Caleb et le met en garde contre le shérif. On comprend rapidement que sa phrase récurrente (« Il y a quelqu'un à la porte ») renvoie au moment du traumatisme vécu par cette famille et concerne Lucas Buck : Judith Temple, la mère de Merlyn et Caleb, a été violée par le shérif et Merlyn a assisté à la scène. C'est le jour où elle est devenue folle. Caleb est donc le fils naturel de Lucas.

Lucas veut donc élever Caleb selon ses propres valeurs. C'est pour cela qu'il a décimé la famille Temple. Il ne s'attendait probablement pas à devoir lutter contre le docteur Crower, Gail Emory et surtout Merlyn. Toute la saison est marquée par cette opposition. Lucas joue la carte de la sympathie vis-à-vis de Caleb. Il lui paie, par exemple, un équipement sophistiqué pour réaliser son projet de science (une tricherie puisqu'ils sont censé ne rien acheter) alors que Matt préfère qu'il apprenne quelque chose en suivant les règles. Gail et Matt sont des adultes responsables. Merlyn est, quant à elle, prête à tout : terroriser l'adjoint du shérif, emprunter l'esprit d'un bébé, rendre malade la population de la ville entière, etc...

Ce premier axe narratif est construit sur le modèle du combat du bien contre le mal autour d'un héritier possible. Cela suppose que les deux pôles soient bien définis (Lucas d'un côté ; Gail, Matt de l'autre), avec au milieu des êtres ambigus (Caleb peut encore choisir d'évoluer vers un côté ou un autre, Merlyn par sa position d'esprit utilise parfois des moyens limites). Cela fonctionne très bien dans les films, moins pour cette série.

Evidemment, la succession des épisodes suppose une certaine complexification du propos pour donner envie au téléspectateur de revenir. Cela peut passer par deux procédés : soit ne dévoiler des choses que petit à petit, donc approfondir la connaissance que le téléspectateur peut avoir d'une situation de départ ; soit faire évoluer les personnages, donc faire évoluer la situation de départ. American Gothic joue un peu sur les deux tableaux. Nous verrons plus loin que la série n'est pas vraiment convaincante sur la longueur.

On trouve aussi des histoires parallèles à celle qui constitue le centre d'intérêt dans American Gothic, notamment les intrigues amoureuses : Lucas Buck a une liaison avec Selena Combs, l'institutrice ; il séduit petit à petit Gail Emory. La guerre est donc déclarée entre les deux femmes. Selena se console dans les bras de Billy, le médecin qui succède à Matt à la clinique. Gail ne vit pas une histoire lisse avec Lucas parce qu'elle le soupçonne de la manipuler.

Aux histoires d'amour, il faut ajouter le passé des personnages qui refait incessamment surface. Matt Crower a tué son épouse et sa fille dans un accident de voiture, il conduisait en état d'ivresse. Il s'en veut. Les parents de Gail sont morts dans l'incendie du bâtiment où était localisé leur journal. Elle pense que toute la clarté n'a pas été faite sur ces décès. Grâce aux pouvoirs de Lucas, ils vont apprendre des éléments d'information sur leur passé. Mais il n'est pas toujours aisé de distinguer ce qui relève du mensonge et de la manipulation, de ce qui est vrai.

Il y a aussi les destins des personnages plus secondaires : Selena Combs, son besoin d'amour et sa réputation de catin ; Ben qui hésite entre sa loyauté vis-à-vis de Lucas et sa conscience. Enfin, certains épisodes mettent en scène des évènements un peu connexes, mais qui permettent soit de de démontrer que la ville est maudite, soit de dévoiler l'une ou l'autre caractéristique des personnages. On retrouve le corps d'un journaliste de Miami qui avait disparu. Il a visiblement été torturé. Des braqueurs de banques terrorisent les habitants. Etc...

L'équipe

Shaun Cassidy est maintenant connu comme le producteur exécutif de Invasion (2005-2006), Cold Case (2003-), The Agency (2001). Auparavant, il était acteur dans Roots : The Gift, Alfred Hitchcock Presents, Matlock, General Hospital, Arabesque.

Sam Raimi, le producteur exécutif, est évidemment beaucoup plus connu pour son adaptation cinématographique de Spiderman.

La plupart des acteurs de la série ont des visages familiers, même si leurs noms ne sont pas toujours connus. Gary Cole qui incarne le shérif a eu des rôles récurrents dans A La Maison Blanche (vice-président Bob Russell), The Practice (Defense Attorney Solomon Tage), Crusade (Capt. Matthew Gideon), De La Terre A La Lune.

Le rôle de Caleb était l'un des premiers pour Lucas Black. Depuis il a joué dans des films comme Ghost Of Mississippi, Flash, X-Files, Crazy In Alabama, Cold Moutain, Friday Night Lights, Jarhead, et The Fast & The Furious : Tokyo Drift.

Paige Turco est Nell Turbody dans Rescue Me, Terri Lowell dans The Agency, Annie Mott dans La Vie A Cinq, Abby Sulliva dans New York Police d'Etat. Jake Weeber est surtout connu pour son rôle du mari de Patricia Arquette dans Medium. Sarah Paulson (Merlyn) est apparue dans 6 épisodes de Deadwood et elle fait partie du casting de Studio 60 On The Sunset Strip.

Les canons de l'horreur

Les séries jouant dans le registre de l'horreur sont rares. On a récemment parlé de Masters Of Horror, mais il s'agit d'une anthologie où les histoires sont déconnectées les unes des autres. L'idée de cette production est venue à Mick Garris (connu pour des adaptations de Stephen King). Il réunit les réalisateurs phares des films de séries B qui ont fait fureur à la fin des années '70 et durant les années '80 : John Carpenter, George Romero, David Cronenberg...

Les critiques disent d'ailleurs que la télévision leur a permis de se libérer du carcan imposé par l'industrie cinématographique. Cette réputation du petit écran plus créatif n'est pas neuve (voir les Cahiers du cinéma, n° 581 en 2003), mais on remarque qu'elle semble aussi se vérifier pour ce genre particulier. Un journaliste belge, dans sa critique de la collection, souligne à quel point le genre permet de parler de la réalité.

« On retrouve aussi sur cette saison ce qui faisait, aux yeux de Joe Dante, un des grands mérites de la première : la possibilité, par le biais du fantastique, d'aborder des sujets polémiques aux Etats-Unis. Lui qui dans la première fournée montrait dans »Homecoming« des GI zombie rapatriés d'Irak aller voter pour inverser le cours de la politique étrangère américaine, effleure cette fois dans »The Screwfly Solution« l'intégrisme religieux, la grippe aviaire et le réchauffement climatique, le tout dans une parodie joyeuse des films du genre. Carpenter se fait carrément provocateur - il l'a été plus d'une fois le bougre - dans »Pro-Life« où se pose la question de l'avortement d'une adolescente violée par un démon [1]. »

L'horreur est un genre particulier, un peu enfermé sur lui-même. Les fans d'hier produisent aujourd'hui les films. Le genre est produit pour un public de connaisseurs, rempli de clins d'yeux aux fans. Il n'est dès lors pas étonnant de trouver des fictions qui rappellent étrangement les gloires du gore. Freddy Le Cauchemard De Nos Nuits (Freddy's Nightmares) [2] est une série diffusée de 1988 à 1990 aux Etats-Unis et dès 1991 en France. Robert Englund, le Freddy cinématographique, était de la partie ainsi que Wes Craven au scénario. Englund se contentait de présenter les épisodes à l'instar d'un Alfred Hitchcock.

Vendredi 13 (connue aussi sous le nom de L'Entrepôt Du Diable, Friday the 13th) [3] a aussi connu une version télévisée dès 1987 et jusque 1990. Le moins qu'on puisse dire, c'est que les critiques n'étaient pas bonnes.

L'horreur est un genre parmi les plus populaires des genres populaires. Or la culture de masse est caractérisée par la répétition, le retour du même, le stéréotype. L'horreur entre bien dans cette catégorie puisqu'on retrouve les mêmes scènes clés, les mêmes types de héros, les mêmes monstres d'une fiction à une autre.

Le goût pour la répétition va jusqu'au serial . Les films d'horreur viennent rarement seuls. Les Halloween, les Freddy, les Vendredi 13 ont connu des suites en séries. C'est d'autant plus particulier de remarquer que le genre n'a pas percé en télévision où la sérialité est une manière naturelle de raconter des histoires. D'autant que les rares exemples de séries d'horreur sont en fait écrits ou produits par les réalisateurs de cinéma. C'est un peu comme si seul un groupe de personnes réalisait des fictions d'horreur et que ce groupe n'aimait pas la télé. Bref, je n'ai pas la réponse à ce mystère de toutes façons.

Ce constat n'est cependant pas tout à fait correct. En fait, des fictions d'horreur ont bien été produites pour la télévision, mais dans le passé et souvent dans le format particulier de l'anthologie (comme Masters Of Horror). Light Out est la première en 1949. Le programme était rempli de maisons hantées et de morts vivants. Comme la plupart des shows de l'époque, il était une adaptation d'une série radiophonique.

Plusieurs anthologies vont suivre durant les années '50 et '60 : Appointment With Fear au Royaume-Uni, Suspense, The Web, Danger, The Clock aux Etats-Unis. D'autres anthologies renferment des épisodes d'horreur parmi d'autres genres (la science-fiction, le fantastique, le thriller, etc.). On pourrait citer Alfred Hitchcock Presents, La Quatrième Dimension, Au Delà Du Réel.

Les années '70 n'offrent rien de vraiment intéressant, à part peut-être The Sixth Sense en 1972, mais le genre connaît une nouvelle jeunesse dans les années '80. Tales Of The Unexpected, Hammer's House Of Horrors, Hammer's House Of Mystery & Suspense sont créées en même temps que les films cultes du genre. David Carroll, dans son article sur tabula-rasa.info, souligne l'importance de la cassette vidéo et de la nostalgie dans la reconnaissance de l'horreur.

Les fans de l'horreur étaient ceux qui ont vu La Quatrième Dimension ou l'anthologie d'Hitchcock étant petits et qui aiment à retrouver cette ambiance particulière. Ils ont massivement enregistré les films et les séries d'horreur pour les regarder encore et encore et encore. Selon l'auteur, cela explique les séries désastreuses qui n'existent que parce qu'elles s'inscrivent dans la célébrité d'un film. Genre : la série Freddy. « Le Cauchemard De Freddy est le programme pour lequel le mot gratuit a été inventé. Il n'existe aucune justification à sa création à part le fait que beaucoup de gens sont allés voir le film. Malgré tout, il réussit à avoir un style et une structure propre [4]. »

Pourtant, David Carroll considère qu'il existe aussi d'excellentes choses comme Tales From The Darkside (1983) avec George Romero comme producteur exécutif et Les Contes De La Crypte (1988). Il cite aussi Dossiers Brûlants, Aux Frontières Du Réel dans les récits d'horreur. On pourrait contester ce classement. Il est vrai que certaines enquêtes de Mulder et Scully faisaient largement frissonner.

Il allonge la liste en parlant des soap opera un peu particuliers que sont La Famille Addams, Monsters ou Le Petit Vampire. L'auteur considère que, si la télévision permet de suivre des personnages dans une longue évolution, beaucoup de séries ont du mal à garder intact l'énergie du début.

L'article de David Carroll est intéressant parce qu'il nous montre que les genres ne connaissent pas la même fortune aux Etats-Unis et en Europe. Notre vision européenne sur le genre de l'horreur à la télévision est donc tronquée. Il y en a eux plus que ce qu'on pourrait croire (même si le genre est beaucoup moins représenté que le policier, par exemple).

On se rend aussi compte que l'horreur a connu ses heures de gloire dans les années '60 et '80. Actuellement, on semble être dans un creux. Ensuite, il n'est pas toujours évident de fixer la limite entre une fiction d'horreur et une fiction relevant de la science-fiction, du fantastique ou de l'aventure.

Enfin, il faut quand même remarquer que le gore est absent du petit écran et reste cantonné au cinéma. Or, actuellement, les films d'horreur les plus visibles sont gores. Ce sous-genre étant absent de la télévision, on a peut-être tendance à en conclure un peu rapidement que c'est le cas pour tous les sous-genres de fiction d'horreur.

A la lumière de ceci, l'existence d'American Gothic est d'autant plus intéressante. Non seulement la série est plus récente, mais elle n'est pas une anthologie où le monstre change chaque semaine. American Gothic n'en est pas moins une série totalement consciente des caractéristiques du genre dans lequel elle s'insère. On y retrouve des stéréotypes de personnages, de situations narratives, de mise en scène.

Les stéréotypes de personnages sont probablement les plus facilement reconnaissables. Commençons par ceux là.

Comme d'habitude, le représentant du mal est puissant, maléfique et charismatique. On se pose des questions quant à son statut. Est-il le diable, un ange déchu ou un être humain qui possède des pouvoirs extraordinaires ? On peut aussi se demander quelles sont les motivations profondes : répandre le mal ou protéger Caleb ? On a parfois l'impression que Merlyn, sans le savoir, représente un certain danger pour son frère. Sous des dehors diaboliques, Lucas pourrait en fait être un être bénéfique. Il faut cependant avouer que cet aspect n'est pas vraiment approfondi.

Le jeune héros suit également un chemin tracé. Il fête son dixième anniversaire, ce qui semble marquer un passage symbolique. Il est orphelin, sa nature se révèle petit à petit. Il semble vouloir se diriger vers le bien, puis change d'avis. Il semble enfin devenir plus dangereux que Lucas et on est en droit de se demander si ces deux-là ne vont pas finir par s'opposer.

La soeur traumatisée, murée dans son silence qui est sacrifiée pour mieux revenir sous forme de fantôme est aussi un personnage connu. Son statut de vierge, vêtue de blanc, apparaissant dans une aura de lumière et accompagnée de chants célestes est aussi un cliché.

L'institutrice qui se mue en femme fatale la nuit, l'adjoint du shérif un peu lâche, la journaliste rebelle qui a fui la ville pour oublier son chagrin, le docteur au grand cœur qui souffre de remords sont aussi des personnages déjà vus.

Parmi les clichés de situation, on peut déjà citer l'opposition entre le bien et le mal qui structure toute la fiction et qui est loin d'être neuve. L'enfant conçu par le diable, la ville marquée par une manipulation ou une malédiction sont des procédés scénaristiques connus des fans de films d'horreur. Des scènes peuvent aussi être récurrentes dans un genre : la visite de la maison hantée, les séquences d'hallucination ou de rêve, la séduction de la fille qui s'oppose au diable par ce dernier, l'inscription de message en lettres de sang, etc...

La mise en scène joue aussi avec les poncifs du genre : la musique inquiétante qui accompagne l'être maléfique, la musique éthérée qui accompagne l'ange, les gros plans sur les visages terrifiés, l'utilisation de contre-champ pour révéler ce qu'ils voient, les portes qui claquent, les objets qui volent, etc...

Les petites villes de province

American Gothic est le nom d'un tableau très célèbre, peint par Grant Wood en 1930. On y voit un fermier tenant une fourche et sa fille devant une maison de bois. C'est l'une des images les plus connues de l'art américain. Elle a d'ailleurs été utilisée dans le générique de Desperate Housewives. La volonté de Wood était de révéler les rôles traditionnels attribués aux hommes et aux femmes, de les figer dans la position utilisée dans les portraits de l'époque.

Je ne sais pas à quel point le titre de la série a été choisi en fonction de ce tableau, mais le parallèle est intéressant. En effet, American Gothic, la série, se déroule dans une ville traditionnelle du sud des Etats-Unis. Il y est plusieurs fois fait référence au rêve américain, à la famille moyenne, à l'univers bourgeois.

La plupart du temps, les séries se déroulent dans de grands centres urbains : New York, Los Angeles ou Miami. La petite ville de province n'est cependant pas tout à fait absente des écrans. On pourrait citer Providence de la série du même nom, Stars Hollow de Gilmore Girls ou bien la bourgade où se déroule Melinda Entre Deux Mondes (Ghost Whisperer).

La ville la plus connue de la télévision est évidemment Twin Peaks. Elle a des points communs avec Trinity : des familles bien identifiées, un shérif, des mystères et des secrets.

Une autre ville semble très proche de Trinity et Twin Peaks, il s'agit de Deepwater, la ville où réside le juge Bob Gibbs de la série Maximum Bob. De nouveau, on y trouve des ressemblances : un dictateur local, le juge Gibbs (il est beaucoup moins maléfique que Lucas Buck cependant) ; un représentant de l'ordre qui n'ose pas trop intervenir (le shérif Gary Hammond ressemble assez bien à Ben), une enquêtrice étrangère à la ville (l'avocate Kathy Baker s'oppose au juge Gibbs comme Gail Emory s'oppose à Lucas, la tension sexuelle comprise), un fantôme (Wanda Grace est noire à l'inverse de Merlyn, mais elles sont toutes deux des petites filles innocentes qui regrettent, entre autres, de n'avoir pas eu d'amoureux).

Evidemment Twin Peaks décline la petite ville sur le mode du drame mystérieux, alors que Maximum Bob en fait une comédie et American Gothic un thriller. Mais on sent qu'une inspiration commune sous-tend ces trois fictions. Les petites villes y sont isolées, renfermées sur elles-mêmes. Une fois qu'on y entre, on n'en sort plus. Elles sont peuplées de personnages bizarres : Nadine, la dame à la buche dans Twin Peaks, les Crowe, Léon dans Maximum Bob, les Temple, Lucas dans American Gothic.

Les différentes histoires parlent des secrets qui ankylosent les familles. Secrets qui ont souvent beaucoup avoir avec les sexualités (l'inceste, le viol, le sadomasochisme, la multiplication des partenaires, etc...). Lucas Buck, comme Bob, le méchant de Twin Peaks, comme le juge Gibbs sont en fait des mâles dominants, actifs sexuellement. Ils ont souvent un adjoint gentil, mais asexué (Ben, Truman ou Hammond). Face à eux, on trouve généralement un personnage féminin. Leurs relations, souvent d'oppositions, sont souvent teintée d'allusions sexuelles. Gail se laisse séduire par Lucas, Laura Palmer a été contrainte par Bob, Kathy est draguée par le juge Gibbs sans céder. Il y a, à mon avis, de quoi lire symboliquement ces fictions comme des histoires intimes de l'Amérique profonde, au moins du patriarcat et de la famille traditionnelle.

Difficile de tirer des conclusions définitives de tout cela, mais je ne peux que faire le lien avec certains articles qui composent l'ouvrage Les Peurs de Hollywood dirigé par Laurent Guido [5]. Le livre s'intéresse aux films d'horreur hollywoodiens. Les auteurs tentent d'y déceler l'expression des peurs d'une époque.

Selon Laurent Guido citant Siegfried Kracauer, « les films fantastiques reflètent spontanément certaines attitudes symptomatiques du malaise collectif [6] ». Plusieurs auteurs (Laurent Guido dans son introduction, Mireille Berton étudiant L'Attaque De La Femme De 50 Pieds, Rachel Noël analysant The Stepford Wives, Charles-Antoine Courcoux relisant la figure du robot féminisé) prétendent que l'horreur traduit en fait la peur des hommes face à l'émancipation des femmes. « Barbara Credd a par exemple mis en évidence la présence, au sein du film d'horreur des années 70 (...), une vaste appréhension des différents aspects de la sexualité féminine en tant que monstruosité, faisant appel à des conceptions féministes et psychanalytiques, ainsi qu'à la définition de l' »abjection« chez Julia Kristeva [7]. ». Le monstre est invariablement féminin ou en porte les attributs. Peur et sexualité semblent donc être liés.

Critique

Premier constat : American Gothic a vieilli. L'image surtout paraît passée. C'est d'autant plus vrai qu'on a tous à l'esprit quelques films récents qui ont une plastique parfaite.

La série a souffert de la censure imposée par la chaîne. Quatre épisodes n'ont jamais été diffusés : Potato Boy, Ring Of Fire, Echo Of Your Last Goodbye et Strangler. Les autres ont été programmés dans le désordre [8]. CBS voulait engranger les scores les plus importants et pensait que certains épisodes étaient plus porteurs. Evidemment, le résultat de toute ces manipulations est exactement l'inverse. La fiction est annulée en raison de ses faibles taux d'audience. Il semble que le président de CBS de l'époque, Leslie Moonves, n'aimait pas la série et qu'il n'a rien investi dans sa promotion.

Même sans la censure et la diffusion chaotique de CBS , je ne suis pas certaine que le feuilleton aurait récolté plus de succès. En effet, il souffre aussi de déséquilibres importants. Certains épisodes sont très bons, d'autres sont mauvais. Certains personnages disparaissent puis réapparaissent. Des intrigues semblent lancées dans tous les sens, puis parfois oubliées, sans que rien ne les rassemble.

Certains retournements sont imposés trop rapidement. Je pense, par exemple, à la folie du docteur Crower et sa disparition de la fiction (CBS ne le trouvait pas intéressant). On peut également évoquer les changements de caractère de Caleb. Il aime Gail, il tente de la tuer, il l'aime de nouveau et elle ne semble pas se souvenir qu'il a tenté de la tuer.

Je pense enfin à l'histoire amoureuse entre Gail et Lucas. Elle le déteste et le considère comme un être néfaste. Du jour au lendemain, elle couche avec lui. L'épisode suivant, elle semble déjà avoir des doutes sur les motivations de son partenaire et croit qu'il la manipule. Certains disent que Lucas et Gail se connaissaient et s'aimaient dans une vie antérieure, ce qui a facilité la séduction de Gail dans cette vie. Limite... Cela est abandonné dans le scénario final. Il paraît aussi que des passages coupés au montage expliquaient comment Lucas a gagné le cœur de Gail [9]. Encore une fois, ils ne sont malheureusement plus là.

Vous aurez compris que je n'apprécie pas outre mesure la série. Je l'ai regardée sans vraiment parvenir à entrer dedans, à m'intéresser aux personnages et à leurs histoires. Il me semble aussi que, pour une fiction d'horreur, elle est trop consensuelle. Pourtant, American Gothic jouit d'une aura assez importante. A l'époque, on la considérait comme une série majeure, une héritière de Twin Peaks. Elle a d'ailleurs été nommée à plusieurs récompenses, notamment dans le domaine de la Science-fiction et aux Emmy Awards en 1996. Peut-être ai-je loupé quelque chose ?

[1] www.lalibre.be

[2] www.imdb.com

[3] www.imdb.com

[4] »Freddy's Nightmares (1988-90, 44 eps) is the show for which the word gratuitous was invented. It has no real purpose for existing bar the fact that lots of people watch the movies, but it still manages to have a style and structure all its own.« tabula-rasa.info

[5]GUIDO Laurent (dir.), Les Peurs de Hollywood. Phobies sociales dans le cinéma fantastique américain, Éd. Antipodes , Lausanne, 2006, 275 p. Coll. Médias et histoire.

[6]op. cit., p. 8.

[7]op. cit., p. 11.

[8] www.americangothicdvd.com

[9] www.garycole.net, rubrique FAQ.

Demoiselle D'Avignon (la)

Lise-Marie Cassart — 2008-03-31T01:36:11Z

Histoire

Koba est une princesse, une vraie. La petite fille de Kurlande (inspirée par la Suède et l'Islande). Chaque année, elle vient incognito avec un groupe d'étudiants faire un pèlerinage à Avignon où naquit la reine Adélaïde de Kurlande.

Koba rencontre François Fonsalette, un jeune diplomate passionné d'archéologie. Ensemble, ils participent à des fouilles. Ils tombent amoureux, mais Koba doit regagner son pays. Sous le charme, François n'a désormais qu'une idée en tête : être nommé en Kurlande pour retrouver celle dont il ne sait ni le nom, ni l'adresse. Mais alors que son rêve se réalise, il croise Koba à Orly : elle revient s'installer en France comme jeune fille au pair.

De retrouvailles passionnées en tristes malentendus, les deux tourtereaux nous font vivre au rythme de leurs émotions dans ce conte de fées des années 70.

L'histoire de la télévision française regorge de feuilletons extraordinaires et palpitants. La palme revient sans doute à La Demoiselle d'Avignon, cette saga magnifique où l'amour est roi, où les sentiments, les cachoteries et autres quiproquos pimentent une intrigue on ne peut plus classique : un diplomate français tombe sous le charme d'une jeune étudiante sans le sous. Ce qu'il ignore, c'est qu'elle est la princesse du pays où il est muté.

Dès le départ on sent l'histoire d'amour se mettre en place. Et le spectateur est tout de suite mis au diapason. C'est bien à un feuilleton romantique qu'il a affaire.

Le mystère au début pèse sur Koba. On sent qu'elle cache quelque chose mais quoi ? Même le téléspectateur n'est pas au courant que c'est une princesse. Elle brouille les pistes. Et ne dévoile pas grand-chose de sa vie.

Décors et paysages

On laisse beaucoup de place aux décors et aux paysages dans cette série, notamment en Avignon et au Kurlande. Très beaux décors d'un fort à Avignon, il s'agit en réalité du fort Saint-André près d'Avignon. C'est la maison de la maman de Koba. Magnifique vue aérienne sur les jardins, ensuite vue des paysages aux alentours du fort.

Pour la Kurlande, les lieux de tournage se trouvaient au Danemark pour le château de Koba et les alentours. Et pour toutes les vues des campagnes et des petits villages typiquement Kurlandais, ces plans ont été tourné en Norvège.

J'aime beaucoup la manière dont on nous présente la Kurlande dans le film. Il s'agit d'un film promotionnel envoyé par l'office du Tourisme kurlandais à la France. On découvre en même temps que François à quoi ressemble ce pays. On comprend vite qu'il s'agit d'un royaume proche de la Norvège, Finlande et Suède. D'ailleurs les petits Kurlandais sont tous des petits blondinets.

Marthe Keller, qui joue Koba, est parfaite. On tombe sous son charme. Koba est extrêmement gentille, vive, sympathique. On a envie de la prendre sous son aile. On se prend vraiment d'affection pour elle. Elle est très dévouée.

Louis Velle tient parfaitement son rôle. Il a un petit air de Jean-Luc Reichman (à moins que ce ne soit l'inverse). On pourrait rebaptiser la deuxième partie du feuilleton par « les mésaventures de François en Kurlande ». Il y a quelques situations cocasses. Et beaucoup d'humour.

Par contre un élément perturbateur dans le film, c'est la musique, qui me semble assez kitch et alourdit le feuilleton .

Une grande difficulté pour Koba c'est d'être une princesse. Durant son séjour en France, ce qu'elle a apprécié le plus c'est qu'elle était comme tout le monde. Elle demande donc la permission à son grand-père de faire un voyage prolongé. Il accepte mais à certaines conditions qui vont rendre difficile ses retrouvailles avec François.

Démodé ?

Je m'attendais à beaucoup plus de lenteurs, à des dialogues lourds et trop construits. En fait, les dialogues sont très naturels. On pourrait toujours parler comme ça aujourd'hui.

Il n'y a pas de lenteur. Par contre, il y a quelques scènes trop romantiques. Par exemple, quand les enfants dressent la table à Avignon. On voit deux enfants courir en tenant une nappe par deux bouts et venir la déposer sur la table. Tout cela au ralenti avec une musique romantique. C'est assez kitch et complètement décalé. Mais dans la globalité, on ne tombe pas dans la niaiserie.

La mise en place de l'histoire d'amour ne se fait pas de manière lourde. Tout se fait dans les jeux de regards entre les deux acteurs principaux. Il y a dans cette histoire d'amour beaucoup d'actes manqués. Lors de la diffusion du film promotionnel, par exemple : à deux moments, on voit Koba à l'écran puisqu'il s'agit d'une des princesses héritières de la couronne. Et c'est à ces deux moments que François se retourne vers son ami, une fois pour allumer une cigarette, la seconde pour discuter et dire que sa décision est prise de partir dans ce pays.

L'histoire d'amour se construit lentement dans des silences, des regards. Ils se comprennent sans se parler. On sent qu'ils sont faits l'un pour l'autre. Il y a beaucoup de finesse dans l'approche de l'histoire d'amour.

Une autre invention de l'époque c'est le Ministère de la joie de vivre dont le ministre est une femme. Plutôt étonnant pour l'époque, mais en même temps, ça se passe quatre ans après mai 68.

En conclusion, c'est un excellent feuilleton , de très bonne qualité pour l'époque. En le revoyant aujourd'hui, c'est effectivement un peu dépassé. Mais cela reste une jolie histoire d'amour, agréable à regarder.

Absolutely Fabulous

Vincent — 2008-02-27T21:00:42Z

Présentation

Absolutely Fabulous est littéralement tombé sur les écrans de la BBC en 1992. La série fut immédiatement un succès sans précédent mais aussi l'une de ces séries cultes dont les Britanniques seuls en connaissent le secret.

Et c'est peu dire, autant les Américains que les Français ont bien tenté de se tirer un bout de couverture. Roseanne Barr, créatrice et actrice de la série Roseanne, a bien obtenu les droits de la série, mais ses projets n'ont jamais aboutis... Ab Fab est trop politiquement incorrecte pour le public américain.

Les Français ont été plus « chanceux », un film a bien été réalisé. Absolument Fabuleux de Gabriel Aghion, rassemblant Josianne Balasko et Nathalie Baye, n'est rien d'autre qu'un faible reflet de la série.

Soyons clair, rien n'y fait, Ab Fab c'est un humour purement britannique, mais aussi un portrait au vitriol de cette même société britannique. La série fait très fortement référence à un contexte social et politique particulier auquel nous ne sommes pas nécessairement sensibles. Pour le quidam, Ab Afab est hilarant, c'est vrai, mais sommes-nous toujours capables de lire entre les lignes ? Ce dossier sera donc essentiellement centré sur les différents niveaux de lecture qu'offre la série.

Il faut tout d'abord souligner l'incroyable longévité et l'impact de cette série qui, comme le souligne Chrissy Iley [1], repose sur une production très restreinte d'épisodes étalés sur une longue période. Ainsi, les trois premières saisons de 6 épisodes de 30 minutes furent diffusées entre 1992 et 1996. Avant d'être sans cesse rediffusée sur le câble américain et d'intéresser Steven Spielberg bien que ce soit, nous l'avons déjà évoqué, Roseanne Barr qui en acquit les droits.

Par la suite, une série 4 et 5, ainsi que des épisodes spéciaux, dont le célèbre épisode 'Gay', furent produits entre 2001 et 2004. Reste à savoir si la série verra encore l'un ou l'autre sursaut dans les années à venir.

Mais venons-en aux origines : Dawn French et Jennifer Saunders sont deux comédiennes qui firent connaissance sur le banc de l'école d'art dramatique avant de collaborer sur de nombreux projets dans les années 80. C'est en 1987 qu'elles lancent la série French & Saunders qui connaît à ce jour 6 saisons de 6 épisodes de 30 minutes. La dernière série fut produite en 2004 (la cinquième en 1995).

C'est dans le cadre de cette série que French et Saunders écrivent un sketch du nom de Modern Mother & Daughter dans lequel chacune des comédiennes tient le rôle d'une mère moderne et de sa fille vieux jeu. Ab Fab vient de naître. Dawn French ne fait pas partie du casting de Absolutely Fabulous mais travaille toujours en partenariat avec Jennifer Saunders.

Acteurs et personnages

Ab Fab se centre essentiellement sur quatre personnages féminins et trois générations. Chacune de ces femmes incarne les névroses et le sentiment d'insécurité lié au fait même d'être une femme [2]. Le tour de force d'Ab Fab étant d'avoir créé une comédie exclusivement centrée sur des personnages féminins qui prêtent à rire.

Comme l'affirme Chrissy Iley, « Être l'objet du rire a quelque chose d'humiliant et avant Ab Fab il était impossible pour une femme d'être à la fois sexy et drôle ». Il est donc essentiel de voir ici en détail chacun des quatre personnages en tenant compte à la fois d'éléments diégétiques, mais aussi extradiégétiques [3].

Eddie Monsson (Jennifer Saunders) : Personnage central, Eddie Moonsson, de son vrai nom Edwina Margaret Rose Monsoon, peut paraître quelque peu simpliste, excessive et surtout très superficielle. Elle est la meilleure amie de Patsy, la mère de Safran et la fille de Madame Monssoon.

Elle est à la tête d'une société de relation publique (PR) qui ne tient qu'au crochet d'une seule star d'abord : Lulu (une chanteuse de musique pop des années 60). La rejoindront plus tard, Twiggy, un ancien top model et enfin l'ex-Spice Girl Emma Bunton. En clair, des Stars « Has been ». Edina n'est pas très courageuse et n'a comme obsession que ses quelques kilos de trop et le fait d'être toujours dans le vent.

Un portrait bien peu reluisant, je vous l'accorde. Et pourtant, le personnage d'Eddy est le résultat d'une construction quasiment chirurgicale de la part de Jennifer Saunders.

Le nom Monssoon ne vous dit peut-être rien... Prenons un dictionnaire anglais-français, Monssoon se traduit en français par le nom commun « mousson ». En d'autres termes, un système de vent particulièrement actif dans l'océan Indien. C'est aussi une référence aux mouvements hippies, Goa en Inde durant la période de Mousson était alors une des destinations phares de la culture hippie dans les années 60. Enfin, Monssoon est aussi une chaîne de magasin de vêtement londonien [4] située sur High street et réputée pour faire fabriquer des vêtements de qualité moyenne dans les pays pauvres [5]. Notons, et on y reviendra plus tard, que le surnom « Eddy » utilisé tout au long de la série est unisexe (et fait plus facilement référence à un homme).

Eddy exerce une profession tout à fait particulière aux années 90. Elle est de cette nouvelle espèce de gourous de la communication. Elle est donc l'incarnation comique d'une profession dont la spécialité est finalement de vendre du vent, de représenter et d'influencer. Le personnage de Edina est d'ailleurs modelé sur LE gourou de la « culture relation publique », j'ai nommé Lynne Franks. Lynne Franks est un véritable modèle de réussite des années 90 [6]. Il est intéressant de savoir que Jennifer Saunders et Lynne Franks sont très bonnes amies et que Jennifer Saunders n'a jamais caché l'avoir parodiée, bien que « parodiée » semble un bien grand mot [7].

Patsy Stone (Joanna Lumley) : De son vrai nom Eurydice Colette Clytemnestra Dido Bathsheba Rabelais Patricia Cocteau Stone, Patsy est la meilleure amie d'Edina. Elle est aussi et surtout complètement odieuse, sans aucune morale, nymphomane, alcoolique, une fumeuse à la chaîne et une ancienne mannequin. Elle est le parasite par excellence. Elle travaille dans un magazine de mode qui semble ne pas lui demander beaucoup de temps ou de compétences et semble plutôt bien payée pour son inactivité. Tout comme sa seule amie, Eddy, Patsy est un personnage extrêmement bien construit.

Son nom : Stone. Reprenons notre dictionnaire, Stone se traduit en français par le nom commun « pierre ». Ce qui en soit représente la dureté du caractère de Patsy. C'est également, et l'on s'en doute, une référence au passé (les Rolling Stones) et, évidemment, à la drogue.

C'est la célèbre Joanna Lumley qui incarne le personnage décadent de Patsy Stone. Ce nom ne vous dit peut-être rien et pourtant les connaisseur savent que Joanna Lumley a également incarné Purdey dans The New Avengers (Chapeau Melon Et Bottes De Cuir) en 1976 et fut également une 'James Bond Girl' dans Au Service Secret De Sa Majesté (aux côtés d'ailleurs de Mme Peel, Diana Rigg).

Ce qui est moins célèbre par contre c'est l'image qu'incarne Joanna Lumley en Grande-Bretagne. Discutant avec des fans anglophones de la série, je fus surpris de l'importance donnée par ceux-ci aux contrastes entre Joanna Lumley et son personnage de Patsy Stone.

En effet, Joanna Lumley est, pour les britanniques, l'image même de la féminité blanche issue de la haute classe moyenne, d'une famille coloniale, ancien modèle de mode et réputé supporter du gouvernement conservateur. En d'autres termes, il y a un contraste évident et fort entre Patsy Stone et Joanna Lumley qui participe fortement à l'aspect comique de la série dans l'oeil du téléspectateur britannique.

Le personnage de Patsy trouve d'ailleurs son origine chez l'humoriste Ruby Wax, dont la spécialité était de faire des interviews complètement déjantées. L'idée était pour lui de faire une fausse interview de Joanna Lumley en la montrant comme une cuisinière alcoolique. Une idée reprise par Jennifer Saunders sur Ab Fab et qui permit à Ruby Wax de devenir script de la série.

Safran Monsson (Julia Sawahla) : Safran est la fille d'Edina. Elle est tout simplement l'exact opposé de sa mère. Responsable, attentive, ouverte d'esprit, ne fume pas, ne bois pas... La fille parfaite... Trop parfaite, voire même vieux jeu, naïve et à cheval sur des principes parfois trop rigides.

Contrairement à Joanna Lumley, le rôle de Safran correspond très bien au passé de l'actrice Julia Sawahla, laquelle était alors vedette de la série britannique Press Gang (43 épisodes et 5 saisons entre 1989 et 1993), une série très propre alors produite par ITV et qui visait un public de jeunes adolescents.

Grand-mère Monsson (June Whitfield) : La grand-mère Monsoon est un personnage essentiel d'Ab Fab bien qu'elle ne soit pas toujours présente. Elle est très proche de sa petite fille Safran et est l'opposé même de sa fille Edina. Cependant, a y regarder de plus près, on reconnaît dans ce personnage une sorte de congloméra de Safran et d'Edina. Elle est plus « relax » que Safran et plus affectueuse, mais également elle peut se montrer très dure et très égoïste comme peut l'être Edina.

Ici également, il est intéressant de rappeler l'une ou l'autre facette de l'actrice June Whitfield qui incarne ce personnage. Tout comme Julia Sawahla, June Withfield retrouve ici une continuité avec ses rôles précédents. Elle a, de par le passé, incarné plusieurs personnages très gentillets et appréciés dont celui d'une très gentille voisine dans la sitcom britannique Terry & June. Il est cependant un autre rôle qu'elle a incarné et qui est très intelligemment utilisé dans les scripts de Jennifer Saunders. En effet, June Whitfield incarna Margaret Thatcher dans des émissions radio !

Vous l'aurez compris, Ab Fab n'est pas une sitcom qui se base seulement sur une histoire et des personnages, mais c'est aussi et surtout une série qui, pour être entièrement comprise, doit se placer dans un contexte politique et social si précis que même le choix des actrices principales constitue déjà en soi une critique de la société.

Une série politiquement incorrecte !

Il est depuis longtemps acquis que toute production audiovisuelle est toujours, d'une manière ou d'une autre, politique dans la mesure où cette production est déterminée par l'idéologie qui la produit [8]. Ab Fab n'échappe pas à la règle, que du contraire.

Vu sous son plus simple aspect, Ab Fab pourrait se limiter à être une comédie basée sur le refus de femmes à bien se comporter. Cependant, la série, comme le décrivent Pat Kirkham et Beverley Skeggs [9] approfondit ce concept et le place dans un contexte tout a fait particulier en se référant à différents courants idéologiques et politiques mis en opposition. On y retrouve de cette manière le courant hippie des années '60, l'hédonisme des années '70, le Tatcherisme des années '80 et enfin la rigidité des années '90.

Le comique de la série est donc la résultante d'un dosage parfait entre ces courants opposés entre les personnages et au sein même de chaque personnage. Je m'explique : nous l'avons dit auparavant, le nom même des personnages (Monsoon et Stone) fait une claire référence à l'hédonisme et au courant hippie. Autant Patsy qu'Eddie sont portées sur la drogue, l'alcool et le plaisir direct. Cependant, toutes deux sont également représentantes de certaines valeurs du Thatcherisme tel que l'égoïsme, le matérialisme à outrance et un positivisme à toute épreuve. Les valeurs d'Edina et de Patsy sont donc en constant conflit avec les valeurs opposées de Saffy, portée quant à elle sur les courants écologiques, antimatérialistes et les problèmes sociaux.

A titre d'exemple, l'épisode 2 de la deuxième saison , Death, racontant la mort du grand-père de Saffy, est révélateur de tous ces conflits. Apprenant la mort de son père, Edina réagit comme une enfant et révèle sa peur de la mort et sa volonté de transmettre son héritage à sa fille. Safran refuse, arguant qu'elle n'est pas intéressée par le bien matériel. Edina décide alors d'investir son argent dans l'art moderne. Elle veut des objets qui auront de la valeur dans le futur et se ruine dans l'achat d'une série d'œuvres aussi hideuses les unes que les autres. Entre temps Patsy persuade Edina de lui donner son héritage.

L'épisode met en lumière les valeurs contradictoires des personnages. Saffy refuse les biens matériels, car c'est contraire à son éthique. Mais elle se fait doubler par Patsy qui voit là la possibilité d'assurer son propre avenir sans le moindre scrupule vis-à-vis de la jeune fille qu'elle spolie.

Mais la critique du Thatcherisme va même plus loin. Comme le démontre Pat Kirkham et Beverley Skeggs, on retrouve des traces de ce courant de pensée dans les plus petits détails de la série. Par exemple, dans cet épisode, Edina exprime sa peur de la mort en disant : « Mais je ne veux pas mourir. Quand je pense à tout ce que j'ai investi dans ce corps, dans cette vie. J'ai eu ce qu'il y avait de mieux. J'ai fréquenté les meilleurs instituts de beauté. J'ai été rasée, épilée et hydratée, ma chérie ! Cette carcasse teindra bon ou je ferai un procès ! ».

On voit là une application des valeurs musclées du Thacherisme en contradiction avec les préoccupations d'aujourd'hui que sont les soins et le bien-être du corps. La politique de Thatcher poussait à rendre plus fort pour mieux produire. Ab Fab ridiculise cette idée en la poussant à l'extrême surtout que dans le cas d'Edina et de Patsy, cet extrême s'atteint via l'excès d'alcool et l'usage de drogue.

Mais le Thacherisme est aussi à l'origine d'un discours neo colonial excessif. À différentes occasions, Edina fait référence à des objets issus de lieux exotiques comme une manière de se distinguer des masses ou de montrer un style de vie élevé. Ainsi, elle met des objets esquimaux dans son salon lorsqu'une journaliste se présente chez elle ou parle d'utiliser des lèvres d'Indiens d'Amazonie morts comme cendrier.

En d'autres mots, c'est une référence à l'extrême libéralisme qui utilise le tiers-monde comme une manière de se différencier et d'être chic, c'est surtout un libéralisme ou tout se vend et tout s'achète sans la moindre éthique. C'est le cas notamment des enfants roumains qu'Edina importe pour les revendre.

Ab Fab sous le couvert de l'humour est donc une critique acide d'une période de l'histoire de la Grande-Bretagne. Une période dont peu de Britanniques sont fiers aujourd'hui. Et cette critique est faite avec un tel génie qu'il est possible de regarder la série sans pour autant se sentir offusqué. D'une certaine manière, Ab Fab est à ce point politiquement incorrect que l'on rit de tout et surtout de ce dont il est interdit de rire.

Tout cela se concentre dans une sphère familiale dont le modèle lui-même s'oppose à la tradition. Edina est une mère divorcée et le père de Saffy est gay. Le rôle de mère et de fille est inversé. C'est Saffy qui prend soin de sa mère et qui tente tant bien que mal de l'éduquer. Enfin, il y a une totale absence d'affection filiale entre Edina et sa mère. Ab Fab est donc construite sur une inversion totale des rôles et sur de fortes oppositions entre les personnages doublés de contradictions criantes dans le comportement d'un seul et même personnage.

Ab Fab : Absolument Féministe ?

Un autre aspect d'Ab Fab particulièrement bien analysé par Pat Kirkham et Beverley Skeggs [10] dans leur article « Absolutely Fabulous : Absolutely Feminist ? » est la question féministe.

Comme nous l'avons vu auparavant, Ab Fab est le première série à utiliser principalement des femmes comme objet de comédie. Qui plus est, ce sont des femmes sophistiquées de la haute bourgeoisie anglaise. Autant que l'aspect politique, les références au féminisme des années '60 et '70 sont légion. Les deux femmes (Edina et Patsy) ne cessent de revendiquer leur liberté. Cependant, leur conception du féminisme (loin de la recherche d'une indépendance ou d'une revalorisation de la femme) se limite à leur droit à maigrir en criant des slogans tels que « les problèmes de poids sont une question féminine ». C'est également au nom du féminisme que les deux femmes justifient leur passion pour la mode.

Comme le commentent Pat Kirkham et Beverley Skeggs [11] dans leur article, une grosse partie de l'humour d'Absolutely Fabulous repose sur cette question du comportement de la femme. Le féminisme repose sur la contestation de la société de dominance masculine à faire reconnaître que la femme est elle aussi capable d'assumer des responsabilités égales à celle du sexe opposé. Or, le comportement tout entier d'Edina est l'exact opposé de cette revendication.

Edina est un personnage en constante fuite de responsabilités. Elle ne peut et ne veut assumer son rôle de mère qu'elle laisse bien volontier... à sa fille. Mais ce refus des responsabilités s'étend à l'ensemble de ses relations. Elle ne peut supporter d'écouter une amie se plaindre, ni l'entretien de son propre corps pour lequel elle paye des fortunes afin que d'autres en prennent soin.

Edina n'est de toutes façons pas en mesure de gérer son propre corps qui devient pour elle un objet incontrôlable. Elle ne peut retenir sa faim ou encore ne cesse de se plaindre de son poids, mais ne peut trouver le courage de maigrir. En d'autre terme, et nous rejoignons ici l'idéologie critiquée par la série, le concept même de responsabilité devient un objet échangeable contre monnaie sonnante et trébuchante.

A contrario, Patsy contrôle son corps à la perfection. Elle avoue n'avoir rien mangé depuis 1973, elle est maigre et est capable de subir n'importe quoi grâce à la drogue et aux cigarettes.

Est-ce dire que pour autant Absolutely Faboulous n'adopte aucunement le discours féministe. Pas tout à fait. Pat Kirkham et Beverley Skeggs [12] rappellent que le discours féministe porte aussi sur l'image de la femme dans les médias. Or, contrairement à l'image de la femme traditionnellement diffusée sur nos écrans, tant Edina que Patsy sont l'incarnation d'une certaine liberté.

Elles ne sont pas sujettes au regard masculin. En effet, les théories féministes ont depuis longtemps développé l'importance du regard de l'homme par rapport à la femme dans les médias, un regard qui est souvent considéré comme humiliant et réducteur. Ici, c'est tout le contraire, Patsy et Eddy sont toutes deux libres de se regard, elles ne sont en aucun cas assujetties aux hommes et maîtrisent même parfaitement leur relation avec ceux-ci. Ce sont des femmes libérées.

Mais encore ici, Pat Kirkham et Beverley Skeggs soulèvent dès lors la question de la féminité. Eddie et Patsy de par l'obtention d'une telle liberté n'ont-elles pas dès lors également perdu leur féminité ? La question se pose d'autant plus que la série semble à plusieurs reprises accentuer cet aspect de femme-homme. Toutes deux utilisent des sobriquets unisexes : Pats et Eddy. Par ailleurs, la série montre une relation forte entre les deux femmes, mais une relation constamment sur le ton du sur-joué. Dans une scène, alors qu'elles partagent le même lit, elles se disputent pour savoir qui va éteindre la lumière... La féminité devient donc un masque en soi et est perçue comme un simulacre de féminité.

Eddy est une femme dont le corps est à ce point capricieux et indomptable qu'elle n'est pas reconnue comme féminine. De son côté, Patsy est le symbole même d'une féminité que ne peut atteindre Eddy. Dans la saison 2, on apprend cependant que Patsy aurait subi une opération de changement de sexe au Maroc dans les années 70. Toutes deux sont donc femmes libérées dont la recherche de féminité est montrée clairement comme le résultat d'un dur labeur poussé au point d'en être ridicule.

Conclusion : Il fallait oser !

Si vous n'avez jamais regardé ne serait-ce qu'un seul épisode de Absolutely Fabulous, j'espère que ce dossier un peu compliqué ne vous aura pas rebuté. Si par contre, vous avez déjà eu l'occasion de voir cette série. J'espère très honnêtement que j'aurai placé quelques pistes de lecture qui vous permettront de redécouvrir la série sous un oeil différent. Peut-être que, comme moi, vous rirez d'autant plus que vous aurez en mains des éléments qui peuvent, je l'admets, sembler très arides dans ce texte, mais qui prendront tout leur sens lors de votre découverte ou redécouverte d'Ab Fab.

Ce qui m'a le plus frappé lors de ma dernière vision de la série, c'est que la série n'a pas pris une seule ride. Mieux, elle est d'autant plus appréciable que le temps a passé. Voir Edina et Patsy dans la première saison accrochées à leur téléphone portable énorme fait vieillot, mais ajoute tant de saveur que rien que ce petit détail nous fait rire aux larmes.

J'espère également qu'après la lecture de cet article, vous aurez saisi que le remake français Absolument Fabuleux n'atteint jamais les qualités de la série. Comme le disait Nathanael dans sa critique du film, une succession de sketches n'est pas suffisante. Ab Fab c'est beaucoup plus que ça. C'est une époque, c'est un mythe qui dépasse la série elle-même. La seule présence de Joanna Lumley prête à rire tant ce personnage est éloigné de son image, elle qui fut le modèle même de la féminité britannique. Il fallait oser faire Ab Fab !

[1]ILEY Chrissy, « Absolutely Fabulous » in MERULLO Annabel and WENBORN Neil (eds.), British Comedy Great, Cassel Illustrated, 2003, p. 11.

[2]ILEY Chrissy, op.cit., p. 11.

[3]soit tout ce qui est extérieur à la fiction

[4] Article wikipedia en anglais

[5]Depuis fin 2006, cette ligne de magasin a signé un accord sur commerce équitable [Voir www.labourbehindthelabel.org

[6] Page personnelle de Lynne Franks. Je vous conseille de jeter un coup d'oeil aux photos, surtout si vous avez déjà vu Ab Fab !

[7]Chrissy Iley, ayant également connu le gourou de la relation publique, raconte sa propre expérience en ces mots : « Lynne Franks herself is larger than life, (...). She was and is outrageous. Many times I've been with her and had strictly Absolutely Fabulous moments.(...) »

[8]« Every film is political, inasmuch as it is determined by the ideology which produces it (or within which it is produced, which stems from the same thing). (...) The cinema ' reproduces ' reality : this is what a camera and film stock are for — so says the ideology. But the tools and techniques of film-making are a part of ' reality ' themselves, and furthermore ' reality ' is nothing but an expression of the prevailing ideology ». (COMOLLI Jean-Louis, NARBONI Paul, “Cinema/ideology/criticism”, Screen reader 1, London : Society for Education in Film and Television, 1977, p. 4.)

[9]KIRKHAM Pat and BEVERLEY Skeggs, « Absolutely Fabulous : Absolutely Feminist ? » in GERAGHTY Christine and LUSTED David (eds.), The television Studies Book, Arnold, 1998, pp. 288-289.

[10]KIRKHAM Pat and BEVERLEY Skeggs, « Absolutely Fabulous : Absolutely Feminist ? » in GERAGHTY Christine and LUSTED David (eds.), The television Studies Book, Arnold, 1998, pp. 292-296.

[11]KIRKHAM Pat and BEVERLEY Skeggs, « Absolutely Fabulous : Absolutely Feminist ? » in GERAGHTY Christine and LUSTED David (eds.), The television Studies Book, Arnold, 1998, p. 292.

[12]KIRKHAM Pat and BEVERLEY Skeggs, « Absolutely Fabulous : Absolutely Feminist ? » in GERAGHTY Christine and LUSTED David (eds.), The television Studies Book, Arnold, 1998, p. 295.

L Word (the)

Nathanaël Picas — 2008-02-07T01:50:50Z

Rectification

Commençons ce dossier en corrigeant une faute fréquemment commise : il s'agit bien de « The L Word » et non « The L World ». Autrement dit, la traduction de cette série n'est pas « le monde L » mais bien « le mot L ». Pourquoi ce titre ? Il faut savoir que dans la langue familière en anglais, pour éviter de dire certains mots tabous, on ne mentionne que la première lettre. Ainsi quant on parle du « F word », on parle du mot « Fuck ».

The L Word joue exactement sur cette particularité de la langue et tourne autour de tous les mots qui commencent par L : Los Angeles, Love, Liaisons, Libération, Lutte, Lascives, Libertine... et bien sûr Lesbiennes ! A noter que le titre français a été traduit de façon assez maligne par « Elles ».

Enfin... lesbien !

Il était grand temps ! En effet, suite à la déferlante des Queer As Folk, Will & Grace et autres Six Pieds Sous Terre, elle manquait la série qui mettrait en scène un ou plusieurs personnages lesbiens. A croire que l'homosexualité masculine était plus facile à introduire dans une série. En effet, l'homo mâle pouvait être facilement inclus... même sous forme de stéréotype : le séropositif touchant sur le point de mourir ou le meilleur ami, un rien folle sur les bords, qui fait marrer tout le monde mais qui n'a aucune sexualité... comprenez, aucun petit ami !

Côté filles... Le désert... Ou alors quelques lesbiennes grosses et moches qui rebutent tout le monde ou qui ne servent que de ressort comique à des blagues macho de très mauvais goût. Rien de très réjouissant, donc.

La première avancée remarquée dans le domaine fut le coming out de Willow dans Buffy Contre Les Vampires, qui vivra une relation touchante avec la jolie Tara... une relation malheureusement condamnée à l'issue de l'avant dernière saison par la mort cruelle et déchirante de la petite amie de la sorcière. Un parti pris qui laissa un goût amer à certaines lesbiennes car elle y comprenaient le message suivant : « une relation lesbienne est impossible et punissable par la mort ». Je n'irai pas jusque-là car la mort de Tara servait un intérêt narratif dépassant son histoire d'amour avec Willow. Disons qu'elle s'est trouvée au mauvais endroit au mauvais moment.

Il faudra alors attendre que Queer As Folk fasse son apparition sur le tube cathodique pour que l'on se rende compte qu'une série avec une majorité de personnages homosexuels pouvait exister et surtout être intéressante. Avancée majeure : ces personnages ne définissaient plus leur homosexualité à travers une pseudo-culture gay politiquement correcte qui permettait de faire passer la pilule d'un personnage étrangement asexué. En d'autres termes, à de rares exceptions près, les séries « d'avant » nous présentaient des personnages homosexuels qui bizarrement n'avaient aucune relation sexuelle avec des personnages du même sexe qu'eux... ce qui est pourtant la caractéristique majeure de l'homosexualité, vous en conviendrez.

Bref, Queer As Folk donnera un grand coup de pied dans la fourmilière en montrant des gays ayant de fréquentes relations sexuelles entre eux. Brillamment écrite, la série fera des émules pour notre plus grand bonheur. The L Word pouvait faire son apparition. Et c'est à Ilene Chaiken qu'on le doit. Elle s'est pour cela entourée de brillantes scénaristes (lesbiennes) dont Guinevere Turner (Go Fish et American Psycho), Rose Troche (Six Feet Under) et Lisa Cholodenko (High Art).

Une histoire en toile d'araignée

La série raconte les péripéties de plusieurs amies femmes, lesbiennes, qui vivent à Los Angeles. Tout commence par l'arrivée de Jenny, fraîchement diplômée de l'université de Chicago, qui s'installe chez son petit ami Tim. Rapidement, elle fait la connaissance de ses nouvelles voisines : Bette et Tina. Ces deux femmes forment un couple solide depuis de nombreuses années et tentent d'avoir un enfant. Jenny entre alors dans un nouveau monde : celui de la communauté lesbienne.

Elle y rencontre, outre Bette et Tina, Shane, une coiffeuse au look androgyne qui multiplie les conquêtes, mais aussi Alice, une journaliste bisexuelle qui tente de constituer une base de données lesbienne indiquant qui a eu une relation avec qui (elle se rendra vite compte que c'est une vraie toile d'araignée qu'elle a créé) ; et enfin Dana une joueuse de tennis professionnelle qui n'a pas encore fait son coming out public. Bien que fiancée à Tim, Jenny se sentira irrémédiablement attirée par Marina, la tenancière du bar que fréquente le groupe. Une attirance partagée qui signera le début d'une relation passionnelle entre les deux femmes.

Un casting de choix

The L Word aligne un casting particulièrement fourni ; pas spécialement des grandes stars mais des actrices en fusion totale avec leurs personnages.

Parmi les plus connues, citons tout de même Bette, qui est jouée par Jennifer Beals. Ce nom ne vous rappelle peut-être pas grand chose a priori mais si je vous dis que c'est elle qui jouait l'apprentie danseuse dans Flashdance, je suis certain que vous visualisez nettement plus à quoi elle ressemble.

Bette est clairement l'un des personnages majeurs de la série. Elle tient une galerie d'art et tente de bousculer la vision étriquée d'une morale trop puritaine en proposant des expositions non conventionnelles, dont Provocation. Mais sa réussite sociale n'efface pas le malaise permanent de son couple. Bette se pose beaucoup de questions sur son amour pour Tina. Un amour qui sera mis à rude épreuve à la fin de la saison 1. Scène dramatique de quasi viol entre femmes en perspective. Le personnage de Bette doit beaucoup à l'interprétation sans fausse note de Jennifer Beals.

La soeur de Bette, Kit, est jouée par Pam Grier, l'égérie de Tarantino dans Jackie Brown et surtout star des années 70 durant la « blaxploitation »... Foxy Brown, c'était elle ! Son personnage de personnalité de la chanson tentant de combattre ses vieux démons et se défaire de sa dépendance à l'alcool est clairement l'un des plus touchants de la série.

Jenny est quant à elle jouée par Mia Kirshner, qui avait marqué les esprits par une apparition dans la série 24 Heures Chrono. Elle apporte une candeur déchirante à un personnage qui atteindra une grande densité dramatique au fil des épisodes.

La série aligne également quelques guest stars assez inattendues : Rosanna Arquette (qui tombera amoureuse de Shane) et Snoop Dog (oui, le rappeur)...

Trop belles pour être lesbiennes ?

Malgré tout, ce casting a soulevé un certain nombre de critiques. Ainsi, l'un des principaux reproche fait à The L Word est que les actrices sont trop belles. En effet, toutes les lesbiennes ici présentées sont belles et sexy... des « lipsticks », des « rouge à lèvres »... autrement dit, des lesbiennes féminines dans le langage gay. La seule exception étant Shane qui se retrouve plutôt dans la catégorie « butch » (garçon manqué)... et encore celle-ci est relativement « soft » dans son rôle de butch.

Aurait-on encore honte ou peur de montrer des femmes masculines à la télévision ? De toute évidence, oui. L'une des scénaristes de la série, Guinevere Turner, appuie ce choix « politique ». Selon elle, représenter des filles féminines, et donc non « menaçantes » pour un public non gay, était une façon de s'adresser à un plus large public et éviter la ghettoïsation de la série. « Si j'avais montré toutes les sortes de lesbiennes que je connais, les gens auraient pris peur » a-t-elle, elle-même, déclaré.

Il convient toutefois de tempérer cette critique. En effet, il ne faut pas oublier que l'histoire se déroule à Los Angeles. The L Word est une série qui tourne autour de lesbiennes, certes, mais de Los Angeles. D'après diverses sources sûres, les lesbiennes là-bas ressembleraient étrangement à celles décrites dans la série.

Une série ghetto ?

Une question qui mérite d'être posée. En effet, si The L Word a ravi une large majorité de la communauté lesbienne qui se voyait enfin représentée, beaucoup se sont demandés, à juste titre, si la série pouvait plaire à des personnes qui ne le sont pas. La réponse est sans équivoque : oui !

The L Word s'adresse à tout un chacun tout simplement parce que cette série parle d'amour et de rien d'autre. Les histoires que traversent les filles peuvent très bien se transposer à n'importe qui : le couple ensemble depuis de trop nombreuses années qui ignore s'il tient encore debout par habitude ou par amour, le personnage de tombeur (Shane) qui multiplie les conquêtes sans lendemain qui tombe amoureux de la personne la plus inattendue et la plus inaccessible, ou encore les deux personnages qui passent leurs temps à se prendre le bec pour mieux éviter de s'avouer leur attirance mutuelle...

Sans compter que la série est franchement drôle par moments, surtout avec les péripéties du personnage d'Alice, la journaliste bisexuelle qui s'est lancée dans la réalisation de sa toile retraçant les connexions entre toutes les lesbiennes qu'elle connaît. Elle arrivera tout de même à sortir avec un homme lesbienne : Lisa... Pour notre plus grand bonheur !

Il est dommage toutefois que ce ton comique s'efface au cours des saisons pour verser dans le dramatique absolu. Les derniers épisodes de la saisons 2 sont très éprouvants pour les nerfs et sont de vrais tire-larmes. Mais le plus dur est encore à venir, puisque dans la saison 3 chacune des femmes fera face à un drame.

Fort heureusement, la saison 4 est annoncée plus légère. Espérons que Guinevere Turner en fera partie car à l'issue de la saison 2, elle a été remerciée par Ilene Chaiken. En effet, les deux scénaristes ont fait face à de nombreux conflits. Turner essayant de rendre la série plus légère, en renforçant sa dimension « soap opéra », tandis que Chaiken poussait pour la rendre plus noire.

De toute évidence, le départ de Turner a permis à Chaiken de pousser ses personnages dans leurs derniers retranchements, mais prenant le risque par là de déplaire. En effet, le déséquilibre entre drame et comédie est devenu trop important dans la saison 3 et a laissé quelques spectateurs sur le carreau.

Au final, The L Word est avant tout une comédie de moeurs douce-amère, au ton de plus en plus grave au fil des saisons , qui plaira aux amateurs de bonnes séries, bien écrites et bien jouées, et servie par un casting hallucinant de justesse.

Notons tout de même que l'épisode pilote est clairement l'un des plus ratés de la série. Personnellement, après l'avoir regardé je me suis écrié « quoi c'est ça la série dont tout le monde me parlait ? » tellement je le trouvais ennuyeux et banal. Fort heureusement, le niveau grimpe rapidement et tutoie le magnifique lors de certains épisodes.

Au Nom De La Loi

Sarah Sepulchre — 2008-01-11T16:10:00Z

Remarque préliminaire

Nous attirons l'attention du lecteur sur le fait que nous avons visionné les cassettes éditées par TF1 vidéo en 1993. Elles étaient au nombre de trois et ne contenaient, en tout, que 9 épisodes. Nous n'avons donc pas vu l'entièreté de la série. Ces cassettes reprennent des épisodes « plic-ploc » sur plusieurs saisons . A l'heure actuelle, l'intégralité de la série a été éditée sur support DVD.

Premier coup d'oeil

Wanted Dead Or Alive est le titre original de la série Au Nom De La Loi. La série a été diffusée entre septembre 1958 et mars 1961 sur CBS . Steve McQueen joue le personnage central, Josh Randall, qui sera secondé par Jason Nichols durant neuf épisodes de la deuxième saison (Wright King incarnait ce personnage). C'est la seule série à laquelle Steve McQueen ait accepté de participer.

A l'époque, la série est la première à choisir un chasseur de prime comme héros. Malgré la mauvaise réputation de ces personnages, le public adore. Sa réputation est connue jusqu'en France où elle sera la première série à être diffusée le samedi soir à 20h30. Les directeurs de cinéma se sont d'ailleurs plaint de la baisse de fréquentation des salles et ont demandé qu'elle soit déplacée dans la grille des programmes.

La série ne semble pas avoir perdu de son aura. En 1987, le cinéma rend un bel hommage à la série. Le film Mort Ou Vif raconte les aventures de Nicholas Randall, l'arrière petit-fils de Josh Randall. Cela justifie peut-être qu'elle ait été colorisée en 1990. Ce sont les coloristes qui ont choisi de teindre la chemise de Josh Randall en bleu. En réalité, elle était beige, mais cette couleur ressortait mal sur le décor désertique. C'est un peu bizarre de voir un chasseur de primes, pourtant avide de camouflage et de discrétion, porter ce type de couleur !

La série a été à la fois bénéfique et dramatique pour Steve McQueen. Elle a littéralement lancé sa carrière puisque c'est grâce à la renommée qu'il y a acquise qu'il a tourné Les Sept Mercenaires. Mais, malheureusement pour lui, la série était sponsorisée par les cigarettes Viceroy et la marque exigeait qu'il fume ses produits. Il est mort d'un cancer du poumon en 1980...

Si aujourd'hui les plus jeunes ne se souviennent pas de la série et ne savent même pas qui est Steve McQueen, ils sont pourtant conscients qu'une carabine au canon scié, c'est le top du top comme arme. Et ça, c'est un héritage d'Au Nom De La Loi !

Le chasseur de primes

Au Nom De La Loi est centrée sur le personnage de Josh Randall, un chasseur de prime. Ça a l'air tout naturel et pourtant, à l'époque, ce choix semblait être une gageure. Jacques Viallon et Fabrice Rendé nous apprennent, dans le Guide Du Téléfan qu'ils ont consacré à la série, que : « Dans l'esprit commun, `un homme qui en recherche un autre pour de l'argent ne vaut pas mieux que celui qu'il poursuit´. Tous les grands shérifs et marshals qui ont risqué leur vie pour une poignée de dollars sont devenus des héros aux yeux des citoyens. A travers le temps, leur nom est resté. Le chasseur de primes est un être que l'on méprise car ce n'est que pour l'appât du gain qu'il se transforme en justicier » [1]. Cet appât du gain est ce qui fait la différence entre un justicier au grand cœur et un chasseur de primes méprisé.

Dans l'Ouest américain, durant la période de la conquête, les shérifs n'avaient pas la possibilité de contrôler un territoire aussi immense. Ils recourraient donc aux services des chasseurs de primes. Ils placardaient sur les murs de leur bureau les photos des bandits recherchés ainsi que le montant de la prime offerte. N'importe quel citoyen pouvait donc se changer en chasseur de primes. Les chasseurs de primes professionnels étaient très rares. La plupart du temps, ceux qui s'acquittaient de cette tâche ne le faisaient qu'occasionnellement. Des privés pouvaient également lancer des avis de recherche.

Les compagnies de chemin de fer, de diligences, de transport de courrier payaient souvent pour l'arrestation des criminels qui attaquaient leurs employés. Les affiches proclamaient que le criminel pouvait être ramené mort ou vif. La plupart du temps, les chasseurs de primes les tuaient pour ne pas avoir trop de difficultés à les ramener. En plus, certains d'entre eux n'hésitaient pas à utiliser des méthodes répréhensibles pour retrouver leurs proies. C'est pour ces raisons que les chasseurs de primes ont aussi mauvaise réputation. A noter qu'il existe toujours des chasseurs de primes aujourd'hui. Ils recherchent les criminels qui ont filé pendant leur liberté sous caution [2].

Voilà pourquoi on qualifie souvent Josh Randall d'antihéros. « Le héros devient soudain antihéros. Il a choisi un métier dur et dangereux où il est plus facile de ramasser du plomb que de l'argent. Il ne fait triompher la justice que par appât du gain. Si une affaire est trop dangereuse ou ne rapporte rien, sa première réaction est de la refuser tout net » [3].

En effet, Josh Randall est d'abord quelqu'un de pragmatique qui demande le montant de la prime avant de s'engager. Il ne travaille d'ailleurs que quand il est fauché et que le poker ne lui a pas permis de renflouer ses caisses. Et il est plutôt fâché quand on lui fait perdre son temps. Quand, par exemple, il cherche un homme qui a été innocenté entre temps. Dans ce cas, il négocie pour être payé malgré tout (épisode 77, « Le Voleur »).

Il n'est pas spécialement sensible aux valeurs morales. Son seul principe est de ramener les criminels vifs plutôt que morts. Il s'éclipse si ses adversaires sont trop nombreux. Mais malgré tout, il a une réputation bien établie et il fait peur (voir le début de l'épisode 1 « Les deux sinon rien »). Il joue d'ailleurs énormément là-dessus. Sa réputation lui permet souvent de ne pas devoir se battre. « Par son jeu ironique et distancié, il permet à Josh Randall d'ouvrir la voie aux héros modernes qui refusent le combat contre plus forts qu'eux pour vaincre ensuite par la ruse. C'est un anti-héros qui devient héros malgré lui » [4].

Josh Randall est un héros solitaire. « Je préfère être seul », dit-il à Estralita qui s'étonne de le voir à l'écart lors d'un bivouac (épisode 41 « Estralita »). On ne lui connaît pas de famille, pas de petite amie fixe (il tombe amoureux une fois, mais la fille meurt à la fin de l'épisode), pas d'amis, pas de compagnon de route. A l'exception de Jason Nichols durant la deuxième saison avec qui une relation « maître-élève » s'établit. Ce personnage sera cependant évacué après 9 épisodes. Steve McQueen considérait que Josh Randall devait rester un solitaire.

On apprend au détour d'une aventure qu'il a un domicile fixe où il reçoit du courrier, mais on ne le voit jamais. Il n'a pas non plus d'ennemi juré qui lui en voudrait de l'avoir mis sous les verrous. Les criminels n'apparaissent d'ailleurs jamais deux fois de suite.

Non seulement il est solitaire, mais il est aussi taciturne et secret, ce qui signifie qu'on ne sait pas grand chose de lui. « Il n'a pas de lourd secret derrière lui, son enfance était pratiquement sans histoire, il a servi dans l'armée à un petit niveau avant de devenir l'employé d'une banque qui l'a accusé de complicité dans un hold-up. On peut dire que Randall n'existait tout simplement pas avant d'être chasseur de primes » [5]. Josh Randall lui-même donne ces éléments dans un dialogue rapide. Il évacue tout son passé en moins d'une minute presque (épisode 11 « Service Rendu »).

Vous l'aurez compris toute la série tourne sur le retour du même : la traque d'un homme. Il n'y a aucun élément feuilletonesque. Le retour du même est cependant brisé par les histoires de ces criminels. Parfois il est mandaté par un shérif, parfois par des privés. Parfois, il traque un homme, mais il lui arrive de chercher après une brebis ou le Père Noël. Parfois, on lui demande de protéger un diamant durant son transport ou de retrouver l'identité d'un homme amnésique. Les variations sont donc plutôt ténues. Les séries des premières décennies étaient structurées de manière plus simple qu'actuellement. Ceci explique probablement cela...

Premières apparitions de Josh Randall

Josh Randall n'en est pas à sa première apparition télévisuelle quand débute Au Nom De La Loi. Le personnage a été testé dans un épisode de la série Trackdown, avec Robert Culp, intitulé « The Bounty Hunter » (« Le Chasseur De Primes »). Le public ne rejette pas ce personnage pourtant un peu rébarbatif, et la prestation de Steve McQueen dans un autre épisode de la série (où il interprète des frères jumeaux) achève de convaincre les producteurs de lancer la série.

Steve McQueen

C'est un inconnu quand il signe pour le rôle de Josh Randall. Ce n'est donc pas sa renommé qui a joué dans le choix des producteurs. Un choix un peu bizarre d'ailleurs puisqu'on ne peut pas vraiment dire qu'il a le physique de l'emploi (tel que le public se représentait les chasseurs de primes à l'époque). Il a un physique de jeune premier, presque adolescent. Ses yeux bleus ne l'orientent pas nécessairement vers le western ! Et c'était apparemment fait exprès. Les auteurs du Guide Du Téléfan nous apprennent que Vincent Fennely recherchait justement un acteur avec un physique qui ne collait pas au rôle.

« J'avais besoin d'un `petit mec´ donnant l'air d'être assez dur pour faire ce job, mais avec une espèce de vulnérabilité afin que le public prenne fait et cause pour lui contre les méchants. McQueen était exactement ce que je cherchais. Je l'ai choisi parce qu'il était un homme ordinaire. Vous savez, un chasseur de primes est un pauvre type. Tout le monde est contre lui, sauf le spectateur. Et Steve McQueen n'était pas une beauté, mais il avait une espèce d'instinct animal, il pouvait ronronner et montrer ses griffes en même temps » [6].

McQueen signe sans grande joie. Il semble ne penser qu'au cinéma et la routine de la télévision l'effraie. En plus, il n'apprécie pas particulièrement le western et les chevaux ! Mais il n'a pas le loisir de se passer du salaire. Une fois qu'il est dans le rôle, il s'en empare littéralement. Il contribue à sa création en lui choisissant son chapeau élimé et en sciant le canon de la Winchester. « L'engin obtenu est parfaitement illégal et constitue une aberration balistique, mais il trouve sa place dans l'Ouest américain du siècle dernier au cœur des aventures fictives de Josh Randall » [7].

Il s'entraine même au tir et devient l'un des meilleurs tireurs de la côte Ouest. C'est également lui qui déniche le chapeau de Josh Randall. Il lui a été donné par un ancien cowboy et Steve McQueen considérait qu'un chasseur de primes doit porter un couvre-chef qui a vécu et non un Stetson flambant neuf.

Comme il se sent proche du personnage, il semble qu'il ait aussi de plus en plus d'exigences à son propos. Il commence par virer le cheval qui lui était attribué parce qu'il le considère trop lent. Il en acquiert un nouveau, à peine dressé qui restera indomptable. La bête tente de le mordre, rue dans le matériel d'éclairage... Il s'entraine également pour devenir un cavalier émérite (alors qu'il n'aimait pas les chevaux !).

Au fil des épisodes, il considère qu'il connaît assez le personnage pour refuser certains choix posés par les scénaristes. Ces derniers voulaient faire de Randall un héros invincible et plus idéaliste. McQueen considère que sa fragilité et son goût pour l'argent font la force et l'originalité du héros. Il bataillera ferme pour obtenir gain de cause.

Steve McQueen a des désirs de star, pourrait-on dire. C'est normal puisqu'il en est devenu une. Il pouvait tourner des films à côté de la série tant que les tournages n'en étaient pas perturbé. Il décroche un second rôle dans La Proie Des Vautours avec Frank Sinatra et Gina Lollobrigida en 1959. Sa prestation est saluée par la critique. John Sturges le choisit de nouveau pour un film en 1960 : Les Sept Mercenaires, qui a autant de succès.

Le rôle qu'il tient dans Les Sept Mercenaires est proche de celui de Josh Randall, encore plus silencieux, rapide et adroit. Par la suite, Steve McQueen ne tournera plus jamais dans une série télévisée, mais il incarnera deux fois encore un chasseur de primes. Dans The Hunter (Le Chasseur) de Buzz Kulik et dans son dernier film : Tom Hornn de William Wiard.

Aujourd'hui, c'est probablement plus par ses films que par Au Nom De La Loi qu'il est connu. Outre les films déjà cités, il a joué dans La Grande Evasion, Le Kid De Cincinnati, L'affaire Thomas Crown, Le Mans, Bullitt, La Tour Infernale... Pour ceux qui sont intéressés par Steve McQueen, notamment son passé tumultueuse, sa carrière d'acteur et sa maladie, je vous recommande la lecture des sites suivants : McQueen.ifrance.com et stevemcqueenweb.free.fr.

Le western à la télévision

Josh Randall est le premier chasseur de primes à la télévision, peut-on lire ici et là. Et c'est vrai. Mais le western était présent dès les débuts de la télévision. Et nous percevons assez mal le phénomène puisque beaucoup de séries restent inédites en Europe.

Christian Gonzalez, auteur du Que Sais-je ? sur le western, prétend que la télévision a racheté le stock de film de séries B avant de passer à sa propre production de western. Il porte également un regard assez critique sur les séries télévisées. « Ces productions hâtives rabâchent, d'une série à l'autre, les mêmes situations archiconventionnelles et les mêmes péripéties malgré un effort de renouvellement et les prestations d'authentique stars du grand écran : Henry Fonda, Joël Mac Crea, Barbara Stanwick notamment » [8].

Je ne suis pas certaine que les choses soient aussi simples que cela. Vous pourrez le constater en parcourant la liste ci-dessous, la télévision a déjà ses propres productions dès les années 50. Il n'est pas non plus certains que tout soit à jeter dans le western télévisé, même si effectivement ce n'est pas là qu'il faut chercher les grandes innovations télévisuelles.

L'auteur remarque enfin que les séries et les téléfilms prennent le relais d'un genre en recul au cinéma. « L'avènement du téléfilm semble annoncer que le western traditionnel pourrait bien trouver un utime refuge à la télévision à mesure qu'il déserte le grand écran » [9].

La liste qui suit a été établie avec l'aide du dictionnaire de Jean-Jacques Jelot-Blanc, Télé-feuilletons [10]. Elle n'est probablement pas parfaite, mais elle recense, à mon avis, les grands westerns de la télévision (du moins ceux qui ont été diffusés en Europe).

On remarque assez vite que le western apparaît dans une époque assez limitée qui couvre principalement les années 50 et 60 (avec respectivement 17 et 19 séries). Ensuite, le nombre de westerns télévisés ne cesse de décroître pour disparaître quasiment dans les années 90 et 2000 (7 dans les années 70, 3 dans les années 80, 1 dans les années 90 et 1 dans les années 2000). Nous reviendrons sur ces avatars tardifs du genre dans un prochain dossier sur Deadwood.

Le constat formulé pour le cinéma est donc identique pour la télévision : le western semble être un genre du passé quantitativement et qualitativement puisque les westerns actuels ont bien changés (le site imdb.com ne classe d'ailleurs pas Le Rebelle dans la catégorie « western », mais « action »). Il est d'ailleurs intéressant de noter qu'une coupure énorme s'installe entre les western des années 70 et 80. Diligence Express, Les Deux Font La Loi et L'équipée Du Poney Express n'apparaissent qu'à la fin de la décennie.

Années 50

Cisco Kid (1950) : Cisco Kid, mexicain et accompagné de Pancho, sillonne le sud à la recherche des vilains de tout poil.
Les Aventures De Roy Rogers (1951) : Roy Rogers est un ranger. Il doit maintenir l'ordre à Mineral City avec l'aide de son partenaire, Dale Evans.
Les Aventuries Du Far-West (1952) : On suit les pionniers entre le Nevada et la Californie dans les seconde moitié du XIXème siècle. Ronald reagan était du casting. La saga raconte tous les grands épisodes de la conquête de l'Ouest.
David Crockett (1954) : les aventures du célèbre trappeur.
Les Aventures De Rintintin (1954) : Rintintin est un chien, le fidèle compagnon de Rusty, un jeune caporal du 101ème de cavalerie.
Aigle Noir (1955) : Aigle Noir, le chef de la tribu des cheyennes, tente de nouer une paix durable avec les blancs, mais des membres de sa tribu ne sont pas d'accord. Aigle Noir était le cousin de Crazy Horse et a réellement existé.
Frontières (1955) : Histoires vécues par les pionniers américains.
Gunsmoke (1955) : Les aventures du célèbre héros de l'Ouest, le marshal Matt Dillon.
La Flèche Brisée (1956) : Tom Jeffords, un ex-capitaine de l'armée, et Cochise s'affrontent tout en se respectant en 1870 alors que la guerre entre les colons et les Apaches fait rage.
La Grande Caravane (1957) : La saga d'une famille de pionniers partis vers la Californie.
L'Homme A La Carabine (1958) : L'histoire d'un tireur d'élite et de son fils.
Texas John Slaughter (1958) : Les aventures du héros populaire de l'Ouest.
Au Nom De La Loi (1958) : Les aventures de Josh Randall, chasseur de primes.
Aventures Dans Les Iles (1959) : On suit les aventures du capitaine Troy, tombeur de ces dames.
Bonanza (1959) : La saga des Cartwright, une famille de fermiers du Nevada composée du père et de ses trois fils.
Laramie (1959) : Les aventures de Slim et Jess deux amis qui vivent au ranch de Laramie.
Rawhide (1959) : L'odyssée de ranchers partis de San Antoni pour convoyer du bétail vers Sedalia. Clint Eastwood incarnait l'un des personnages principaux.

Années 60

Les Aventures De Kit Carson (1960) : Les exploits du fameux ranger, une figure célèbre de l'Ouest américain.
Le Courrier Du Désert (1961) : Chris Cobb est propriétaire d'une compagnie de diligences. Il est chargé de transporter le courrier, mais aussi de l'or...
Histoire Du Siècle (1962) : Matt Clark et son assistant déjouent les intrigues autour d'une importante compagnie de chemin de fer.
La Route Des Rodéos (1962) : Mitch et Andy remettent en question leur titre de champion entre le Texas et la Californie.
Le Virginien (1962) : Le juge Garth possède un ranch qu'il gère avec sa fille Betsy et trois jeunes cowboys.
Les Voyages De Jaime Mac Pheeters (1963) : L'odyssée d'une caravane de colons vue par les yeux d'un jeune garçon de douze ans.
Daniel Boone (1964) : On suit les traces du légendaire trappeur Daniel Boone.
Laredo (1965) : Non loin du Rio Grande, une poignée de rangers tentent de faire régner la justice.
Les Mystères De L'Ouest (1965) : Les investigations de James West et Artemus Gordon, des agents d'état dans un monde de western.
Le Proscrit (1965) : Jason McCord est dégradé. Il doit prouver son innocence.
Les Monroes (1966) : Le couple Monroe et ses cinq enfants s'installent dans les montagnes du Wyoming.
Le Cheval De Fer (1966) : Un cowboy installé dans son train traverse mille aventures afin d'assouvir sa passion du jeu.
Chaparral ou Le Grand Chaparral (1967) : Des éleveurs, les Cannon, doivent faire face aux indiens et aux trafiquants de bétail.
Cimarron (1967) : Jim Crown est le marshal de la ville de Cimarron où il tente de faire régner l'ordre.
Hondo (1967) : Les exploits d'un soldat médiateur de la cavalerie américaine.
Les Bannis (1968) : Un esclave devenu libre et un aristocrate virginien, fils d'exclavagiste, doivent faire route ensemble. Ils étaient chasseurs de primes.
La Grande Vallée (1968) : Saga familiale autour d'un ranch dans la vallée de San Joaquin.
L'Ouest Aux Deux Visages (1968) : Deux jumeaux, un marshal et un docteur, qui tentent de maintenir l'ordre dans une ville.
Ranch L (1968) : L'histoire d'une famille de pionniers.

Années 70

Opération Danger (1971) : Deux anciens voyous font amende honorable et décident de servir la loi. Ils sont surveillés par un ami shérif.
Sam Cade (1971) : Sam Cade, le shérif, a du mal à faire respecter la loi, surtout par les indiens.
La Petite Maison Dans La Prairie (1974) : La famille Ingalls s'installe à Walnut Grove.
La Côte Sauvage (1975) : Jeff Cable était policier à Sacramento et muté à San Francisco pour faire régner l'ordre. Il se déguise pour intégrer la pègre. Il est accompagné de Cash Conover. William Shatner incarne Jeff Cable.
Sur La Piste Des Cheyennes (1976) : Morgan et son frère Quentin partent à la recherche de leur soeur enlevée par des indiens.
Colorado (1978) : On vit les histoires de la descendance de Pasquinel, un trappeur, installé à Centennial dans le Colorado. Ce feuilleton montre les évolutions survenues en 200 ans d'histoire américaine.
La Conquête De L'Ouest (1978) : On suit la saga des Macahan, une famille de Virginiens à travers la conquête de l'Ouest.

Années 80

Diligence Express (1988) : L'épopée de quelques Américains qui s'exilent en Australie pour faire fortune.
Les Deux Font La Loi (1989) : Clive, de la police montée canadienne, et Jack, un ancien shérif, font régner la loi à Bordertown, une ville frontière.
L'équipée Du Poney Express (1989) : Six jeunes cavaliers fondent la messagerie postale la plus rapide de l'Ouest.

Années 90

Le Rebelle (1992) : Reno Raines est un chasseur de primes qui tente, en parallèle, de prouver son innocence dans le meurtre de sa femme.

Années 2000

Deadwood (2004) : Dans les semaines qui suivent le massacre de Custer, le Dakota devient une région sans foi ni loi. Will Bill Hickok et Seth Bullock s'opposeront à Al Swearengen, tenancier de saloon à Deadwood.

Toutes les catégories de personnages qui apparaissent dans les westerns sont présents sur le petit écran : les trappeurs, les shérifs, les compagnies de chemin de fer, les compagnies de diligences, les pionniers, les fermiers, les soldats, les indiens, les chasseurs de primes et les cowboy solitaires (qui ont chacun des statuts différents d'ailleurs).

La catégorie la plus représentée est celle des représentants de la loi, shérifs, marshals ou autre rangers, qui comptabilisent 11 séries en tout (qui s'étalent sur toutes les décennies). Les pionniers et les fermiers (deux catégories qui se regroupent d'ailleurs allègrement) sont également très présents avec 8 et 7 séries respectivement. Les compagnies de diligences ou de courrier, les Indiens rassemblent chacun trois séries. Les soldats, les trappeurs et les chasseurs de primes apparaissent chacun deux fois. Enfin, les compagnies de chemin de fer sont les moins populaires puisqu'on ne leur consacre qu'une série.

Pour le reste, on trouve des personnages plus divers comme un tireur d'élite, un aventurier, des artistes de rodéo, des agents gouvernementaux... On remarque que pratiquement toutes les catégories sont représentées dans les années 50 et 60 et qu'ensuite le paysage se simplifie. Il ne reste que les trois grands pôles : shérifs, pionniers, Indiens dans les années 80. Au-delà, les producteurs s'intéressent à des choses plus marginales ou plus particulières. Les postes frontières et les rapports entre les systèmes de loi du Canada et des Etats-Unis ; l'entreprise du Poney Express, les fugitifs modernes ou une série qui semble plus à la marge comme Deadwood.

Il est difficile, à partir de ce constat, de faire des comparaisons avec le traitement cinématographique du western par exemple. On peut simplement remarquer que la catégorie « forces de l'ordre », la plus représentée, renforce ce qui existe avec le policier actuel. La télévision aime particulièrement ce genre. Walker Texas Ranger, qui ne figure d'ailleurs pas dans notre classement, probablement parce qu'il est reconnu comme un policier par Jean-Jacques Jelot Blanc, serait en quelque sorte le symbole de cet état de fait. On y retrouve également la propension de la télévision de suivre des sagas familiales. Les intrigues attachées aux pionniers et aux familles de fermiers étant très proches de celles des soap opera .

On le sait le cow-boy est l'une des figures mythiques du western [11]. Le genre a évolué, c'était particulièrement visible au cinéma, d'histoires manichéennes vers des intrigues où le cowboy et l'idéal blanc sont remis en question. Ce dernier avatar du western, après la Seconde guerre mondiale, est appelée le sur-western [12].

Quand on relit le héros de Josh Randall face à toute cette évolution du western cinématographique qui est évidemment le grand frère du western télévisuel et qui l'influence, on se rend compte qu'il allie à la fois certaines caractéristiques du héros classique et du sur-western. On ne remet pas vraiment en question l'univers, les mythes, les valeurs de l'Ouest dans la série. Mais par le fait qu'il soit peureux, vénal et pathétiquement solitaire, Josh Randall n'est pas non plus totalement un héros traditionnel.

On peut donc dire que Josh Randall est un héros original vis-à-vis du cinéma et surtout pour la télévision. Non seulement il est l'un des rares chasseurs de primes du petit écran, mais il en est effectivement le premier. Il aussi un héros un peu « limite ». Aujourd'hui, c'est vrai, on a un peu de mal à le considérer comme un anti-héros. Depuis on a vu des personnages racistes, alcooliques, complètement antipathiques. Andy Sipowiz en était le meilleur exemple jusqu'à l'arrivée du détestable Vic Mackey en 2002. Mais bon, il faut pouvoir remettre les choses dans leur contexte aussi. On est quand même loin de Charles Ingalls (pourtant postérieur) !

La série paraît parfois un peu légère, les intrigues sont rapides, pas toujours approfondies, parfois prévisibles. De nouveau, n'oublions pas que ce qui nous paraît bateau venait d'être inventé à l'époque. Il faut aussi admettre que développer des intrigues complexes sur 25 minutes, ce n'est pas toujours évident. A l'heure actuelle, une série de ce genre bénéficierait sans doute d'un format d'une heure.

Les premiers à subir les conséquences de la rapidité sont évidemment les personnages secondaires qui sont très stéréotypés. Le traitement des femmes fait aussi hurler la femme indépendante que je suis, mais bon... Enfin, pour un spectateur du 21ème siècle, les morts qui ne saignent pas alors qu'ils ont été criblés de balles, cela paraît toujours bizarre. Quoique je ne suis pas certaine que les litres d'hémoglobine que nous « avalons » soient toujours nécessaires, intelligents, voire sains pour notre cerveau. C'est là qu'on se rend compte que la télévision est bel et bien un média de son temps, qui évolue avec la technologie, les capacités de « lecture » du public, les mentalités. Il est de plus en plus difficile de regarder une vieille série. Du moins sans être averti. C'est dommage, mais c'est la nature même du médias.

Ceci étant dit, le western fait partie, qu'on le veuille ou non, de notre culture et Au Nom De La Loi aussi. Comme je l'ai dit plus haut, on sait tous qu'une carabine au canon scié c'est le nec plus ultra. Je pense donc qu'il est toujours intéressant de se replonger dans ces vieilles fictions.

[1]Au Nom De La Loi. La Légende D'un Anti-héros, p. 10. Jacques VIALLON, Fabrice RENDE, DLM Editions, Pézilla-la-Rivière, 1996

[2]Au Nom De La Loi. La Légende D'un Anti-héros, pp. 7-10

[3]Au Nom De La Loi. La Légende D'un Anti-héros, p. 13

[4]Au Nom De La Loi. La Légende D'un Anti-héros, p. 35

[5]Au Nom De La Loi. La Légende D'un Anti-héros, p. 43

[6]Au Nom De La Loi. La Légende D'un Anti-héros, p. 17

[7]Au Nom De La Loi. La Légende D'un Anti-héros, p. 21

[8]Le Western, Que Sais-je ?, p. 121. Christian Gonzalez, PUF, Paris, 1979. Numéro 1760

[9]Le Western, Que sais-je ?, p. 121

[10]Jean-Jacques Jelot-Blanc, Télé-feuilletons, Paris, Ranmsey, 1993

[11]voir le dossier Deadwood pour la discussion sur le genre du western

[12]Le Western, Que sais-je ?, p. 74

Big Love

Lise-Marie Cassart — 2007-12-20T22:10:00Z

Synopsis

Dans la banlieue de Salt Lake City, Bill Henrickson (Bill Paxton), polygame, tente de répondre aux besoins émotionnels, amoureux et financiers de ses trois épouses, et de leurs sept enfants.

Sa première épouse est Barbara Dutton (Jeanne Tripplehorn), c'est la seule qui soit légalement mariée avec lui. Ensemble, ils ont 3 enfants : Sarah (16 ans), Ben (15 ans), et Teenie (8 ans).

Tout se passe bien entre eux, jusqu'au jour où Barb a un cancer et doit subir une hystérectomie qui la rend stérile. Durant la maladie afin de garder les enfants, ils engagent Nicki Grant (Chloë Sevigny) comme baby-sitter. Bill a alors une aventure avec Nicky, qui devient sa deuxième épouse. Nicky a 2 enfants de Bill, Wayne (4 ans) et Raymond (3 ans).

Afin de gérer tous ces enfants, Bill engagea une nouvelle Baby-sitter, une de ses employées, Margene Heffman (Ginnifer Goodwin). Et une nouvelle fois, Bill ne peut résister et Marg devient donc sa 3ème femme. Ensemble ils ont 2 enfants : Aaron (1 ans 1/2), et Lester (3 mois).

Heureusement pour Bill, ses 3 femmes vivent dans 3 maisons côte à côte, et ont un jardin commun. Mais cela ne veut pas dire que c'est plus facile à gérer car 3 femmes signifie aussi trois fois plus de problèmes ! Surtout quand on sait que la polygamie est interdite dans l'Utah et que l'Eglise Mormon l'a banni de ses principes. Ils doivent donc tout faire pour passer inaperçu.

Il faut bien sûr ajouter à tout cela quelques ennuis de taille. Bill est un brillant homme d'affaires qui lance son deuxième magasin Home Plus, une quincaillerie grande surface, quand Roman Grant, un mormon intégriste très influent, et autoritaire, fait obstacle à son succès. Accessoirement, c'est le père de Nicky, et il veut des parts sur les bénéfices que réalise Bill avec ses 2 magasins.

Outre cela, Nicky est une maniaque du shopping qui n'hésite pas à user et abuser de ses nombreuses cartes de crédit (elle cache bien entendu sa situation financière à son époux). Joey, le frère de Bill, ancienne star du football, a quelques ennuis également et son frère lui vient en aide.

Alors même que la première saison n'était pas terminée, la chaîne américaine HBO a décidé de commander une seconde saison de Big Love. « Big Love est une série unique et remarquable. La seconde saison offrira encore plus d'histoires passionnantes que ce qui a déjà séduit les critiques et les abonnés cette année » a déclaré Carolyn Strauss, l'une des responsables d'HBO .

En plus d'un assez bon succès public, Big Love peut compter sur un réel succès critique. Ainsi beaucoup de journaux la considèrent comme une très bonne série. Il faut aussi noter que généralement, HBO renouvelle tous ses dramas pour une seconde saison .

Avec Rome, Big Love est une des séries de la « dernière chance » pour HBO , qui depuis quelques années cherche désespérément des successeurs dignes à ses séries phares qui se terminent les unes après les autres (avec la disparition des Sopranos début 2007, HBO a vu s'éteindre la dernière de ses séries « évènement »).

Big Love est produite par Tom Hanks et Gary Goetzman, qui avaient déjà collaboré pour HBO sur Frères D'armes. Mais les vraies têtes pensantes de Big Love sont ses créateurs, producteurs et scénaristes Will Scheffer et Mark V. Olsen.

Big love a été doublement nomée aux Golden Globes 2007 dans les catégories meilleure série dramatique et meilleur acteur dans une série dramatique pour Bill Paxton.

Une série qui suit de près l'Histoire avec un grand H

Dès l'annonce de la série et de son thème controversé, des plaintes se sont fait entendre du côté des autorités mormones américaines, qui craignaient que leur religion ne soit associée à la polygamie, alors qu'ils essaient de se défaire cette image. En conséquence, dans la série, la famille Henrickson n'est jamais expressément liée aux Mormons et HBO a envisagé un temps de précéder la série d'un prologue expliquant que la religion mormone a désavoué la polygamie en 1890.

A la fin du premier épisode, HBO a d'ailleurs précisé le caractère fictionnel de la série. La controverse est souvent la meilleure des publicités et Big Love n'a pas dérogé à la règle : la diffusion de la série a engendré de nombreux articles et des débats autour de la légalisation de la polygamie.

Les mormons sont les membres de l'Église de Jésus-Christ des Saints des Derniers Jours. Le nombre de fidèles en fait la quatrième religion des Etats-Unis. Elle compte treize millions de membres dans le monde dont 151.000 au Canada et 36.000 en France. Généralement perçue comme sectaire en Belgique et en France, aux Etats-Unis, l'église mormone est bel et bien reconnue.

Un « bon mormon » ne boit ni alcool, ni café, ne fume pas, observe un régime alimentaire aussi sain que possible (évite la viande au maximum), et verse la dîme (soit 10 % de ses revenus) à l'église. Il s'oppose très fortement à l'avortement et à la contraception.

La polygamie, plus précisément le mariage plural, a été ouvertement pratiquée de 1847 à 1890, après l'arrivée des pionniers mormons à Salt Lake City. Les mariages pluraux étaient célébrés pour l'éternité, uniquement dans les temples de l'Église. Environ 3 % des membres masculins de l'Église reçurent ce sacrement. Le mariage plural aurait été divinement commandé, pratiqué pour accroître la population de l'Église naissante, puis divinement retiré en 1890. Les minorités qui pratiquent la polygamie ne sont pas membres de l'Église de Jésus-Christ des Saints des Derniers Jours.

L'Église Fondamentaliste de Jésus-Christ des Saints des Derniers Jours (Fundamentalist Church of Jesus Christ of Latter-day Saints) est un mouvement religieux issu du mormonisme, dont il s'est séparé au début du XXème siècle. Les fondamentalistes s'opposent notamment aux mormons sur la question de la polygamie, qu'ils refusent d'abandonner.

Depuis 2002, le mouvement, considéré comme une secte, est dirigé par Warren Jeffs, qui a succédé à son père Rulon Jeffs (1909-2002). Les deux hommes ont eu chacun 75 épouses. Placé sur la liste des dix fugitifs les plus recherchés du FBI, Warren Jeffs a été arrêté le 28 août 2006 pour détournement de mineurs et complicité de viol. La secte compte environ 10.000 membres. La plupart habitent dans deux villes voisines, Hildale dans l'Utah et Colorado City dans l'Arizona. Depuis le milieu des années 90, les autorités ont accru leur lutte contre la polygamie, interdite sur l'ensemble du territoire américain.

Le générique

Un mot sur le générique de Big Love, esthétiquement très beau. On voit Bill et ses quatre épouses en train de patiner sur un lac gelé. Ils dansent ensemble ensuite la glace se brise et chacun se sépare. Puis, Bill danse successivement avec ses trois épouses dans l'ordre (Barb, Nicky et Margene). Le plan final les montre tous les quatre à table. Image que l'on voit souvent dans la série, les femmes autour de la table pour organiser la vie des trois familles et se répartir les soirées attribuées à chacune, la famille au grand complet à table...

Casting parfait

Outre le sujet, la grande force de Big Love, c'est son casting. Bill Paxton est parfait en polygame. Le duo Jeanne Tripplehorn et Chloë Sevigny est exceptionnel. Les personnages principaux sont très convaincants. Indiscutablement toute personne qui regarde cette série a évidemment une préférence pour l'une des épouses.

Barb, interprétée par Jeanne Tripplehorn, est sans conteste ma préférée. Elle est née dans une famille traditionnelle mormone, et est enseignante. C'est la seule des épouses à travailler. La question qu'on se pose est « comment a-t-elle pu accepté une seconde épouse après 10 ans de vie de couple traditionnelle avec Bill ? ».

Nicky est un personnage clé puisque, outre être la seconde épouse de Bill, elle est aussi la fille de Roman Grant. C'est le prophète, puissant patriarche de la communauté mormone polygame de Juniper Creek. Roman a des moeurs très particulières puisque sa plus jeune épouse est seulement âgée de 14 ans.

Margene, 21 ans, est la 3ème épouse Henrickson. Elle a grandi avec sa mère dans une petite ville du Colorado. Elle a commencé à travailler pour Bill dans son magasin. Voyant que Margene n'aimait pas beaucoup son job, Bill l'a engagée comme baby-sitter. Au fur et à mesure Margene a commencé à faire partie de la famille trouvant de l'amour et une stabilité qu'elle n'a jamais connue en grandissant. Bill, Barb et Nicki l'ont invité dans la famille en tant que 3ème épouse.

C'est en quelque sorte une femme enfant, à qui il faut apprendre le rôle de mère. Barb doit souvent s'occuper d'elle et lui apprendre pleins de petites choses du quotidien. Sa relation avec les deux aînés est plutôt fraternelle.

Chaque rôle est donc stéréotypé : Barbara, la mère, protectrice, tendre et aimante, Nicky, la mégère, manipulatrice et menteuse, et enfin, Margene la femme-enfant irresponsable.

Tout l'intérêt se trouve dans l'exploration des liens, des relations d'amitié, d'intimité, d'amour mais aussi de haine, de concurrence entre les différentes femmes.

Les positions des enfants vis-à-vis de la polygamie

Sarah, l'aînée des enfants, participe maintenant aux tâches attribuées aux femmes des familles telles que cuisiner, garder les enfants... Malgré son implication dans la vie de famille, Sarah n'accepte pas toujours l'autorité et ne veut pas devenir polygame à son tour. Elle s'engage dans une amitié risquée avec Heather dont le père est un ranger. Son petit frère Ben, quant à lui, admire son père, et pense bien lui aussi suivre le principe.

Mise en parallèle avec le fanatisme religieux de Juniper Creek, la famille Henrickson, malgré sa particularité, semble unie et aimante (Il est répété régulièrement que les trois femmes de Bill ont choisi la polygamie, qu'elles sont libres et que cette famille est bâtie sur l'amour). Bien que les créateurs de la série aient déclarés que leur intention était de dresser un portrait juste de la polygamie aux Etats-Unis sans porter de jugement, le spectateur a forcément de la sympathie pour ces personnages présentés avec bienveillance comme une famille plutôt heureuse et fonctionnelle.

La notion de secret est également importante. La famille se sent constamment épiée par les voisins. Il y a un peu le même sentiment de surveillance et de méfiance vis-à-vis des voisins que l'on retrouve également dans Desperate Housewives. La première épouse, Barbara, est la « Mme Henrickson officielle », tandis que les deux autres femmes prétendent être des voisines et des mères célibataires.

Critique

Qualitativement, Big Love est une bonne série, bien écrite, bien filmée et excellemment bien interprétée, ce qui la rend très agréable à suivre. Les personnages sont attachants (même les plus insupportables, comme Nicky, gagnent en profondeur au fur et à mesure que la saison avance), et les scénaristes n'oublient jamais de garder une certaine distance avec leur sujet pour nous faire rire des étrangetés de cette famille polygame.

Sujet surprenant et étonnant, la polygamie ne laisse personne indifférent. La série tout en abordant un sujet délicat, n'est pas choquante. Cette vie hors norme n'est pas facilement acceptable pour nous, élevés avec la notion de fidélité qui, pour certains, rime avec respect de l'autre.

J'ai du mal à aimer la série parce que je n'arrive pas à comprendre comment ces femmes peuvent accepter leur situation. Conception tout à fait différente de la vie de famille. En prenant du recul, la série est dérangeante parce qu'elle met en avant des positions rétrogrades notamment sur le rôle de la femme dans la famille et la société.

La domination de l'homme et de la religion est également au centre du propos. Les femmes ici sont tournées uniquement vers leurs foyers, leur homme et leurs enfants. Elles n'ont pas de vie sociale extérieure à la famille puisqu'elles veulent et doivent garder le secret sur le caractère particulier de la famille. J'ai donc envie de mettre l'accent sur le fait qu'il vaut mieux prendre de sérieuses distances par rapport aux valeurs que la série véhicule.

Les épisodes se succèdent et la série se regarde facilement sans pour autant accrocher le spectateur. Quand on m'a parlé de cette série, je me suis tout de suite dit que la relation entre Bill et ses trois femmes pourraient être source de situations cocasses nombreuses. Il y a, avec un tel sujet, un potentiel de quiproquos important. Et pourtant ce n'est pas ça qui en ressort principalement mais la série est plutôt axée sur les sentiments et les relations entre les épouses. Donc j'ai personnellement été un peu déçue, car j'en espérait plus de situations étranges et rigolotes.

Hex

Vincent — 2007-12-11T19:19:24Z

Introduction

A lire les critiques et les commentaires, rien ne pourra jamais retirer à Hex son étiquette de Buffy Contre Les Vampires britannique. Une série très souvent représentée comme une pâle copie de la tueuse de vampire en jupon, largement influencée par Charmed et la tendance très « in » des séries fantastiques actuelles mettant en scène des personnages féminins investis bien malgré eux d'une mission qui les dépasse.

Hex, je l'ai découverte lors d'un zapping sur les chaînes que nous offre le bouquet de la télévision digitale britannique. Le moins que l'on puisse dire, c'est que les bandes annonces m'ont plutôt bien accroché. Par après, les commentaires rapprochant Hex à Buffy on éveillé ma curiosité et j'ai avalé les deux saisons , à savoir les 18 épisodes de cette série fantastique britannique.

Je dois tout d'abord dire que je n'ai en rien été déçu par Hex. Que l'on y retrouve un schéma proche de Buffy ou Charmed, c'est certain. Mais s'inspirer d'une autre œuvre n'implique pas de faire nécessairement une série de mauvaise qualité. Et pour cause, s'il y a inspiration d'autres œuvres, je pense qu'il faut voir plus large : notamment les œuvres classiques du cinéma fantastique. Hex emprunte ainsi des éléments à Rosemary's Baby de Roman Polansky, mais également à The Omen de Richard Donner. On pourrait même y voir une touche Harry Potter dans le choix très particulier des bâtiments qui servent de décors à la série.

En d'autres termes, Hex est plutôt une sorte de série qui emprunte pas mal à d'autres œuvres, mais qui, à mon sens, parvient subtilement à malgré tout insuffler une personnalité qui lui est propre, notamment en imposant son style britannique avec succès. Il faut cependant noter d'importantes incohérences du scénario et surtout souligner l'inégalité de la série. C'est de loin la plus inégale de toute les séries qu'il m'ait été donné de voir jusqu'à aujourd'hui.

Et cette inégalité est à tous les niveaux. D'abord dans le nombre d'épisodes composant les deux saisons . La première est composée de 6 épisodes de 45 minutes, sachant que le premier et le deuxième forment à eux deux un seul épisode pilote . La seconde saison , quant à elle, comporte 12 épisodes. La diffusion aux Etats-Unis semble d'ailleurs avoir été gênée par ce découpage étrange et la décision fut prise de diviser les deux saisons en 9 épisodes chacune.

Ensuite, une inégalité dans les sujets abordés. La première saison , plus lente, peut être considérée comme une très longue introduction à une seconde saison très riche en évènements. Cette première saison s'attarde sur des sujets lourds comme les adolescentes enceintes (un problème particulièrement présent en Grande-Bretagne), la drogue ou encore l'homosexualité. Ces sujets sont traités avec un certain recul et rendent cette première partie particulièrement froide d'un point de vue relationnel entre les personnages.

La deuxième saison est plutôt centrée sur l'action plutôt que la réflexion. Point faible : des sujets abordés dans la première saison sont dès totalement mis de côté laissant parfois un gout de trop peu dans la gorge du téléspectateur.

Enfin, troisième inégalité : le différence de ton est radicale entre les deux saisons . La scission est plutôt brutale puisque l'héroïne de la première saison (Cassie) se fait remplacer dans les premiers épisodes de la seconde.

Synopsis

L'inégalité est donc présente partout et bien entendu, le synopsis de Hex n'échappe pas à la règle. La première et la deuxième saison sont très différentes. Il convient dès lors de s'attarder sur chacune d'elle.

La première saison de Hex est centrée sur l'histoire de la jeune blonde Cassandra « Cassie » Hughes. Elle est étudiante dans une école Anglaise du nom de Medenham Hall. L'école est loin d'être banale puisqu'il s'agit d'un ancien manoir ayant appartenu à la famille McBain et qui fut, au 18ème siècle un lieu de sorcellerie et de pratiques vaudous.

Cassie est une fille plutôt renfermée dont le rêve est d'être populaire parmi les autres jeunes de l'établissement. Cependant, Cassie n'est pas comme les autres et très vite, elle développe des pouvoirs surnaturels tel que la télékinésie. Mais ces pouvoirs ne sont pas le fruit du hasard : Cassie est harcelée par un démon, le chef des Nephilim, Azazeal qui s'obstine à faire d'elle la mère de son enfant.

Entretemps, la relation entre Cassie et sa meilleure amie Thelma se détériore. Thelma est lesbienne et a un grand faible pour Cassie. Un faible qu'elle paiera de sa vie dès le premier épisode. Elle devient alors un fantôme plein d'humour qui nous accompagnera tout au long des deux saisons . Malgré les efforts de Thelma, Cassie se laisse tenter par le démon et se retrouve enceinte. La naissance de l'enfant marque la libération des Néphilim qui sont dorénavant en mesure de se mêler parmi les humains.

La deuxième saison se situe toujours dans la même école. Cassie qui a été le personnage principale de la première saison laisse place à Ella Dee, une jeune fille rousse au style gothique. Elle s'avère être l'opposante d'Azazeal depuis des siècles. Elle est une sorte d'élue dont le seul et unique but est de détruire les Nephilims. Ella se lie d'amitié avec le fantôme de Thelma et tombe amoureuse de Leon, un personnage présent depuis la première saison mais qui prend ici une ampleur tout à fait particulière. Cette deuxième saison se concentre sur le combat que se livrent Ella et Malachi, le fils de Cassie et Azazeal, désormais représentant des Nephilims.

Les deux saisons prennent place dans un décor fabuleux. L'école, que je présume être une école d'art est en réalité Englefield House, situé dans le Berkshire aux Royaume-Uni. C'est un lieu à la fois magnifique et effrayant. Un de ces manoirs anglais typé tel qu'on les imagine. Pour la petite histoire, Englefield House est utilisé en réalité pour l'organisation de réception et d'évènement. Quoiqu'il en soit, si vous êtes à la recherche d'un lieu original pour votre mariage, c'est le lieu idéal !

Toujours est-il que cette demeure offre une ambiance très particulière à la série. Le manoir est décoré tel un musée, on y voit des armures de chevaliers, des chaises et des meubles qui ont vu passer les siècles et d'anciennes peintures qui contrastent avec le style vestimentaire et le comportement des jeunes adultes du nouveau millénaire. Cela peut même paraitre déjà surnaturel en soi.

C'est oublier un peu vite que cet univers est à la limite banal en Grande-Bretagne où il n'est pas rare de voir des écoles-musée. Je parle d'expérience personnelle. J'ai eu l'occasion de visiter la très célèbre School of Art de Glasgow entièrement conçue par le non moins célèbre Charles Rennie MacIntosh. Les portes, les statues ou même le mobilier est d'époque et toujours utilisé par les élèves. Le Medenham Hall est donc malgré sont aspect majestueux très représentatif de certains établissements britanniques.

Personnages

Décrire les personnages de Hex ne peut se passer à nouveau de différencier les deux saisons .

Saison 1 : elle est principalement centrée sur trois personnages. On y remarque également quelques personnages secondaires qui prendront de l'importance dans la deuxième saison .

Cassandra « Cassie » Hughes (Christina Cole) : Cassie est le personnage féminin type de films d'horreur tel que l'on le concevait avant que Josh Whedon ne lance la sulfureuse blonde tueuse de vampire. Cassie est plus proche de Carrie (Brian de Palma/Stephen King) que de la vengeresse blonde tueuse de vampire. Elle est réservée, talentueuse et rêve de se faire accepter parmi le groupe d'étudiants perturbateurs de l'établissement. Le destin veut qu'elle se trouve bien malgré elle prise dans un engrenage machiavélique et devient une sorcière manipulée par le démon Azazeal. Son comportement change et de timide, elle devient la vamp nymphomane de l'école. Elle tombe enceinte et porte l'enfant qui permettra la libération des Nephilim [1].

Thelma Bates (Jemima Rooper) : Thelma est la voisine de chambre. Elle cache difficilement son amour pour Cassie. C'est d'ailleurs en voulant lui sauver la vie qu'elle est assassinée dans l'épisode pilote par Azazeal. Dès cet instant, elle devient un fantôme pour le moins sympathique. Elle passe son temps à manger des chips, à fouiner partout et surtout à s'immiscer dans les rêves de Cassie qui en deviennent très « chauds ». Thelma est le seul personnage présent dans tous les épisodes. Elle est le personnage secondaire par excellence : comique, attachant et plein de vie... même pour un fantôme [2] !

Azazeal (Michael Fassbender) : Azazeal est le chef des Nephilim, les anges déchus de la bible . Il est un démon pervers et charmeur. Il use et abuse de ses charmes pour atteindre son but ultime : avoir un fils qui permettra la libération des autres de sa race. Azazeal est jouée par un très ténébreux Michael Fassbender déjà apparut dans d'autres séries dont, entre autre, Frères D'armes [3].

Les autres : cette première saison introduit également Amber Sainsbury (Roxanne Davenport), une étudiante qui n'hésite pas à faire usage de ses charmes pour plaire. Elle est profondément méchante, égoïste et n'hésite pas à trahir ses meilleurs amis... du moins au premier abord. Leon Taylor (Jamie Davis) est le meilleur ami de Roxanne. Le rigolo de la classe qui ne perd jamais une occasion de se moquer méchamment de ceux qui l'entourent. Enfin, David Tyrel (Colin Salmon) est le directeur de l'établissement. Il est ouvert et généreux. Le seul personnage qui ait un véritable bon fond. Il se pourrait même qu'il soit victime de son honnêteté... David Tyler est joué par Colin Salmon que l'on a pu voir dans trois James Bond dans le rôle de Charles Robinson et qui fut même pressenti pour la succession de Pierce Brosnan. Il a également joué dans des films tel que Alien vs Prédator ou Resident Evil [4].

Saison 2 : La deuxième saison est l'occasion d'un véritable chamboulement des personnages. Cassie meurt des les premiers épisodes et laisse la place à Ella.

Ella Dee (Laura Pyper) : Ella est une nouvelle arrivante dans l'école. Son style fait qu'elle est tout de suite remarquée par ses congénères. Elle est extravagante, gothique à souhait et obstinée. Ella n'est pas une étudiante comme les autres. A l'instar de Cassie, à qui elle vole la vedette, elle est une sorcière et poursuit les méfaits d'Azazeal depuis des siècles. En ce sens, Ella est à quelques détails près la copie conforme de Buffy mais rousse. Un rôle loin d'être évident pour l'actrice qui pourtant, par une prestation brillante, arrive à complètement faire oublier sa soeur jumelle tueuse de vampire. Ella est un personnage beaucoup plus mature, plus ténébreux et torturé que ne le fut en son temps Buffy. Ella passera par de nombreux stades tels que la folie, la dépendance à la drogue, l'amour, la manipulation... [5]

Thelma Bates (Jemima Rooper) : Ella est épaulée par Thelma, toujours présente dans cette série. Le personnage de Thelma prend même plus de consistance. Elle se voit attribuer une compagne par Malachi, Maya, dont elle tombe amoureuse [6].

Malachi (Joseph Beattie) : Malachi est le fils de Azazeal et de Cassie. Il est également étudiant dans l'école. En effet, étant un démon, il grandit très rapidement et obtient très vite sa taille adulte. Malachi est le mal incarné. Il tente pourtant à l'une ou l'autre reprise de contrer sa destinée mais rien n'y fait. Malachi est destiné à lever une armée de succubes (femmes) et inccubes (hommes). L'école lui offre ici un fabuleux réservoir. Chaque fois qu'il réalise le désir le plus profond d'une personne, celle-ci lui devient entièrement dévouée. Durant quelques épisodes de la seconde saison , la proximité avec Ella leur fera perdre la tête. Ils tombent tout deux amoureux l'un de l'autre mais cet amour est impossible. On comprend dès lors que d'autres forces entrent en jeux. Apparaissent alors l'archange Raphaël, supérieur d'Ella, et Mephistopheles, supérieur de Malachi. S'engage un jeux de stratégie usant des personnages comme de pions pour casser toute possibilité d'amour entre le bien et le mal. Une sorte de Roméo et Juliette teinté de La Belle Et La Bête [7].

Leon Taylor (Jamie Davis) : Le détestable Leon prend soudainement une ampleur inattendue dans cette deuxième saison . Leon semble grandir et surtout tombe amoureux d'Ella qu'il aidera au péril de sa vie. Scène fabuleuse que celle où Leon accomplit lui-aussi son désir le plus profond. Je n'en dis pas plus... A vous de découvrir.

Petite Soeur de Buffy ?

Hex fut présenté par ses propres producteurs comme un Buffy Contre Les Vampires britannique. Le moins que l'on puisse dire, c'est que c'est un pari risqué que d'annoncer une telle couleur. Il est effectivement des éléments analogues notamment dans la construction du groupe de personnages. Le directeur de l'école dans la première saison donne les éléments historiques sur l'histoire des Nephilim, endossant de cette manière le rôle du « watcher » de la tueuse de vampire. Cependant, il faut bien reconnaitre que le rapport entre les deux séries n'est pas évident dès la première saison . Hex, saison 1, rappelle plutôt les grand classiques du cinéma et de la littérature d'horreur.

L'arrivée d'Ella dans la seconde saison bouleverse cela et très vite l'influence de Buffy se fait fortement sentir. Doit-on cependant y voir une sorte de remake à l'européenne de Buffy ?

Sex Sex Sex & don't forget the violence

Sexe, Sexe et encore Sexe. Voila la seule et unique obstination de chacun des personnages de Hex. La première saison s'ouvre sur un flashback, une jeune femme rend visite à des esclaves noirs qui pratiquent le vaudou et s'adonnent aux plaisirs de la chair sous les yeux d'un enfant. Très vite, on se retrouve alors dans une salle de classe où la lecture d'un texte classique lance une conversation entre le professeur et les élèves sur le sujet de la fellation. Peu après, on voit des filles regardant les garçons nus dans leur vestiaires et faire des commentaires sur la musculature de ceux-ci. Pas besoin d'en dire plus, en quelques minutes, on a compris que le sexe est un sujet primordial de Hex.

Autant les étudiants que les professeurs ou le directeur ne font que parler de cela et parfois tellement crument qu'on en rougirait presque. En réalité, dans Hex, du moins la saison 1, chaque relation repose uniquement sur l'aspect sexuel. Thelma est amoureuse de Cassie et rêve de relations sexuelles avec elle. Une fois devenue fantôme, elle ira jusqu'à l'observer dans sa douche ou créer des rêves érotiques dans lesquelles leurs ébats sont plutôt « chauds ».

Pour faire passer le temps, les soirées télés entre amis ne sont pas consacrées au soap du moment mais bien au visionnage de films pornographiques. Cassie se dévergonde et l'exprime d'un point de vue sexuel, elle a très vite des relations avec des démons envoyés par Azazeal. Plus Cassie est « sexuelle », plus elle prend une place importante parmi le groupe de ses « amis ».

Une telle dose de sexe, tant dans les dialogues que dans les images, pourrait paraitre inutile, gratuit, et seulement une manière de s'approprier un public adolescent. Très honnêtement, je ne l'ai pas du tout perçu de cette manière. Le sexe tel qu'il est traité dans Hex permet au contraire d'imposer une ambiance très froide à la limite glaciale. Aucun personnage n'est réellement innocent et l'on ressent très fort que l'entraide est calculée. Cela met mal à l'aise.

Le sexe est vu comme une arme pour s'approprier la place du « maitre ». Si l'on se concentre sur le personnage de Cassie, au début de la série, elle est seule et timide. Elle rêve de sortir avec Troy. Troy est envouté par Azazeal. Tous deux ont une relation. Cassie en veut plus et fait souffrir Troy en charmant Leon, le meilleur ami de Troy, ce qui dégrade la relation entre les deux jeunes garçons.

Le but de Hex est de diaboliser le sexe, non par puritanisme, mais bien pour montrer du doigt le sexe dans ses excès. C'est l'arme d'Azazeal et cela amène des conséquences. Cassie se retrouve enceinte d'un enfant qui grandit rapidement. Très vite la question de l'avortement arrive sur la table. Cassie est victime de ses déboires. Azazeal prendra même position contre l'avortement dans un groupe de prière, c'est dire à quel point il peut se faire avocat du diable.

L'arrivée d'Ella et la mort de Cassie change la donne dans la saison 2. Le sexe y est toujours présent mais cette fois de manière plus légère. Ainsi, Roxanne séduit un de ses professeurs prêtre avec lequel elle excelle dans sa spécialité (si l'on se base sur les commentaires de Leon. Thelma quant à elle trouve en Maya une partenaire idéale surtout quand il s'agit de pratiquer son activité principale sur les tables de la cantine à l'heure du lunch. Dans cette deuxième saison , le sexe est moins représenté comme une arme mais plus sous son aspect humour voire même amour.

Une infime frontière entre le bien et le mal

La gestion de l'espace dans Hex est également un autre aspect qui rend la série fascinante. Contrairement aux séries américaines, et peut-être à cause d'un choix budgétaire, Hex se limite presque exclusivement aux bâtiments de l'école. La distance entre le bien et le mal est dès lors infime.

Dans la première saison , Azazeal est un personnage qui, tel un voleur, s'introduit dans l'école et y apporte le mal pur. Nous l'avons vu, l'école elle-même est composé d'étudiants donc la moralité est sujette à discussions.

Dans la deuxième saison , à l'instar de Cassie, Azazeal doit lui aussi quitté ces lieux comme lui ordonne sa hiérarchie. Les contacts qu'il entretien avec son fils étant pour le moins tendus, il se rend chez Ella avec laquelle il discute avant son départ. La scène est ici particulièrement émouvante tant le mal incarné qu'est Azazeal semble souffrir de la séparation avec son fils. La proximité fait que la stratégie, la patience et surtout la réflexion prend le pas sur l'action.

Père et mère écartés, l'école devient un lieu où s'affrontent Ella et Malachi. Une confrontation qui se fait avec finesse et souvent contre la volonté des deux protagonistes. Ella et Malachi, malgré leur opposition, se sentent attirés l'un par l'autre, un amour qui ne fait qu'empirer la situation.

Contrairement donc à une série comme Buffy Contre Les Vampires, l'action laisse place à la discussion. Il y a de la place pour la persuasion et la discussion. Les deux opposants sont confinés dans un lieu qui empêche tout affrontement aux yeux de tous et favorise donc des méthodes loin de celles que nous voyons habituellement dans les séries fantastiques américaines.

Quelques petites incohérences tout de même

Je dois malgré tout noter quelques petites incohérences. Parmi celle-ci, le manque de continuité. Si la première saison installe particulièrement bien l'histoire et les personnages, la deuxième saison quant à elle semble écarter tout un aspect de la saison 1 avec un peu trop de facilité.

Ainsi, Cassie est une descendante de la famille McBain qui vivait au 17ème siècle dans ce manoir et qui donc explique l'importance de son personnage. Il semblerait en fin de compte à la vue de la seconde saison qu'il ne s'agit là que d'un détail.

Il en est de même des pratiques vaudou. La première saison établit des rapports forts entre les pratiques vaudou et la présence d'Azazeal... plus rien dans la seconde saison .

Enfin, le personnage de Thelma pose parfois problème. Elle est un fantôme, oui. Elle ne peut toucher se proches, oui. Mais par contre, elle peut toucher les objets, vêtements, livres, ... Et cela ne semble gêner personne de voir un paquet de chips voler dans les airs. Je suppose dès lors que les chips deviennent automatiquement invisibles... Qui sait, il semblerait cependant que les limites du personnage n'ont pas été suffisamment décrites.

Conclusion

Hex commence là où Buffy se termine. Buffy est célèbre pour avoir évolué avec son public, pour avoir des premières saisons plus légères, et pour subitement avoir changé de ton dès la saison 5. Hex repose sur des bases similaires mais contrairement à Buffy, Hex aborde la mythologie sérieusement et pas avec une touche kitch. Des questions telles que le sexe entre adolescents, l'alcool, la dépendance à la drogue, la maladie mentale, l'avortement ou encore les sacrifices humains sont pris avec sérieux et profondeur.

Hex a finalement franchi, du moins c'est mon avis, le pas que Buffy n'a jamais pu faire. C'est aussi une production beaucoup plus réaliste, dommage il n'y aura pas de troisième saison .

[1]She keeps her legs so tight, you couldn't floss between them. (Cassie vue par Leon)

[2]I'm sorry I've given you such a hard time. It can't be easy being dead. (Cassie à Thelma)

[3]Brilliant. I'm up the duff and you're shagging my teacher. (Cassie à Azazeal)

[4]Didn't know you had so many talents, Rox. Fashion guru. Bitch. Photographer. Oh, sorry, did I mention 'bitch' ? (Leon à Roxanne)

He's not familiar with any kind of intelligence. (Tom à Leon)

[5]Have you seen the new girl ? Eyes of steel and nipples to match ! (Thelma à Cassie à propos de Ella)

[6]You know, I think you're the strangest ghost I ever met. (Maya à Thelma)

[7]Forget her. Because unless you do you'll never see her again. Or anything else for that matter. (Mephistopheles à Malachi)

Clair De Lune

Nathanaël Picas — 2007-11-09T05:07:03Z

Avant-Propos

Je crois qu'il était grand temps de vous parler de cette fameuse série qui a révélé la super star de cinéma qu'est Bruce Willis. Pour ceux qui ne le savaient pas encore le fameux « action heros » du cinéma des années '80 et des années '90 a effectivement débuté sa carrière dans une série. Dans des séries, devrais-je dire ! Puisque sa première apparition à la télé s'est faite en réalité dans la série « Deux Flics A Miami ». Bruce Willis y interprétait un méchant face à Don Jonhson et Philip Michael Thomas. Suite à cette apparition, Glen Gordon Caron, le producteur de Clair De Lune, a fait appel à lui.

Bruce Willis est en tout cas la preuve vivante qu'une star de la télévision peut arriver à se débarrasser de son image télévisuelle et devenir une star du grand écran. Personnellement, quand je pensais à Bruce Willis avant de connaître la série, ce sont surtout à ses films qui me venaient à l'esprit : la trilogie « Die Hard », le « Sixième Sens »,... J'ignorais même qu'il avait débuté dans une série.

Il est d'ailleurs assez intéressant de constater l'évolution des relations qu'entretiennent les stars avec la télévision et le cinéma. Voici 20 ans, les acteurs se servaient de la télévision comme un tremplin pour leur carrière sur grand écran. Il y a 10-15 ans, rares sont ceux qui y sont parvenus : beaucoup sont restés coincés dans l'image qu'ils avaient projeté durant leur série. L'exemple qui me vient en tête est celui des acteurs de Friends : mégastars de la télévision et pourtant aucun d'eux n'a réussi à percer dans le cinéma jusqu'à aujourd'hui.

Actuellement, les séries ne sont plus considérées comme des sous-produits, justes bons à révéler des stars futures du grand écran. La télévision crée ses propres stars... qui souvent ne pourront plus en sortir. L'ironie veut tout de même que ce sont les acteurs du cinéma qui supplient pour jouer dans les séries.

Mais revenons-en à Clair De Lune. Aux côtés de Bruce Willis se trouvait Cybill Shepherd. Là par contre, ce nom n'éveille en moi aucun souvenir... et je suis certain que c'est le cas pour beaucoup d'entre nous. En tout cas, sachez que cette belle jeune femme aux brushings toujours impeccables avait été couronnée Miss Teenage Memphis en 1966 et qu'elle a joué aux côtés de De Niro dans Taxi Driver.

Contrairement à Bruce Willis, cette dernière a connu une gloire nettement plus éphémère à l'arrêt de la série. Pourtant ce n'est pas faute d'avoir essayé ! Dans son autobiographie parue en 2000 aux Etats-Unis, la maintenant quinquagénaire ne s'est pas privée de dévoiler quelques détails croustillants : elle serait sortie avec le King, aurait eu les faveurs de Bruce Willis et de Don Jonhson (le monde est petit !). Peu jalouse du succès de son ancien partenaire, elle a avoué que Bruce embrasserait comme un chameau ou encore que Don serait un petit peu trop « pressé » au lit... Charmant. Sachez pour terminer qu'outre ses talents indéniables d'écrivain, elle s'est aussi essayée à la chanson et plus particulièrement au jazz.

L'histoire

Maddie Hayes est devenue une star millionnaire, un mannequin renommé, en vantant les mérites du shampoing « Clair De Lune » à la télévision. La jeune femme a tout pour être heureuse seulement voilà, un jour elle se rend compte qu'elle est ruinée. En effet, son comptable s'est littéralement évanoui dans la nature avec tout son argent. Pour survivre, elle décide de vendre ses parts dans diverses sociétés qu'elle possède. C'est à ce moment précis qu'elle découvre l'existence d'une agence de détectives qui lui appartient.

Bien décidée à renvoyer son directeur, un certain David Addison (Bruce Willis), elle se rend dans les locaux de l'agence. Elle tombe alors nez à nez avec ce fameux directeur qui se révèle être son antithèse la plus totale. En effet, autant Maddie est froide, distante et prévisible, autant David est un fêtard invétéré, culotté, boute-en-train... Cependant, par un concours de circonstances, David arrive à persuader Maddie de ne pas fermer l'agence, mieux encore, de la diriger elle-même. Maddie s'improvise donc détective privé et en compagnie de David résoudra des énigmes plus tordues les unes que les autres.

Le couple amoureux

Dans un premier temps, le téléspectateur pourrait croire se trouver devant un énième Columbo ou Derrick... Mais malgré les intrigues policières, les meurtres et les poursuites en voitures, nous comprenons tout de suite que cet aspect de la série restera en arrière-plan. Tout son intérêt réside en réalité dans les relations qu'entretiennent les deux héros Maddie et David. Clair De Lune est en réalité une série romantique (qui en inspirera d'autres tels que Loïs & Clark).

Dès le premier épisode, la première rencontre des 2 protagonistes fait des étincelles. Dans tous les sens du terme. Selon la recette connue, les deux personnages vont passer leur temps à se disputer, se détester, s'insulter, se faire les pires vacheries pour dissimuler le fait qu'ils sont en réalité fous d'amour l'un de l'autre.

L'objectif de la série consistera alors à construire petit à petit la relation amoureuse des personnages au fil des épisodes et même des saisons tout en évitant de lasser le spectateur. Ce qui constitue un véritable casse-tête pour les scénaristes. Imaginez : le spectateur connaît déjà la fin de l'histoire ! Il leur faut alors faire appel à des trésors d'inventivité pour surprendre. La clé du succès réside en réalité dans l'image de l'orgasme retardé. Il s'agit de faire avancer la relation pas à pas pour exciter le téléspectateur (qui va se dire : enfin, ça vient !) tout en évitant de la faire traîner (pour ne pas qu'il se dise : j'en ai marre !).

Et surtout, vient le moment crucial où ils ne peuvent plus faire marche arrière. Arrive fatalement le moment où les personnages sont devenus tellement proches qu'il est impossible de ne pas les mettre ensemble sous peine de se voir sanctionner par le spectateur (ils se foutent de qui ?). Mais après ? A partir du moment où les personnages s'avouent leur flamme, que reste-t-il de la série ? Bien souvent, l'intérêt diminue... et Clair De Lune ne fera pas office d'exception même si beaucoup d'autres éléments feront le sel de cette série.

La série qui se regarde dans un miroir

Au premier abord, Clair De Lune est une série qui a mal vieilli. Le premier épisode que j'ai regardé m'a fait extrêmement peur. Je trouvais que l'utilisation de la musique jazzy, avec le saxophone, pendant les scènes romantiques étaient extrêmement « cliché ».

Heureusement pour moi, je me suis accroché et j'ai essayé de comprendre pourquoi beaucoup de personnes désignent cette série comme étant « culte ». En réalité, outre la relation amoureuse des deux héros, Clair De Lune est la première série qui apporte une lecture tout à fait nouvelle au téléspectateur.

Beaucoup disent que Clair De Lune est une série timbrée et fière de l'être. Je ne peux pas être plus d'accord. En effet, il s'agit de la première série à avoir pris en compte la culture télévisuelle du téléspectateur et surtout à en jouer avec lui. Cet aspect ne saute pas aux yeux dans la première saison mais par après, cela devient évident : David et Maddie sont tous les deux conscients d'être les personnages d'une série et de n'être que le fruit de l'imagination de scénaristes. Cela devient évident quant Maddie dit « Qu'est-ce qu'on fait maintenant » et que David lui répond « Je ne sais pas, je n'ai pas eu le temps de lire le scénario ».

Autre exemple : il arrive fréquemment que les personnages s'adressent à la caméra en demandant l'avis du public (public qui lui répond fictivement avec l'utilisation de la caméra subjective qui fait des signes de tête : oui ou non) ou que les deux personnages accueillent les téléspectateurs avant le début de l'épisode ou encore qu'ils répondent au courrier de leurs fans.

Le summum est atteint lorsqu'en fin d'épisode, les techniciens se mettent à démonter le décor avant le dénouement, sous prétexte que l'épisode est trop long. Au contraire, si l'épisode est trop court, les acteurs comblent le vident en exécutant un mini-spectacle.

Pour ma part, cet aspect de la série est le plus réjouissant. Premièrement, parce qu'il donne une impression d'interactivité entre le spectateur et la série. Ce regard décalé est très drôle et totalement inédit. Deuxièmement, parce qu'il est le signe que la télévision et plus spécifiquement les séries télé commençaient doucement à s'émanciper du cinéma. On n'imaginera jamais les acteurs d'un film se féliciter dans le film d'avoir reçu une récompense (Emmy ).

Toutefois, je tempèrerai ma critique en soulignant le manque de constance de la série. Bien qu'elle accumule de nombreux épisodes immanquables, Clair De Lune s'ankylose fortement dans la 4ème saison et propose des épisodes parfois franchement ennuyeux. Notamment lorsque Cybille Shepherd quitte la série au cours de cette fameuse saison 4, le temps de donner naissance à des jumeaux. La série s'attarde alors sur une autre relation : le couple formé par Agnès Tospito, la secrétaire fantasque de l'agence, et Herbet Viola, le partenaire malheureux de David. Cette partie est franchement dispensable.

Septième Ciel Belgique

Alexandre Marlier — 2007-10-04T21:55:00Z

Avant propos

« Supplément belge d'un grand magazine français d'astrologie cherche journaliste mode et tendances pour étoffer sa rédaction ! ». Et qui c'est qui s'y colle ? C'est la gentille Juliette Laloux. La jeune journaliste de 28 ans peut enfin accéder à un emploi stable. Elle se retrouve donc engagée par le magazine d'astrologie « Septième Ciel Belgique ».

Il faut dire que la rédaction ne se compose que de 4 personnes, et se trouve dans un grand appartement du centre de Tournai. Principal intérêt de cette rédaction, une salle de bain/toilette mixte où les personnages se retrouvent régulièrement pour discuter de leurs problèmes de cul et de cœur. Tiens, cela me rappelle quelque chose çà, pas vous ? On en reparlera un peu plus tard.

L'histoire

Revenons-en à notre nouvelle amie Juliette. Présentée à ses collègues, peu nombreux il est vrai, quels ne sont pas son étonnement et sa surprise, le hasard faisant bien les chose, de se retrouver face à Hugo, avec qui elle avait vécu une relation amoureuse aussi rapide que ratée. Et lui, bien entendu, ne semble pas du tout se souvenir d'elle. Vous l'aurez donc compris, l'astrologue et conseiller du magazine avec lequel elle va faire équipe, c'est ce gars dont elle est toujours secrètement amoureuse... Et qui en plus est le frère de la rédactrice en chef, Delphine.

Après s'être enfin souvenu de Juliette et de leur « histoire » passée (ils étaient sortis ensemble lors d'une soirée d'étudiants, et il était tellement beurré qu'il s'est endormi sur le canapé), Hugo s'excuse pour sa conduite passée, il est même prêt à reprendre leur histoire là où elle s'était arrêtée. Mais Juliette, qui pourtant semble toujours amoureuse du jeune homme, le décourage. Il faut dire qu'Hugo est un coureur de jupon invétéré qui ne peut s'empêcher de se retourner lorsqu'une jolie jeune fille passe dans le rue.

Animé par cet esprit de dragueur, il est bien décidé à reconquérir Juliette, la jeune vierge effarouchée. Et attention, scoop. Quant je vous parle de vierge effarouchée, il faut le prendre dans le premier sens. Car oui, Juliette est née en septembre et est donc du signe de la vierge. Mais, avec un grand M, elle n'a jamais connu... Comment dire... Pour reprendre les termes de Monica dans Friends, elle n'a jamais perdu sa « petite fleur »... Et se réserve pour l'amour de sa vie.

Autour d'eux, Delphine, rédactrice en chef du magazine. Dynamique, parfois jusqu'à l'excès, elle gère entre deux escapades amoureuses, les destinées de la rédaction du petit supplément belge. Principale préoccupation de la donzelle : sa vie amoureuse. Divorcée depuis deux ans de Selim, elle entretient une aventure avec un mystérieux amant... qui s'avèrera finalement être son ex-mari.

Autre personnage récurrent, Annemie, la secrétaire de 7ème Ciel Belgique. Elle pourrait être un peu comparée à la maman de l'équipe. Annemie se révèle être une personne fidèle, constante, patiente et obstinée jusqu'à l'acharnement. Son caractère facile a cependant ses mauvais côtés. Elle n'aime pas se mettre en colère et préfère la bouderie, ce qui peut à terme s'avérer être une bombe à retardement.

Annemie est dévouée corps et âme à la bonne gestion de Septième Ciel. Elle gère à la fois l'administratif, le contact avec les clients, les rapports avec la société d'édition et enfin tout ce qui concerne l'entretien des locaux. Mais si Annemie donne de sa personne, elle attend en contrepartie un minimum d'attention, ce que le reste de l'équipe aurait tendance à oublier.

Passionnée d'herboristerie, elle n'hésite pas à préparer des décoctions pour soigner les angoisses des uns ou les poussées d'urticaire des autres. Ces breuvages sont pas tout le temps couronnées de succès. Les tasses de tisanes aux couleurs douteuses et aux gouts bizarres deviendront l'un des gimmicks de la série.

Enfin, on citera pour la forme l'exaspérant grand patron de 7ème Ciel Belgique, Bernard Grand, qui passe son temps à draguer Annemie et à parler de sa femme, une artiste peintre douée pour les croutes. On remarquera aussi le gentil couple (parfois en crise) formé par Dimitri et Barbara, gérants du Snack proche de la rédaction et nommé « le bistrot » (ça c'est de l'imagination). Une alliance qui fait parfois des étincelles, en mettant face à face le tempérament slave de Dimitri et celui méditerranéen de Barbara.

Le casting

Coup d'oeil tout d'abord sur le personnage central, pour ne pas dire principal, Juliette Laloux, qui est interprété par Stéphanie Van Vyve. Quasi inconnue avant la diffusion de la série, la jeune actrice est donc quelque peu sortie de l'anonymat suite à la diffusion de la série sur la Une. C'était, bien entendu une première expérience pour elle à la télévision, mais elle n'en était pas à son galon d'essai de comédienne. Elle dispose ainsi d'une licence en Art Dramatique du Conservation Royal de Bruxelles, diplôme obtenu après une agrégation en philologie romane. Elle est donc loin d'être une imbécile.

Elle a surtout l'habitude des planches, puisqu'elle a joué dans plusieurs pièces de théâtre sur des scènes prestigieuses. Mais elle a également une autre corde à son arc : l'interprète de la vierge Juliette est maitresse... D'école, oui, je sais, c'était facile. Au niveau de son jeu, si l'on peut facilement dire qu'il est forcé et mécanique dans les premiers épisodes, on se rend progressivement compte que la comédienne trouve peu à peu ses marques et fini (enfin, diront certains) par se sentir à l'aise dans les baskets de Juliette.

Face à Stéphanie Van Vyve, le rôle d'Hugo est attribué à Yannick Renier. Si son nom ne vous est pas totalement inconnu, c'est normal puisqu'il s'agit du frère de Jérémie, égérie d'autres frères, les Dardennes, dans les films « La Promesse » et « l'Enfant », mais qu'on a pu également apercevoir dans le « Pacte des Loups ». Sachez que Yannick et Jérémie ont tournés ensembles dans le film « Nue Propriété ». Bref, maintenant que vous avez un peu situé l'acteur, sachez que 7ème Ciel Belgique n'est pas sa première prestation dans un feuilleton télévisé puisqu'on avait déjà pu le voir à l'œuvre dans la mini-série « Les Maîtres De L'Orge ».

Que dire sur son interprétation, si ce n'est qu'il n'est pas le plus convainquant de la troupe. Outre l'exaspérant Antoine Vanden Berghe qui interprète Bernard Grand (et qui soit dit en passant aurait mieux fait de rester à la présentation de la call TV Golden-Ice diffusée sur AB3 et NT1), aucun autre acteur de 7ème Ciel Belgique n'a si peu d'évolution de son jeu sur les 12 épisodes de la saison une. On ne sera donc pas trop déçu que le playboy de service parte enseigner l'astrologie au Québec à la fin de la première saison .

La perle de cette série reste l'excellente Gudule. Connue des petits belges pour ses participations régulières à l'émission jeunesse « Ici Bla-Bla », cette sociétaire de l'équipe nationale belge d'impro en fait parfois un peu trop avec son personnage de Delphine, mais reste toujours dans le registre de la sincérité.

Et puis, joli coup de la production que de nous proposer pour une fois autre chose qu'une pin-up de service qui se dénude. Ici, c'est une actrice de plus de 40 ans, avec déjà quelques (jolies) rides, qui se trouve être la folle de sexe de la série. Et ce n'est pas plus mal. Cela nous change des Pamela Anderson et autre Tiffany Amber Tissen à la plastique irréprochable. Vous avez pu déjà entre-apercevoir cette excellente actrice dans un épisode de « Crimes en Série » ou de « Sauveur Giordano ».

Analyse... Et deux questions

La première : 7ème Ciel Belgique est-elle le renouveau des séries TV Belges ?

Ben oui, depuis le capiteux « Affaires De Familles » sur RTL Tvi, on n'avait plus eu droit à une production maison pour les chaines francophones belges. Et il faut dire que le dernier « grand succès » remonte à 1988 sur la RTBF. Il s'agissait de la SitCom « Le Bonheur D'en Face » avec l' inénarrable Annie Cordy.

Petite parenthèse en passant, si le Sud de la Belgique est jusque là pauvre en production propre de séries, le Nord par contre ressemble plus à l'eldorado. Nombreuses sont les productions de la télévision, tant publique que privée, en Flandre. Et celles-ci remportent un vif succès. Des co-productions et des synergies existent également avec les Pays-Bas.

Bref, si la Belgique francophone continue depuis des années à co-produire des épisodes de séries et de feuilletons avec la France (citons, notamment, l'un ou l'autre Maigret, version Cremer, quelques Joséphine Ange Gardien, ou des participations dans diverses séries de l'été), plus rien de neuf, n'avait vu le jour depuis belle lurette. Et voilà-t-y pas que la RTBF décide de réinstaurer une case fiction sérielle belge et crée Septième Ciel Belgique. Avec l'espoir qu'en cas de réussite, le créneau puisse à nouveau être exploité.

Et bien finalement, le pari semble gagné. Malgré certaines faiblesse, 7ème Ciel a réussi à fidéliser l'audimat minimum qu'avait imposé la direction de la RTBF. La série aura donc droit à une seconde saison . Mais ce n'est pas tout, grâce au succès de 7ème Ciel, d'autres séries maisons vont pouvoir être produite. La première d'entre-elle a d'ailleurs été diffusée, avec grand succès. Son titre, typiquement belge : Melting Pot Café, en fait le nom du plus vieux café de Bruxelles. Seuls 6 épisodes ont été commandés, mais une saison 2 est en préparation. Nous vous en parlerons probablement dans un futur dossier.

Bref, on peut effectivement parler de renouveau de la série Belge francophone, même si l'on s'attendait à plus d'audace et d'ambitions.

La seconde question qui me vient à l'esprit en évoquant 7ème Ciel Belgique, c'est de savoir si trop de références ne tue pas dans l'œuf une œuvre qui sera d'office moins originale et moins drôle que sa principale inspiration ?

Je m'explique : les principaux ingrédients de Septième Ciel Belgique sont : Une héroïne gaffeuse qui passe son temps à tomber ou à faire des lapsus au plus mauvais moments. Cette même héroïne qui passe son temps à avoir des conversations intérieures avec elle-même. Des toilettes mixtes (ou plutôt une salle de bains mixte) ou les confidences les plus importantes sont dites. Une secrétaire et une patronne des plus excentriques. Une héroïne (à nouveau) qui retrouve son amour d'enfance et va travailler avec lui, et donc retomber amoureuse de lui.

J'arrête là ma démonstration, si vous n'avez pas encore fait le rapprochement, c'est que vous n'avez jamais vu un épisode d'Ally McBeal. Pourquoi avoir tant voulu imiter la série de la jeune avocates aux jupes courtes ? D'autant que la production avait alloué à la série un budget relativement confortable, qui aurait pu lui permettre d'être un peu moins consensuelle. Mais bon, peut-être les créateurs, à tord ou à raison, ont préféré démarrer avec une série très très grand public pour permettre ensuite la production d'œuvres un peu plus décallées. L'avenir nous le dira.

Conclusion

Septième Ciel Belgique n'est donc pas la série du siècle, mais reste tout de même un moment rafraîchissant dans le Paysage Audiovisuel Belge. Enfin autre chose qu'une ennième rediffusion de Julie Lescaut ou de Navarro. Alors oui, les acteurs ne sont pas toujours très à l'aise (surtout au début) ; oui, certaines scènes comme celle du rendez-vous romantique sur le pont-levis sont d'un mièvre et d'un kitsch sans nom ; oui toujours, 7ème Ciel Belgique est une pale resucée d'Ally McBeal version Tournaisiène.

Mais bon, la série se bonifie au fil des épisodes et les 4 derniers sont d'ailleurs bien meilleurs que leurs prédécesseurs. Dommage qu'il ait fallu attendre jusque là, et perdre au passage de nombreux téléspectateurs en route.

On notera donc que le tournage de la seconde saison est en cours. Que l'ensemble du casting, excepté Yannick Regnier a resigné pour un tour. Que le nouvel astrologue devrait s'appeler Gaspard. Et que ce que j'en ai vu me paraît plus que prometteur. Mais ceci est une autre histoire, que j'espère pouvoir vous raconter dans un droit de suite prochain.